Presentación

ForumClásico
Un espacio en Internet de
información y servicios para los
aficionados a la música clásica.
Le sugerimos que se haga socio de
nuestro Club (es gratis).

Twitter de RITMO Online

 

Música Viva - Últimas Noticias
El Mozart de Noa Wildschut para Warner Classics

El Mozart de Noa Wildschut para Warner Classics

Noa Wildschut, joven violinista holandesa, cumplió 16 años en marzo de 2017 pero tenía solamente 15 cuando firmó un acuerdo exclusivo con Warner Classics y grabó su primer disco para el sello. Está dedicado enteramente a Mozart: el Concierto para Violín Nº 5, el Adagio K.261 (con la Netherlands Chamber Orchestra, bajo la dirección de Gordan Nikolić), y la Sonata para Violín en Si bemol Mayor, K.454 (con el premiado pianista y director de festivales Yoram Ish-Hurwitz, tío de Noa).

“La música de Mozart destila un sentimiento de pureza” – afirma Noa- “y el Quinto Concierto para violín es sumamente bello. De todos sus conciertos para violín, es uno de los más humorísticos. Es casi una especie de ópera, con diferentes personajes. Realmente, se está contando una historia”. La propia Noa ha compuesto las cadencias para el concierto, con ayuda del compositor holandés Max Knigge. “Max trajo la idea y yo comencé a inventar en torno a ella“. Realmente, se convirtió en algo de los dos. Lo hemos creado de forma que haga justicia a Mozart pero que también incluya pequeños chistes”.

El concierto está acompañado por el Adagio en Mi (K. 261), concebido originalmente por Mozart para sustituir la mitad del Concierto Nº 5. “Ahora el oyente podrá comparar los dos” – dice Noa – “Para mí, este Adagio fue un verdadero descubrimiento”. Interpreta también Música de Cámara con la Sonata para Piano y Violín, nº 32 (K. 454). Habiendo programado tanto música concertante como esta sonata, Noa siente que “Estoy mostrando las dos caras de Mozart y, de la misma manera, mis dos facetas”. Su compañero al piano, Yoram Ish-Hurwitz, no es solamente un músico excelso sino también su tío. “La colaboración con Yoram es perfecta” – explica – “Lo conozco de toda la vida así que todo fluye naturalmente”. Por todo ello, es totalmente consciente de sus responsabilidades como intérprete dentro del ámbito de la grabación discográfica: “¿Qué pasaría si descubriese algo nuevo entre las notas, tras finalizar el álbum? En ese momento,  recordaré que cualquier grabación es simplemente el retrato de un instante.

Noa es muy conocida en Holanda, donde actualmente estudia en el Conservatorio de Amsterdam. Aparece regularmente en recitales y como solista junto a las orquestas más importantes del país. También ha estado presente en eventos que van más allá de la Música Clásica. Por ejemplo, participó en un concierto televisado que conmemoraba el bicentenario del Reino de Holanda (2013) o tocando para el Dalai Lama durante su visita oficial al país, en 2014. Además, realizó un discurso sobre el poder de la música en el encuentro TEDxAmsterdam, de 2016.

Internacionalmente, se ha ganado una excepcional reputación gracias a sus conciertos en Alemania, Francia, España, Luxemburgo, Suiza, Reiuno Unido, Bulgaria, Dinamarca, Lichtenstein, Austrial, Estados Unidos, Canadá y Brasil. Entre sus compromisos de 2017, destaca el Concierto para Violín Nº5 de Mozart en Amsterdam , con los miembros de la Orquesta del Concertgebouw y también su debut junto a la Orquesta Sinfónica de Pittburgh. En marzo, cuando actuó por primera vez con la Orquesta Sinfónica de Lucerna, el Luzerner Zeitung publicó: “Noa Wildschut celebró su decimosexto aniversario hace unos días (…) Lleva apareciendo en los escenarios de todo el mundo desde que tenía 11. Más que ver a el surgimiento de una estrella, en términos de esperanza para el futuro, el público puede disfrutar ya del aquí y el ahora de una radiante intérprete.”

