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Música Viva - Últimas Noticias
Reproductor estéreo de Yamaha en conexión a internet

Reproductor estéreo de Yamaha en conexión a internet

El nuevo reproductor estéreo en red perteneciente a la familia MusicCast permite acceder a emisoras de radio por Internet o escuchar música en streaming procedente de diversas plataformas. Además, lee los archivos contenidos en el disco duro o biblioteca personal del usuario y otros dispositivos portátiles.

Diseñado bajo la premisa de “sonido natural”, cuyo fin es el de reproducir la música como si se tratase de sonido en directo, también es compatible con una gran variedad de formatos de audio en alta resolución y está provisto de un conversor Burr-Brown (digital/analógico).

Yamaha, compañía europea líder en la fabricación de sistemas de sonido, presenta un nuevo reproductor de audio en red: NP-S303.

Un sistema incluido en la familia MusicCast y compatible con una gran variedad de servicios populares de streaming, incluyendo Spotify, los servicios de Tidal y Deezer, así como Napster®, Qobuz, Juke y otro. Todo ello permite al usuario disfrutar de sus artistas favoritos, así como descubrir otros nuevos y, también, contar con múltiple contenido musical de cualquier lado del planeta.

Yamaha, sello de calidad

Yamaha NP-S303 ha sido fabricado en base al concepto de “sonido natural”, cuyo fin es reproducir la música como si se tratase del sonido en directo, es decir, lo más fiel a la realidad.

Asimismo, el diseño de su circuitería interna se ha realizado con el más escrupuloso cuidado. Así, cada pieza ha sido meticulosamente seleccionada y estratégicamente colocada con el objetivo de reducir al máximo la pérdida de energía, mientras que se mejora la capacidad de salida del audio a volúmenes elevados. El resultado se traduce en un sonido claro, lleno de matices, y una sensación de gran amplitud.

Variedad de formatos en alta resolución

El sonido siempre depende de una fuente, y cuando se habla de audio en alta resolución realmente uno se está refiriendo a una fuente en alta resolución. Así, este reproductor es compatible con una amplia variedad de formatos de audio de alta resolución, lo que significa que cada voz e instrumento se pueden disfrutar como si se estuvieran experimentando en directo.

La gama de formatos de archivos de audio admitidos abarca desde ficheros DSD hasta 5,6 MHz, pasando por formatos AIFF, WAV o FLAC hasta 192 kHz y 24 bits, así como Apple Lossless hasta 96 kHz y 24 bits.

Además, está provisto de un conversor Burr-Brown (digital/analógico) que se encarga de transportar los datos con la máxima precisión, manteniendo intactas la sutileza y la riqueza de la expresión musical.

Conectividad completa

Con el objetivo de aportar las máximas posibilidades de conexión y una gran comodidad, Yamaha NP-S303 permite su comunicación con casi cualquier fuente mediante cable o de forma inalámbrica. En este último caso, se puede conectar con equipos compatibles a través de tecnología Wi-Fi, AirPLay o Bluetooth®.

De igual modo, incorpora una ranura USB en el panel frontal, lo que hace posible la reproducción de forma rápida y sencilla de toda la música almacenada en una memoria USB o cualquier dispositivo portátil.

También, universo MusicCast

Como componente de la familia MusicCast, Yamaha NP-S303 puede conectarse a la red Wi-Fi del usuario y transmitir contenidos inalámbricos desde un smartphone, PC o NAS a otros equipos MusicCast presentes en el hogar. El contenido de audio de los smartphones o tablets conectados mediante tecnología Bluetooth® también se puede transferir a dispositivos MusicCast en varias habitaciones.

Y todo ello controlado de manera cómoda e intuitiva a través de la aplicación gratuita MusicCast CONTROLLER. Tan sólo es necesario descargarla en el teléfono o la tableta y comenzar a gestionar la interacción entre los diversos equipos MusicCast, y, por supuesto, las diversas funciones y ajustes de NP-S303.

Sencillez y elegancia

Disponible en dos acabados, aluminio plateado o negro, Yamaha NP-S303 se integra perfectamente en cualquier configuración de alta fidelidad doméstica.

Finalmente, y para una mayor comodidad, el reproductor se acompaña de un mando a distancia con 10 botones predeterminados que permiten un acceso directo a las emisoras de radio de Internet o a la música seleccionada por el usuario.

PVP Yamaha NP-S303: 349 euros (IVA incluido) 

www.yamaha-es.com 

Leonard Bernstein y Aaron Copland en los conciertos de la Fundación Più  Mosso

Leonard Bernstein y Aaron Copland en los conciertos de la Fundación Più Mosso

La Fundación Più Mosso en colaboración con la Rutgers University de New Jersey y la Leonard Bernstein Foundation de Nueva York celebran, el próximo 28 de diciembre, un concierto dedicado a Leonard Bernstein en la Sala de Cámara del Auditorio Nacional de España en Madrid, con carácter recaudatorio para su ambicioso Proyecto Social, que tiene a la música como medio de ayuda no material a colectivos de niños y jóvenes en grave riesgo de exclusión en España.

El  28  de  diciembre  de  2017  seremos  testigos  de  un  gran  concierto  para celebrar el centenario del nacimiento de Leonard Bernstein.  La Fundación Più Mosso junto con la Rutgers University de New Jersey y la Leonard Bernstein Foundation  de  Nueva  York  han  colaborado  para  poder  poner  sobre  el escenario un maravilloso elenco de profesionales. Por un lado tendremos grandes solistas al piano y al violín provenientes de la Rutgers University de New Jersey, las maravillosas voces del Zenobia Scholars y por otro tendremos a  la Orquesta Più Mosso formada por grandes profesionales del panorama nacional, dirigidos por Iván Palomares.

La Fundación Più Mosso lleva a cabo una gran labor para promocionar la música, dar oportunidades a músicos jóvenes, a grandes músicos profesionales y realizar todo tipo de proyectos fundamentales en el desarrollo musical y educativo y social tanto a nivel nacional como internacional.

En este concierto tendremos una orquesta con la marca "Più Mosso" bajo la batuta del joven pero gran director, Iván Palomares, un profesional tanto en el ámbito de la dirección orquestal como en la composición, que promete hacernos disfrutar de un concierto inolvidable. El maestro Palomares tiene una gran trayectoria profesional tanto a nivel de dirección orquestal, donde ha dirigido a grandes orquestas tanto nacionales como internacionales, entre las que nos encontramos con Orquesta Sinfónica de Radio  Televisión  Españolala  Orquesta  Sinfónica  de  Budapest,  la Hollywood Session Orchestra, La Orquesta Sinfónica de Louvain-­La Neuve, la Orquesta Filarmonía de Granada o La Joven Orquesta Leonesa entre otras;   como   a   nivel   compositivo  donde   acumula   cantidad   de   premios nacionales e internacionales, así como numerosos proyectos de enorme calidad.

Todos los asistentes podrán disfrutar y conocer más en profundidad la mejor música de Leonard Bernstein y Aaron Copland.

Más Información y venta de entradas:

www.auditorionacional.mcu.es/es

www.entradasinaem.es/ 

https://www.fundacionpiumosso.com/

https://www.facebook.com/fundacionpiumosso/

Foto: Iván Palomares, director titular de la Orquesta Piú Mosso.     

El cuidado en la selección de los directores invitados

El cuidado en la selección de los directores invitados

Crítica - Las Palmas de Gran Canaria 

Para estas dos convocatorias, la Orquesta Filarmónica de Gran Canaria contó con la presencia de sendos directores invitados, cada uno con un programa bien diferenciado. En la primera, Gerar Korsten escogió un programa clasicista integrado por la infrecuente Primera Sinfonía de Mozart, interpretada con la pulcritud y el encanto esperable de una pieza realizada por un niño de ocho años, para continuar con el Concierto para Fagot en Do menor de Du Puy, pieza de envergadura para el solista, por su amplia duración, 30 minutos, y sus dificultades técnicas que Sambeek solventó impecablemente, brindando un muestrario  de las posibilidades del instrumento, secundado con atención por Korsten. 

Cerró la velada la Sinfonía 104 "Londres" de Haydn en una interpretación briosa y enérgica, cuidada en sus mínimos detalles, de los mejores Haydn que ha ofrecido la OFGC. La segunda propuesta vino de Andrew Gourlay, que abrió fuego con la Passacaglia de Anton Webern de la que extrajo tensos silencios y exquisitas sonoridades camerísticas que enfrentó a los dramáticos pasajes en tutti dejando en el aire una impresión desasosegante. El Concierto para violín de Glazunov supuso un giro de 180 grados por su grato melodismo de raíz romántica que el solista Albrecht Menzel expuso impecablemente, gracias a su sonido acariciador, volumen suficiente y alto virtuosismo, en complicidad con la batuta, alerta ante cualquier exceso orquestal. La obertura y suite de la ópera Guerra y Paz de Prokofiev concluyó la sesión con una lectura muy dramatizada, que destacó la rica paleta tímbrica del autor ruso y sus amplias dotes melódicas, equilibrando con inteligencia los pasajes más tempestuosos con los extáticos e introspectivos, que una orquesta en línea ascendente plasmó con desenvoltura. 

Juan Francisco Román Rodríguez 

Bram van Sambeek, fagot. Orquesta Filarmónica de Gran Canaria/Gerad Korsten. Obras de Mozart, Du Puy y Haydn. Albrecht Menzel, violín. Orquesta Filarmónica de Gran Canaria/Andrew Gourlay. Obras de Webern, Glazunov y Prokofiev. Auditorio Alfredo Kraus. Las Palmas de Gran Canaria.

 

El violinista impasible 

Shlomo Mintz es sin duda uno de los grandes violinistas de las últimas décadas. La Fundación Teatro Pérez Galdós-Auditorio Alfredo Kraus en colaboración con la Sociedad Filarmónica de Las Palmas, ha tenido el acierto de traerlo para un recital de cámara que el veterano músico afrontó con cierto distanciamiento interpretativo y problemas en la afinación que se dejaron sentir en la mayor parte de la velada compuesta por la Sonata en Si Bemol mayor K454 de Mozart, mortecina y lineal, Poeme Op. 25 de Chausson, de escaso vuelo lírico y ostensibles problemas de afinación que resolvió en la segunda mitad, consiguiendo ejecutar con limpieza los hermosos y difíciles trinos finales y la Sonata nº 3 de Brahms interpretada con el piloto automático y una afinación más controlada. 

Solo las obras de Sarasate: Capricho vasco, Fantasía Carmen, Habanera y la Canción China de Kreisler, estas dos últimas dadas como propina, parecieron motivar al músico israeli a una mayor implicación emocional y un virtuosismo técnico a la altura de su fama. El pianista Sander Sitting se mantuvo toda la velada en un correcto segundo plano, sin ostensibles problemas técnicos pero con similar distanciamiento interpretativo que su compañero. 

Juan Francisco Román Rodríguez 

Shlomo Mintz, violín. Sander Sittig, piano. Obras de Mozart, Chausson, Brahms y Sarasate.
Fundación Teatro Pérez Galdós. Sociedad Filarmónica de Las Palmas. Teatro Pérez Galdós.
Las Palmas de Gran Canaria.
 

Foto: Orquesta Filarmónica de Gran Canaria en el Auditorio Alfredo Kraus.

Un finlandés entre checos

Un finlandés entre checos

Crítica - Barcelona BCN Classics

El pasado 10 de noviembre, el Palau de la Música Catalana acogió el primer concierto de la temporada del ciclo BCN Classics. El gran reclamo del mismo era, sin duda, la presencia de la violinista Viktoria Mullova como solista del Concierto para violín de Sibelius. Un lujo, no ya por sus dominio técnico, que se da por descontado, sino por un sonido que ha ido ganando en calidez y transparencia, como bien pudo apreciarse en el mágico inicio de la partitura o en el modo de abordar el Adagio di molto. Al buen resultado contribuyó, y mucho, la compenetración entre violinista y una sólida Sinfónica de Bamberg. La dirección de esta corrió a cargo de Jakub Hrusa, uno de los últimos talentos surgidos de la inagotable cantera de batutas checa. Lo pudo demostrar en las obras que abrieron y cerraron el concierto, ambas de maestros bohemios: El Moldava de Smetana y la Sinfonía n. 9 “Del Nuevo Mundo” de Dvorák. Si la primera gozó de una lectura colorista y fraseada con mimo, la segunda fue electrizante. Sí, es una de esas obras que se han escuchado ya tantas veces que uno difícilmente espera ser sorprendido. Y hubo sorpresa gracias a una planificación que resaltaba los más mínimos detalles de la orquestación, todo ello sin sacrificar un ápice de brío ni calor. Excelente.

Juan Carlos Moreno

Bamberger Symphoniker / Jakub Hrusa. Viktoria Mullova, violín. Obras de Smetana, Sibelius y Dvorák.
Palau de la Música Catalana, Barcelona.
 

Foto: Viktoria Mullova, violín.

 “El Mozo de mulas” de Antonio José, su ópera magna

“El Mozo de mulas” de Antonio José, su ópera magna

Crítica - Burgos

Todo Burgos volcado en propiciar la versión concierto, de la obra que ocupó la vida de Antonio José Palacios (1902-1936) desde 1927 hasta su inexplicable fusilamiento. RITMO, Noviembre 1977, publicó un excelente trabajo de Miguel A. Palacios Garoz sobre este músico burgalés, que se consagró como apuesta segura de brillante futuro.    

Los músicos Fernández-Núñez (redactor que fue de RITMO) y Mateo (versificador) hicieron el libro sobre los capítulos 42 a 46 del “Quijote” cervantino (43 y 44 en particular), con el que construir una gran ópera española, utilizando su experiencia parisina, de Wagner a Ravel, de Falla, Usandizaga y el folk burgalés, logrando de su numen novedades musicales y escénicas.

Construye hasta 30 temas diferentes y un leimotiv para cada solista de los 18 precisos; toma 4 temas populares, muy desarrollados el del “Mozo de mulas”, que recorre la obra orquestal  y vocalmente, sobre el baile al agudo “El Calangrejo” y la “Canción de corro” en la “Danza popular”; casi literales salvo toques de ritmo y melodía, la “Canción del Quijote” (citada en el Libro) y el “Baile a lo llano” para el “Coro de amanecer”. Concibe 10 mimos en escena y Apoteosis final (otra originalidad) para otros 10 personajes del “Quijote”. Hay ballet y rondalla, coro y gran orquesta. Dejó orquestados los Actos 1º y 3º, por lo que Alejandro Yagüe (fallecido hace 3 meses) hubo de completar y revisar toda la partitura en arduo pero excelente trabajo.

El asunto de la “Comedia lírica en 3 Actos” como subtituló la reducción Canto-Piano íntegra, glosa los amores de los jóvenes D. Luis (T) y Dña. Clara (S), impedidos por sus padres D. Álvaro (Bt) y El Oidor D. Juan (Bt-Bj) hasta que, hábiles engaños urdidos por próximos, estudiantes y villanos bien delineados en venta y pueblos manchegos, los facilitan y hacen posible el “¡Gloria al Amor!” del Coro general final.

La interpretación tuvo en Francisco Corujo y Alicia Amo (Luis y Clara), dos jóvenes cantantes de interés, ambos líricos, bien timbrados, con gusto musical y carácter, que aprovecharon el exquisito material escrito en sus dúos de lamento o de pasión amorosa, con perfección. Cerca estuvo La Chacona de la mezzo Raquel Rodríguez con gracia escénica, y Sandra Redondo (S), justa y medida en sus 4 papeles; el resto del joven elenco, afinados, entregados y cumplidores.

Rondalla y Coro de FECOBUR (139 cantores bien preparados por J. G. Martínez)  realzaron sus partes, destacando el Coro en sus intervenciones. La OSBu fue una sorpresa: su prestación tuvo nivel notable en partitura exigente para todas sus familias y el conjunto. Javier Castro, Concertador, cumplió bien su dura función a la que pudo pedirse mayor energía comunicativa y variedad dinámica. La acogida de la sala al completo fue atronadora de aplausos y más al añadirse el “Himno a Castilla” también de Antonio José, orquestado por S. Vega.

José Mª Morate Moyano

“El mozo de mulas” de Antonio José. Libro: M. F. Fdez-Núñez y L. Mateo. A. Corujo ( T), A. Amo (S), S. Redondo (S), R. Rodríguez (MS), A. Muñoz (T), J. Hortigüela (Bt), etc. Sinfónica de Burgos, Rondalla, Coro de FECOBUR/J.G. Martínez. Director: Javier Castro.
Auditorio Rafael Frühbeck de Burgos, Fórum Evolución. Burgos. 

Foto: Por fin vio la luz “El Mozo de mulas” de Antonio José, su ópera magna (foto de Rafa Sáiz). 

Shoah, de Jorge Grundman, en el auditorio del Museo Guggenheim

Shoah, de Jorge Grundman, en el auditorio del Museo Guggenheim

El 24 de noviembre a las 18:00 horas en el auditorio del Museo Guggenheim, Vicente Cueva estrenará en Bilbao la partita creada para Homenajear a las Víctimas del Holocausto “Shoah for Solo ViolIn and Sacred Temple” y escrita por Jorge Grundman.

En síntesis, se trata una partita para violín solo escrita con la intención de emocionar y de recordar al público la Memoria de las Víctimas del Holocausto, con la filosofía de interpretarse siempre en lugares sagrados o señalados. A esta obra le acompaña un texto específico que contiene un relato de lo que se narra musicalmente junto con los hechos históricos que dan lugar a cada pieza.

Esta partita ha sido recientemente publicada por la Fundación Non Profit Music.

Para más información puede visitar los enlaces siguientes:

Información sobre Shoah para Violín Solo y Templo Sagrado

http://shoah.nonprofitmusic.org

Información sobre el concierto y venta de entradas

https://www.guggenheim-bilbao.eus/actividades/shoa-para-violin-solo-y-templo-sagrado/ 

Foto: Shoah, de Jorge Grundman, en el auditorio del Museo Guggenheim.

Marcos Fernández Barrero ganador del IX  Premio de Composición AEOS-Fundación BBVA

Marcos Fernández Barrero ganador del IX Premio de Composición AEOS-Fundación BBVA

El galardón, dotado con 18.000 euros, es uno de los más importantes del panorama musical e incluye la interpretación de la obra ganadora por una treintena de orquestas

El jurado ha destacado el alto nivel de las 38 obras presentadas en esta edición; a las nueve ediciones del premio se han presentado un total de 335 partituras

Se ha dado a conocer el ganador de la IX edición del Premio de Composición AEOS-Fundación BBVA, en un acto en el que han participado Ana Mateo, presidenta de la Asociación Española de Orquestas Sinfónicas (AEOS); Antoni Parera Fons, compositor, productor musical y presidente del jurado; Rafael Pardo, director de la Fundación BBVA; y María de Miguel, notaria, que –en presencia de los medios de comunicación y de una veintena de compositores, directores de orquesta, intérpretes y gestores de formaciones– ha abierto la plica que contenía el nombre del autor de la partitura anónima seleccionada por el jurado en el día de ayer.

La obra ganadora ha sido Nocturno Sinfónico, de Marcos Fernández Barrero (Barcelona, 1984). Tras conocer la identidad del autor de la obra premiada, se ha contactado con él vía telefónica desde Londres, donde se encuentra impartiendo docencia, durante la propia rueda de prensa. El compositor ha manifestado su alegría por el premio, en particular por "el hecho de que gracias a este galardón la partitura se vaya a incluir en la programación de muchas orquestas. Esto es esencial para que la obra no se quede muerta, para que conecte con el público y aporte a la sociedad".

Nocturno Sinfónico tiene una duración aproximada de trece minutos y está escrita para piano, cuerda, flauta, oboe, clarinete, fagot, trompa, trompeta y timbales. "Es una obra que he ido madurando durante años", ha explicado Fernández Barrero, "y está inspirada en los mágicos y misteriosos estados psicológicos que se dan con frecuencia en el descanso nocturno. Me interesa lo que sucede en la mente cuando no estamos pensando ni decidiendo, lo que hay en el subconsciente".

Desde el punto de vista musical, con Nocturno Sinfónico ha buscado "un cierto punto de innovación musical en relación con las texturas, para explorar lo que se puede hacer con una orquesta, en un camino de indagación idiomática que a la vez respeta lo que es ejecutable por una sinfónica".

Marcos Fernández Barrero es licenciado en Piano por la Escuela Superior de Música de Cataluña, en Composición por el Real Conservatorio de Escocia y máster en Composición por el Real Colegio de Música de Londres. A sus 33 años cuenta con más de veinte galardones internacionales, entre los que figuran los de la Real Sociedad de Armonía (Bélgica) y el Patron's Fund del Real Colegio de Música de Londres. En los últimos cuatro años su música se ha interpretado en más de cuarenta ocasiones en Reino Unido, España, Italia, Bélgica, Malta, Bulgaria, Australia, Estados Unidos y Taiwán.

En el campo audiovisual su trabajo más conocido en la banda sonora de Tuck me in ("Arrópame") un corto dirigido por Ignacio F. Rodó. Es autor de dos óperas: Noctum –fruto de su estancia como compositor en residencia en Oviedo– y Miracle!, escrita junto al libretista y autor de best sellers David Almond para la ciudad de Sunderland. Con una trama centrada en el fútbol y la Premier League y pensada para un público que no ha ido anteriormente a una ópera y que jamás habría asociado este género con el fútbol, Miracle! ha conocido una gran aceptación de público y crítica en Reino Unido y ha sido distinguida con tres premios culturales.

Es miembro de la Real Sociedad de las Artes de Londres, ciudad donde es profesor de Composición en el Trinity Music Academy y de Piano en el Haberdashers' Aske's College.

Un indicador de la alta calidad de la música española

Además de Antoni Parera como presidente, el jurado ha estado compuesto por el compositor Ramón Lazkano; Álvaro Albiach, director artístico y titular de la Orquesta de Extremadura; Antonio Méndez, director de orquesta; y Jesús Torres, compositor y ganador de la VIII edición del Premio de Composición AEOS-Fundación BBVA. Ha actuado como secretario, con voz pero sin voto, el compositor Xavier de Paz.

A esta edición se han presentado 38 obras, con lo que este certamen bienal ha recibido un total de 335 composiciones en las nueve convocatorias celebradas hasta ahora.

Antoni Parera ha destacado "la elevada participación y la altísima calidad de las obras presentadas, escritas con gran oficio y talento. Cada labor de descarte ha sido una decisión dolorosa. Este pugilato es, a la vez, un motivo de alegría, porque nos hace ver que España es una potencia creadora de primer nivel: Marcos Fernández ha ganado por méritos propios, pero en un entorno muy exigente, con un significativo número de obras que también podrían haberse alzado con el galardón".

De Nocturno Sinfónico destaca que "es una obra de un lenguaje actual, con un gran sentido del color, del fraseo; es inspirada y le auguro un largo recorrido. Hay obras que tienen, a la vez, su debut y despedida; en cambio, pienso que a las orquestas les va a interesar trabajar con esta obra. Está escrita de una manera muy inteligente, con un gran conocimiento de la orquesta y es agradecida de tocar".

Parera ha subrayado que el reconocimiento que entraña el Premio de Composición AEOS-Fundación BBVA es, para cualquier creador, "un gran estímulo y tiene la ventaja de que supone su interpretación por las diversas orquestas que integran la Asociación Española de Orquestas Sinfónicas".

Galardón singular

El Premio de Composición AEOS-Fundación BBVA está considerado uno de los más importantes del panorama musical. Pone el foco en impulsar la creación de música de vanguardia en nuestro país, y el único requisito que se exige a los participantes es que sean españoles o extranjeros residentes en España.

Está dotado con 18.000 euros, un rasgo que lo distingue entre las distintas familias de premios musicales del país. Sin embargo, más importante aún es que la obra seleccionada se incorpora a la programación ordinaria de las 28 orquestas de la AEOS, de manera que el ganador se convierte, en los dos años siguientes, en el autor español de música contemporánea más interpretado por sinfónicas profesionales. Se logra así una amplia difusión de la partitura premiada, al tiempo que se acercan al público obras representativas de creación actual. Las partituras ganadoras hasta ahora han sido interpretadas en concierto en no menos de 130 ocasiones.

Por otra parte, AEOS y la Fundación BBVA garantizan la pervivencia de las piezas y su incorporación al acervo cultural a través de su grabación. Ya se ha editado un CD con las obras seleccionadas en las cinco primeras ediciones, al que seguirán sucesivos recopilatorios.

El proceso de selección distingue, asimismo, al premio por su rigor y transparencia. La composición del jurado es pública, está formado por pares –es decir, directores y compositores– que aplican la mejor métrica para el reconocimiento de la creación musical y las partituras son anónimas; solo una vez seleccionada la ganadora se abre el sobre que coincide con el nombre de la obra y contiene la identidad del autor. Ningún representante de la Fundación BBVA forma parte del jurado ni interviene en sus deliberaciones. Las bases contemplan la posibilidad de dejar desierto el fallo en caso de que las composiciones presentadas no alcancen el nivel suficiente, circunstancia que se materializó en la sexta edición del certamen.

En la octava edición el galardonado fue Jesús Torres, por Tres pinturas velazqueñas; en la séptima, Fernando Buide, por Fragmentos del Satiricón; en la quinta, Javier Santacreu, con De la belleza inhabitada, a quien precedió Isabel Urrutia con la obra Gerok para orquesta. La tercera edición fue protagonizada por Líneas de fuerza, de Carlos Satué; la segunda, por Seven Looks (Siete miradas) for orchestra, de Agustín Charles; y la edición inaugural fue ganada por Francisco Lara con la obra Hopscotch.

El Premio cuenta con la colaboración del Instituto Nacional de Artes Escénicas y de la Música (INAEM).

Perfil del jurado

Antoni Parera Fons (presidente). Compositor y productor discográfico, su obra consta de más de 250 títulos registrados, muchos de ellos canciones o ciclos de canciones escritos por encargo de sus intérpretes. Ha producido centenares de grabaciones, con un gran número de intérpretes, orquestas y directores, entre las que destacan Josep Carreras, Jaume Aragall, Joan Pons, M.ª Dolores Pradera, Antoni Ros Marbà, Josep Pons, Víctor Pablo Pérez, la Orquesta Nacional de España y la Orquesta Sinfónica de Barcelona y Nacional de Cataluña, entre otras muchas. También ha dirigido la colección Zarzuela con grabaciones históricas que contaron con la participación de Alfredo Kraus, Plácido Domingo y María Bayo. Es Premio Nacional de Música 2016 del Ministerio de Cultura, Educación y Deporte.

Xavier de Paz (secretario). Formado en Composición con Stephen Gryc y James Sellars en la Hartt School of Music de la Universidad de Hartford, en Estados Unidos, donde se especializó en música electrónica y por ordenador. Sus obras han sonado en concierto en España, Alemania, Francia, Italia, Portugal y Estados Unidos. Ha recibido encargos de composición de Jean Pierre Dupuy, la Universidad de Santiago de Compostela, el Pabellón de España en la Expo 2000 Hannover y la Real Filharmonia de Galicia, entre otras instituciones. Ha colaborado con el Instituto Complutense de Ciencias Musicales en la edición crítica de las zarzuelas Los sobrinos del capitán Grant, de Caballero, y Pan y toros y Mis dos mujeres, de Barbieri.

Ramón Lazkano, compositor. Formado en Composición en San Sebastián, París y Montreal, obtuvo el Diploma de Estudios de Doctorado en Música y Musicología del siglo XX en la Escuela de Altos Estudios en Ciencias Sociales de París. Su música se ha interpretado en los festivales más reputados y por formaciones de renombre internacional: así, el Festival de Otoño de París, Ars Musica de Bruselas y Monday Evening Concerts de Los Ángeles han dedicado retratos a su obra; los ensembles Recherche, Intercontemporain y Smash han presentado monografías de su Laboratorio de Tizas. Es, entre otras distinciones, premio de Composición Musical de la Fundación Prince Pierre de Mónaco y premio Georges Bizet de la Academia de Bellas Artes de Francia. Es profesor de orquestación en Musikene, Centro Superior de Música del País Vasco. 

Álvaro Albiach, director de orquesta. La obtención del Gran Premio del Jurado y del Premio del Público en la 46ª edición del Concurso Internacional de Dirección de Orquesta de Besançon en 1999 supuso el punto de partida de su carrera profesional, tras lo que vino su debut al frente de la Orquesta Nacional del Capitole de Toulouse en la Halle aux Grains. Desde entonces ha desarrollado una intensa carrera con invitaciones de importantes agrupaciones, como la Orquesta de Cámara de Viena, NDR Radio Philharmonie de Hannover, la Orquesta Estatal de Halle, la Orquesta Sinfónica de Trondheim, Orchestre d'Auvergne, Flemish Radio Orchestra, Württembergische Philharmonie, Orquesta Nacional de Lyon, Orquesta Sinfónica Nacional de Chile, así como de las principales orquestas españolas (Orquesta Nacional de España, Orquesta de RTVE, Sinfónicas de Tenerife, Galicia y Barcelona, Ciudad de Granada, etc.). En septiembre de 2012 fue designado director artístico y titular de la Orquesta de Extremadura.

Antonio Méndez, director de orquesta. Formado en el Conservatorio Superior de Música de Madrid y en la Universidad de las Artes de Berlín con el profesor Lutz Köhler, se dio a conocer internacionalmente al ganar el Malko Competition 2012 en Copenhague y quedar finalista, en 2013, en el Premio de Jóvenes Directores que organizan Nestlé y el Festival de Salzburgo. Ha logrado un gran éxito dirigiendo formaciones como la Orquesta Tonhalle de Zúrich, la Orquesta Sinfónica de la Radio de Baviera, la Mahler Chamber Orchestra, la Orquesta Sinfónica Nacional de Dinamarca, la Tonkünstler Orchestra, la Orquesta Sinfónica de la Radio de Fráncfort, la Orquesta Filarmónica de Luxemburgo y la Orquesta de Cámara de Lausana. En junio de 2013, por invitación del maestro Lorin Maazel, realizó su primer debut en Estados Unidos en el Festival de Castleton, dirigiendo La Voix Humaine de Poulenc, y actuó por primera vez con la Orquesta Filarmónica de Los Ángeles.

Jesús Torres, compositor. Realiza su formación académica en el Conservatorio Superior de Música de Madrid. Entre los años 1986 y 1988 estudia Composición con Francisco Guerrero. Su catálogo ronda las cien composiciones, con obras orquestales y de cámara de muy diferentes formaciones instrumentales. Entre sus intereses figura la musicalización de textos, destacando su constante relación con la poesía de Vicente Aleixandre o San Juan de la Cruz. Su música se ha interpretado en festivales y series de conciertos de numerosos países y ha recibido múltiples encargos de instituciones privadas, públicas y de un amplio abanico de intérpretes. Entre sus numerosos galardones destacan el Premio Nacional de Música 2012 y el Premio de Composición Asociación Española de Orquestas Sinfónicas-Fundación BBVA.

AEOS y la Fundación BBVA: compromiso con la música

El Premio de Composición se inserta en la amplia colaboración que la Fundación BBVA mantiene con la AEOS, que se traduce, asimismo, en unas jornadas bienales sobre los retos que las orquestas afrontan en un mundo en continua evolución y el programa de integración social a través de la música Mosaico de Sonidos. El documental homónimo dirigido por Ángeles Muñiz Chacón sobre esta iniciativa se estrenará el próximo domingo, 19 de noviembre, en el Festival Internacional de Cine de Gijón.

www.fbbva.es

Foto: Marcos Fernández Barrero 

ABAO-OLBE presenta Don Pasquale de Donizetti, una explosión de alegría belcantista

ABAO-OLBE presenta Don Pasquale de Donizetti, una explosión de alegría belcantista

Antepenúltima ópera del compositor y la última de las grandes óperas bufas italianas

En el cuarteto protagonista: Carlos Chausson, Jessica Pratt, Santiago Ballerini y Javier Franco

Impresionante producción del Maggio Musicale Fiorentino ideada por Jonathan Miller

En el foso, debut de una de las batutas más solicitadas del panorama internacional: Roberto Abbado

ABAO-OLBE (Asociación Bilbaína de Amigos de la Ópera) recupera por cuarta vez en su historia, más de dos décadas después de su última representación en el Coliseo Albia, Don Pasquale de Donizetti. Los próximos días 18, 21, 24 y 27 de noviembre, con el patrocinio del Departamento de Cultura y Política Lingüística del Gobierno Vasco, sube a escena este título, la última de las grandes óperas bufas italianas inspirada en la commedia dell’arte que se mueve a caballo entre el pasado y el futuro.

Donizetti busca en esta ópera una crítica de las costumbres sociales como hilo conductor de la trama; para ello idea una comedia centrada en cuatro personajes: el dominante, necio y cascarrabias Don Pasquale, los enamorados: el ingenuo Ernesto y la astuta Norina, y el Doctor Malatesta en el tradicional papel de mediador y cómplice de intrigas. Se trata de una comedia distinguida, bien articulada, llena de emoción y sentimiento en la que se suceden escenas cómicas y líricas, extravagantes y tiernas, críticas y entrañables con una elegante combinación de arias, dúos y números de conjunto. Para dar vida a los protagonistas de este título que han de tener unas voces de altura y buenas facultades escénicas para interpretar con naturalidad y elegancia sin caer en el esperpento o la caricatura, ABAO-OLBE ha reunido a un elenco encabezado por el bajo-barítono Carlos Chausson, quien regresa a Bilbao para dar voz a ‘Don Pasquale’, un papel que bisó en la última representación en 1995 en el Coliseo Albia. Completan el reparto la soprano Jessica Pratt como ‘Norina’, el debut del joven tenor lírico Santiago Ballerini como ‘Ernesto’, el barítono Javier Franco como ‘Dottor Malatesta’ y Javier Campo como ‘Notario’

La parte musical está a cargo del maestro Roberto Abbado, esperado debut en ABAO de una de las batutas más solicitadas del panorama internacional quien dirigió a Alfredo Kraus como ‘Ernesto’ en Don Pasquale en la Scala de Milán y una grabación de este título para Sony considerada como referencia absoluta. Abbado ha calificado Don Pasquale como “la obra más equilibrada y perfecta de Donizetti”. La parte coral es una vez más tarea del Coro de Ópera de Bilbao, con Boris Dujin al frente.

En el escenario una impresionante producción proveniente del Maggio Musicale Fiorentino  concebida por Jonathan Miller que recrea una gigantesca casa de muñecas alemana de finales del siglo XVII, con espacios compartimentados en una solución escénica de grandes dimensiones, ocurrente, ingeniosa, original y llena de movimiento. Destaca igualmente por la gran profusión de detalles, atrezzo y rico vestuario de época ideado por Isabella Bywater.

27 de noviembre, clausura de FAIR SATURDAY 2017

La representación de Don Pasquale del 27 de noviembre, acoge el acto de clausura de la tercera edición de Fair Saturday, un día para cambiar el mundo a través de la cultura. ABAO-OLBE, como entidad impulsora de este movimiento, colabora en esta ocasión con una acción especial dirigida a los jóvenes de hasta 25 años que podrán asistir a la representación con una tarifa única de 15€. ABAO-OLBE cederá la recaudación de estas entradas solidarias a la obra social de Fundación ADSIS.

Fundación ADSIS

Fundación Adsis es una entidad sin ánimo de lucro que desde hace más de 50 años lucha para construir una sociedad más justa, solidaria e inclusiva. Trabajan desde la cercanía y el acompañamiento, comprometidos con las personas más vulnerables para que logren desarrollar sus proyectos de vida. Anualmente atienden a más de 22.000 personas a través de 7 programas de acción social en 12 provincias. Además, sus programas de cooperación al desarrollo y comercio justo apoyan a más de 150.000 personas (entre población directa e indirecta) en tres países de América Latina.

ABAO-OLBE comparte con Fundación ADSIS el objetivo de trabajar por una sociedad más justa y participativa y contribuye con esta acción a favorecer la inclusión social a través de la cultura y la ópera, para cambiar desigualdad por oportunidad.

Conferencia sobre “Don Pasquale”

Con el fin de analizar, con carácter previo al estreno, los aspectos más relevantes de esta ópera de Donizetti, ABAO-OLBE ha organizado una conferencia, de entrada libre hasta completar aforo, para el viernes 17 de noviembre en el Auditorio del Museo de Bellas Artes (entrada por la puerta Chillida) a las 19.15 horas. En esta ocasión será Álvaro del Amo,  Licenciado en Derecho por la Universidad de Madrid, y en Dirección por la Escuela Oficial de Cinematografía. Colabora como crítico teatral y cinematográfico en las más importantes revistas culturales y periódicos españoles y como crítico de ópera en el diario El Mundo. Narrador, autor de libros de relatos, ensayista y dramaturgo, considerado en este último género como integrante de la corriente del vanguardismo formal, es también muy conocido en sus facetas de guionista cinematográfico (en corto y largometrajes) y director teatral y de cine. Como narrador, se inicia con Mutis (1980). Otras obras suyas son Libreto (1985), Contagio (1991), La historia más triste (premio Herralde 1991) El horror (finalista premio Herralde 1993), Incandescencia (1998) y Los melómanos (2000). Fue también guionista de la película “Amantes”, de Vicente Aranda.

http://www.abao.org/es/inicio.html

Foto: ABAO-OLBE presenta Don Pasquale de donizetti, una explosión de alegría belcantista.

Les Arts Florissants y William Christie presentan en Madrid la 8ª edición de Le Jardin des Voix

Les Arts Florissants y William Christie presentan en Madrid la 8ª edición de Le Jardin des Voix

Dentro del ciclo UNIVERSO BARROCO del Centro Nacional de Difusión Musical

Entre los seleccionados de este año se encuentra el barcelonés Josep-Ramon Olivé, presente también dentro del ciclo Schubert Lied del CNDM

El domingo 19 de noviembre a las 19 horas, el ciclo Universo Barroco del Centro Nacional de Difusión Musical (CNDM) presenta en la Sala Sinfónica del Auditorio Nacional de Música de Madrid a Les Arts Florissants dirigidos por William Christie y acompañados por los seis jóvenes cantantes seleccionados en la última edición del proyecto Le Jardin des Voix: Natalie Pérez, soprano (Francia, 1988); Natasha Schnur, soprano (Alemania, 1991); Eva Zaïcik, mezzosoprano (Francia, 1987); James Way, tenor (Gran Bretaña, 1992); Josep-Ramon Olivé, barítono (España, 1988) y Padraic Rowan, bajo-barítono (Irlanda, 1990). El programa ‘Un jardín a la inglesa’, está centrado en la ópera inglesa de los siglos XVII y XVIII e incluye a los grandes nombres de la composición de esa época (Gibbons, Dowland, Lawes, Purcell y Haendel). El barítono Josep-Ramon Olivé será también el protagonista de uno de los cuatro conciertos del ciclo Schubert Lied, nueva serie musical que el CNDM programa en Barcelona. 

Un proyecto clave que descubre grandes talentos 

En el año 2002, William Christie creó una academia para jóvenes cantantes que llamó Le Jardin des Voix y la vinculó a la actividad de su famoso conjunto Les Arts Florissants. La experiencia se repitió en 2005 y desde entonces se celebra cada dos años. 
Con la dirección de William Christie y Paul Agnew, Le Jardin es una actividad para jóvenes que están comenzando sus carreras. Tras varias semanas de formación intensiva, los cantantes elegidos realizan un concierto de presentación antes de emprender una gira mundial. En esta ocasión, su estreno tuvo lugar este verano en el festival ‘Dans les Jardins de William Christie’. En esta octava convocatoria han sido elegidos seis cantantes de cinco nacionalidades diferentes. 

Le Jardin des Voix permite que los seleccionados puedan continuar sus trayectorias internacionales en las salas de conciertos más prestigiosas, convirtiéndose en colaboradores habituales de Les Arts Florissants. El proyecto ha descubierto a 50 nuevos talentos de 16 países, entre los que están Katherine Watson, Marc Mauillon, Sonya Yoncheva, Christophe Dumaux, Emmanuele De Negri, Lea Desandre o los españoles Xavier Sabata, Juan Sancho, Gabriel Pérez-Bermúdez y Lucía Martín-Cartón.

http://www.cndm.mcu.es/es/universo-barroco/les-arts-florissants/domingo-19-noviembre-2017-1900

Foto: William Christie / (c) Denis Rouvre.

Próximos conciertos de Francisco Valero-Terribas

Próximos conciertos de Francisco Valero-Terribas

El día 17 de noviembre dirigirá en el Teatro Municipal de Rio de Janeiro, junto a la Petrobras Simphônica, un programa compuesto por obras de Granados, Falla y Sibelius.

A continuación, el día 19 será con la Simfônica Heliópolis, principal orquesta de "El Sistema" en Brasil, en el Museo de Arte Contemporáneo de Sao Paulo, con un programa compuesto por Beethoven y Prokofiev.

Y por último, el día 24 estará en el Palacio de Congresos de Badajoz para ofrecer el Réquiem de Mozart junto a la Orquesta de Extremadura.

El maestro Valero-Terribas fue portada de RITMO en junio de 2015:

https://www.forumclasico.es/RevistaRITMO/Enportada/tabid/167/ID/5375/Francisco-Valero-Terribas.aspx

www.valeroterribas.com

Foto: Francisco Valero-Terribas.

El Teatro Real recibe la Medalla de Honor de la Real Academia de Bellas Artes de San Fernando

El Teatro Real recibe la Medalla de Honor de la Real Academia de Bellas Artes de San Fernando

En un acto solemne, bajo la presidencia de Sus Majestades los Reyes Don Juan Carlos y Doña Sofía, el Rey Don Juan Carlos ha entregado al Teatro Real la Medalla de Honor 2017 de la Real Academia de Bellas Artes de San Fernando.

Su Majestad el Rey Don Juan Carlos ha felicitado “a todos los que han contribuido a que el Teatro Real sea hoy un activo destacado de nuestra cultura.”

También han intervenido Fernando de Terán y José Luis García del Busto ─director y secretario general de la Real Academia de Bellas Artes de San Fernando, respectivamente─, el académico y compositor Tomás Marco ─responsable de la laudatio─ y el presidente del Teatro Real, Gregorio Marañón.

Una breve actuación del Coro Titular del Teatro Real, que interpretó obras de G. Rossini, G. Verdi y P. I. Chaikovski, puso fin a la celebración.

El acto ha congregado a numerosas personalidades del ámbito institucional y cultural de nuestro país.
 

En un acto presidido por Sus Majestades los Reyes Don Juan Carlos y Doña Sofía, que ha tenido lugar el pasado 13 de noviembre, en el Salón de Actos de la Real Academia de Bellas Artes de San Fernando, Don Juan Carlos I ha entregado al presidente del Teatro Real, Gregorio Marañón, la prestigiosa Medalla de Honor de la Real Academia de Bellas Artes de San Fernando 2017, cuya candidatura fue presentada por los académicos Tomás Marco (compositor), Manuel Gutiérrez Aragón (director de cine y escritor) y Francisco Calvo Serraller (historiador y crítico de arte) y aprobada por el pleno de la Academia.

El acto ha congregado a numerosas personalidades del ámbito institucional y cultural de nuestro país, como el ministro de Educación Cultura y Deporte, Íñigo Méndez de Vigo; el secretario de estado de Cultura, Fernado Benzo; la directora general del INAEM, Monserrat Iglesias; la presidenta de la Comisión de Cultura del Congreso de los Diputados, Marta Rivera; y varios embajadores y personalidades como Teresa Berganza, Paloma O´shea e Iñaki Gabilondo, entre otros.

La Medalla de Honor de la Real Academia de Bellas Artes de San Fernando, que fue instituida en 1942 con carácter anual, se concede a una persona o entidad española o extranjera que se haya distinguido de modo sobresaliente en el estudio, promoción o difusión de las artes, en la creación artística, o en la protección del patrimonio histórico, natural y cultural.

En su intervención el Rey Don Juan Carlos ha expresado su orgullo por regresar a la Real Academia de Bellas Artes de San Fernando “que ha sabido modernizarse y adecuar su papel a los tiempos actuales”. Para Su Majestad, la Medalla de Honor “reconoce, en primer lugar, la historia de una institución cultural que, desde sus primeros pasos en 1818, ha alcanzado una altísima calidad en sus producciones artísticas con una notable proyección internacional.”

Asimismo el rey ha destacado la apuesta del Teatro Real en el campo de la innovación tecnológica, “elogiando  sus iniciativas para incorporar a nuevos públicos, muy especialmente a los jóvenes, y el desarrollo de un Programa Social que tiene como objetivo la integración y el crecimiento personal de determinados colectivos desfavorecidos a través de la música.”

El académico y compositor Tomás Marco, responsable de la laudatio, hizo un repaso de la trayectoria e importancia del Teatro Real a lo largo de sus doscientos años de historia, remarcando como “particularmente importante” que a partir de 2007 el Teatro haya “alcanzado una independencia y estabilidad respecto a los poderes públicos (…) con una gestión independiente y profesional no dependiente de los ciclos electorales”.

Para Tomás Marcoel Teatro Real ha realizado una enorme labor cultural con el público para ser tanto un foco de creación cultural viva como de alto entretenimiento cultural. También se ha dirigido a nuevos sectores de espectadores y lleva una amplia política de acercamiento al público infantil y juvenil. Todo ello es lo que le hace ser no sólo un teatro lírico sino una institución cultural capaz de insertarse en su sociedad y transformarla. (…) A los doscientos años de su primera fundación y veinte de su reapertura, el Teatro Real ha realizado una importantísima labor cultural para España.”

En su discurso, el presidente del Teatro Real, Gregorio Marañón y Bertrán de Lis, ha destacado el generoso apoyo que han prestado al Teatro Real Sus Majestades y les ha agradecido el haber ostentado la presidencia de honor del Teatro desde su reapertura, el 11 de octubre de 1997, hasta la abdicación del Rey Don Juan Carlos I, el 2 de junio de 2014.

Asimismo, en su discurso se ha referido al “extraordinario reinado” de Juan Carlos I, destacando que éste pasará a la historia por “haber logrado la reconciliación de las dos Españas, la recuperación de las libertades y la integración en la Unión Europea, así como por sus casi cuarenta años de progreso social y económico.” En este sentido, se ha referido también a la difícil situación en Cataluña, manifestando su esperanza de que “el recuerdo de lo alcanzado, gracias a la concordia y el consenso de todos, nos sirva para superar las circunstancias de hoy y seguir construyendo para las nuevas generaciones un gran país que contribuya también al necesario engrandecimiento de Europa.”

Gregorio Marañón ha expresado su gratitud a los académicos que conformaron la Comisión que designó al Teatro Real para recibir la Medalla de Honor y a otros muy vinculados a su historia reciente, como los compositores Tomas Marco, Cristóbal Halffter, Antón García Abril y Luis de Pablo, los cantantes Teresa Berganza ─una de las primeras mujeres en ingresar en la Academia de Bellas Artes de San Fernando y actual presidenta de la Fundación de Amigos del Teatro Real─, y Plácido Domingo ─académico honorario y profundamente vinculado a la reciente historia del Real─ y, finalmente, ha tenido un recuerdo para Enrique Fernández Arbós, por el impulso que dio, a principios del pasado siglo, a la centenaria Orquesta Sinfónica de Madrid, hoy Orquesta Titular del Teatro Real.

En su intervención ha destacado el apoyo constante al Teatro Real de las Administraciones Públicas fundadoras ─Ministerio de Cultura y Comunidad de Madrid─ y del Ayuntamiento de Madrid, y la colaboración imprescindible de la sociedad civil: los Patrocinadores agrupados en la Junta de Protectores, los mecenas que componen la Junta de Amigos, el Consejo Internacional y el Círculo de Amigos, y los miembros del Consejo Asesor. Ha resaltado la labor de todos los presidentes y de los directores generales y artísticos que tuvo el Teatro Real desde su reinauguración hasta la actualidad, la dedicación y profesionalidad de sus trabajadores y el apoyo del actual ministro de Educación, Cultura y Deporte, Íñigo Méndez de Vigo, así como el de la presidenta de la Comunidad de Madrid, Cristina Cifuentes y la alcaldesa de Madrid, Manuela Carmena.

Al concluir su intervención, Gregorio Marañón ha resumido así el compromiso con el pasado, el presente y el futuro del Teatro Real: “Nuestra institución tiene, desde su origen, en 1818, la vocación de ser la ópera nacional de referencia en nuestro país, y de proyectarse internacionalmente. Tras un larguísimo paréntesis en estos cuatro lustros ha alcanzado esta posición de liderazgo, habiendo superado la terrible crisis de 10 años sin incurrir en ningún endeudamiento y saliendo de la crisis fortalecido y habiendo hecho sus deberes. El Teatro Real está considerado hoy como la tercera institución cultural española y la primera en el ámbito de las artes escénicas y musicales. Pero todo ello, ha finalizado, no debe inducirnos a la autocomplacencia, pues cada vez que cumplimos un deber tenemos la obligación de inventarnos inmediatamente otro nuevo.” En este sentido, ha reiterado el compromiso de la institución de seguir contribuyendo cada día, “desde la excelencia, a la causa de la cultura al servicio de nuestros ciudadanos.”

En el transcurso del acto José Luis García del Busto, secretario general de la Real Academia de Bellas Artes de San Fernando, ha sido el encargado de dar lectura del Acta de concesión de la Medalla de Honor 2017. En la atribución de este galardón al Teatro Real, la Academia subrayó la posición del mismo como la primera institución cultural española en el ámbito de las artes escénicas y musicales y su proyecto artístico, que ofrece una rica y variada programación donde conviven obras clásicas del repertorio lírico, grandes óperas inéditas en su escenario, estrenos mundiales de nuevas creaciones y propuestas de vanguardia.

Asimismo, ha valorado la alta calidad de su producción artística, que le convierte en un referente entre los teatros de ópera a nivel nacional e internacional, y la intensa labor de promoción y difusión de la cultura, esforzándose en llegar al mayor número de personas, especialmente jóvenes y niños, desarrollando también un programa social con el objetivo de impulsar la integración de colectivos desfavorecidos a través de la música. En coherencia con su estrategia de apertura, incorpora las nuevas tecnologías, suscribe acuerdos con entidades culturales de todo el mundo y es sede de espectáculos que cubren una amplísima gama de géneros y repertorios musicales.

http://www.teatro-real.com

Foto: : El Rey Don Juan Carlos entrega al Presidente del Teatro Real, Gregorio Marañón, la Medalla de Honor 2017 de la Real Academia de Bellas Artes de San Fernando.
Crédito: © Javier del Real | Teatro Real
 

PostClassical Ensemble orquesta residente en la Washington National Cathedral

PostClassical Ensemble orquesta residente en la Washington National Cathedral

El director español afincado en Estados Unidos Angel Gil-Ordóñez inicia una nueva andadura este mes de diciembre con su PostClassical Ensemble como orquesta residente en la Washington National Cathedral de la capital del país.

PostClassical Ensemble nace como una respuesta a la marginalización a la que está cada vez más sometida la música en los EEUU. Desde la visión de esta orquesta y de su director, esta situación no puede ser afrontada diluyendo o simplificando la experiencia musical. Al contrario, la respuesta debe ser una experiencia musical creativamente contextualizada y presentada por nuevos espacios en búsqueda de caminos intelectuales y espirituales más profundos

PostClassical Ensemble recibe regularmente excelentes críticas por su trabajo:
“uno de las orquestas más innovativas del país" (Philip Kennicott, The Washington Post), “Salvajemente ambicioso” (Anne Midgette, The Washington Post), “estimulante” (Alex Ross, The New Yorker).

Su primer programa como orquesta residente explora la respuesta de los compositores Hanns Eisler, Dmitri Shostakovich y Arnold Schoenberg al ataque de Pearl Harbor y a la Segunda Guerra Mundial. 

Para más información 
http://pcetempsite.com/performances/pearlharbor/
postclassical.com
gilordonez.com 

Foto: el director Ángel Gil-Ordóñez

 

Roberto Abbado debuta en la ABAO con Don Pasquale

Roberto Abbado debuta en la ABAO con Don Pasquale

El director de orquesta milanés Roberto Abbado, una de las batutas más solicitadas del panorama musical internacional, se subirá al pódium del emblemático Palacio Euskalduna, en su debut en la nueva temporada 2017/2018 de la Asociación Bilbaína de Amigos de la Ópera (ABAO-OLBE). El famoso director italiano se pondrá al frente de la Euskadiko Orkestra Sinfonikoa y el Coro de la Ópera de Bilbao, para dirigir la conocida y genial ópera bufa de Gaetano Donizetti, Don Pasquale, que regresa a Bilbao después de su última representación en 1995.

Tras su extraordinario éxito en la inauguración del pasado Festival Rossini de Pésaro al frente de la Orchestra Sinfonica Nazionale della Rai con la tragedia lírica Le Siège de Corinthe, el maestro Roberto Abbado, actual codirector titular del Palau de les Arts de Valencia y el nuevo director musical del Festival Verdi de Parma (cargo que desempeñará a partir de 2018), dirigirá el próximo 18 de noviembre “la obra más equilibrada y perfecta de Donizetti”, en palabras del propio director italiano. Jonathan Miller, firma esta impresionante producción del Maggio Musicale Fiorentino, que recrea una gigantesca casa de muñecas alemana a finales del siglo XVIII. El elenco vocal estará encabezado por el bajo-barítono Carlos Chausson (Don Pasquale), la soprano Jessica Pratt (Norina) y el tenor Santiago Ballerini (Ernesto). Habrá funciones los días 21, 24 y 27 de noviembre. 

http://www.abao.org/es/Ópera/leer%20más/111/Don%20Pasquale.html 

Foto:  Debut de Roberto Abbado en la ABAO (c) Miro Zagnoli 

Annalisa Stroppa entre las protagonistas de la inauguración de La Scala

Annalisa Stroppa entre las protagonistas de la inauguración de La Scala

Tras su reciente éxito como Fenena en Nabucco en el coliseo milanés, la mezzosoprano italiana formará parte del cast de Andrea Chénier en la apertura de la temporada

La cita es, como cada año, el 7 de diciembre, día de San Ambrosio. La tradición marca esa fecha como la de la inauguración de la temporada lírica de La Scala de Milán, uno de los templos internacionales de la ópera. Y un año más, como lo hiciera el curso pasado con su aplaudida Suzuki de Madama Butterfly, la mezzosoprano Annalisa Stroppa volverá al mítico escenario, un nuevo eslabón en una carrera de vértigo. Entre sus últimas actuaciones destacan su regreso a la Ópera de Montecarlo con su aclamada Rosina de Il Barbiere dio Siviglia, Maddalena de Rigoletto en la Ópera de Amsterdam y su debut en el Festival de Bregenz (Austria) como protagonista de Carmen, de Bizet.

La cantante de Brescia (Italia) se ha consolidado, además, en su relación con el Teatro alla Scala de Milán, escenario en el cual, después de haber debutado en 2015 con Otello y con Rigoletto, inauguró la temporada 2016-2017 con su deliciosa Suzuki, un gran triunfo personal que conquistó tanto al público como a la crítica, que la definió como “la Suzuki que siempre se querría” (Il Corriere della Sera). Annalisa Stroppa también ha debutado recientemente en la Ópera de Astana (Kazakistan) con el rol de Meg en Falstaff (Verdi) en una gira de La Scala, mientras que en octubre, siempre en Milán, volvió al coliseo para meterse en la piel de Fenena de Nabucco.

Este mes de diciembre, y por segundo año consecutivo, será una de las protagonistas en la inauguración del curso scaligero en diciembre debutando el rol de Bersi en Andrea Chénier (Giordano), con funciones programadas para los días 7, 10, 13, 16, 19, 22 y 27 de diciembre y 2 y 5 de enero. “Es un gran honor y un placer inmenso estar nuevamente presente en este gran evento, una noche inaugural tan importante en el mundo de la ópera”, comenta Annalisa Stroppa, que estará dirigida por Riccardo Chailly en una nueva producción de Mario Martone que contará con la soprano Anna Netrebko como Maddalena di Coigny en su debut en el rol. “Después de este compromiso estaré en el Teatro Felice de Génova”, prosigue la artista, “para afrontar de nuevo un personaje muy querido para mí como es el de Adalgisa de Norma, que ya lo he interpretado anteriormente en teatros de Italia y España”.

Seguidamente interpretará a Rosina en la Semperoper de Dresde, Giovanna Seymour de Anna Bolena en Verona, Dorabella de Così fan tutte en Turín y Carmen en el Teatro Pérez Galdós de Las Palmas de Gran Canaria antes de su regreso al Festival de Bregenz con la gitana de Bizet.

www.annalisastroppa.it

http://www.teatroallascala.org/en/season/2017-2018/opera/andrea-chenier.html

Foto: Annalisa Stroppa (© Silvia Lelli) 

Dúo Cassadó presenta en directo Rojo, su nuevo disco en Warner Classics

Dúo Cassadó presenta en directo Rojo, su nuevo disco en Warner Classics

El 23 de noviembre, Damián Martínez Marco y Marta Moll de Alba estarán en La Quinta de Mahler (Madrid) a las 20h, interpretando en directo algunas de las piezas incluidas en el nuevo disco. El evento será presentado por Martín Llade (Radio Clásica), quien conducirá el evento y contribuirá a desvelar algunos de los secretos de este fascinante trabajo.

Álbum disponible el 24 de noviembre en formato CD y digital
 

Decía Kandinsky que el rojo es el color que presenta mayor contraste, pues lo que alimenta su intensidad es una luz que irradia energía con una pasión que arde incontrolada. Tanto en Rusia como en España el color rojo tiene una gran carga simbólica. En ruso antiguo se empleaba el término krasnó, del cual derivaron los adjetivos “bonito” (krasívyy) y “rojo” (krásnyy). De ahí que los rusos siempre escuchen, en lo rojo, lo bonito.

A las evocaciones de intensidad, pasión y vitalidad compartidas con el resto de culturas del mundo, los rusos son capaces de sumar, de manera más bien automática e innata, la asociación entre el color rojo y el concepto de belleza

Y bajo este manto del Rojo abriga Dúo Cassadó el repertorio de este disco, que une la pasión española y rusa y evoca la belleza y el temperamento. “Rojo” incluye la primera grabación mundial de la “Fantasía Española” del compositor español Ernesto Halffter. Escrita en 1953 y dedicada al violonchelista y compositor Gaspar Cassadó. Es una obra poética de gran envergadura instrumental expresiva y de profunda inspiración y supone un hito en la creación musical española, en la que se vislumbran las tendencias vanguardistas de la Europa de la época. En un guiño a la amistad entre Cassadó y Halffter, Dúo Cassadó también incluye en “Rojo” la Saeta de la Sonata en la menor de Gaspar Cassadó.

Junto a estas dos obras encontramos unas evocadoras y poco conocidas piezas de dos compositores rusos que representan a la perfección la visión del álbum y completan la exquisita selección de su repertorio: Preludio, Aria, Intermezzo y Valse de Yuri Shaporin y la inspirada primera Sonata de Nikolai Miaskovsky escrita en dos movimientos sin interrupción.

Foto: Dúo Cassadó presenta en directo Rojo, su nuevo disco en Warner Classics.

https://twitter.com/WarnerClassicES

http://www.duocassado.com/

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