Noa nació rodeada de música. Es hija de dos músicos (su madre es profesora de violín y su padre toca la viola en la Orquesta Filarmónica de la Radio Holandesa) y empezó a estudiar violín con tan sólo cuatro años. Debutó en el auditorio más importante de Holanda, el Concertgebouw de Amsterdam, con tan solo siete años y captó una gran atención internacional, dos años después, cuando ganó el primer premio (con música de Mozart) en el Concurso Louis Spohr para Jóvenes Violinistas, en Weimar (Alemania).

Desde 2015, posee una beca de la Fundación Anne-Sophie Mutter, siendo tutelada por la gran violonista alemana, que la ha apoyado de diferentes formas en su desarrollo artístico. También realiza giras como miembro de los Mutter Virtuosi, una agrupación compuesta por músicos que poseen actualmente esta beca junto a una selección de sobresalientes jóvenes intérpretes. Ha actuado junto a Anne-Sophie Mutter en diversas ocasiones y ha colaborado con otros artistas distinguidos como el veterano pianista Menahem Pressler o Janine Jansen, otra de las violinistas más importantes de nuestro presente.

Además de sus estudios musicales y su carrera interpretativa, Noa continúa recibiendo una educación académica convencional. Cree apasionadamente en los beneficios intelectuales y sociales que la Música Clásica puede aportar a los jóvenes. Lo demostró, a finales de 2015, cuando visitó la ciudad de Joâo Pessoa, en Brasil. Además de tocar en un festival, dio su primera masterclass. Visitó un colegio de una favela paupérrima donde, gracias a su programa educativo especial, cada alumno tiene la oportunidad de estudiar un instrumento de cuerda. “Cuando visité la escuela, me di cuenta de lo felices que eran los niños con su oportunidad para hacer música. Creo que ésta puede ejercer un importante papel en el desarrollo de las mentes más jóvenes y en su habilidad para centrarse pero, lo más importante, conecta a las personas. (…) Para mí, lo más maravilloso de tocar es la felicidad que puedo aportar (…) Me gustaría llevar esperanza y felicidad a la gente, sin importar su edad o sus circunstancias vitales. Cuando afirmo esto, no quiero ponerme como un ejemplo a seguir. Hablo más bien de caminar juntos para que, entre todos, podamos disfrutar de lo que la música tiene que ofrecer al mundo”.

WOLFGANG AMADEUS MOZART (1756-1791)
Concierto para Violín Nº 5 en La Mayor, K.219 ‘Turco’ (1775)

[1]        Allegro aperto                         

[2]        Adagio                                   

[3]        Rondeau. Tempo di menuetto           

[4]        Adagio para Violín y Orquesta en Mi Mayor, K. 261 

Sonata para Violín Nº 32, en Si bemol Mayor K.454 (1784)

[5]        Largo – Allegro                       

[6]        Andante                                              

[7]        Allegretto                                  

Cadenzas: Concierto para Violín nº 5 de Mozart: Max Knigge/Noa Wildschut , 2016; Adagio KV 261: Franz Beyer 

Noa Wildschut violín - Yoram Ish-Hurwitz piano - Netherlands Chamber Orchestra - Gordan Nikolić  director/concertino 

www.warnerclassics.com

www.facebook.com/WarnerClassicsES/ 

Foto: Portada del disco.

 

M en M: La creación contemporánea exhibe en Madrid magníficos frutos

M en M: La creación contemporánea exhibe en Madrid magníficos frutos

Se trata de un proyecto de colaboración respaldado por la New York Women Composers (Estados Unidos) y la Asociación de Mujeres en la Música (España), cuyos objetivos son:

Crear un puente cultural entre ambas asociaciones mediante el diálogo y el fomento de las relaciones profesionales.

Crear y desarrollar una plataforma para el intercambio de ideas y estrategias entre compositoras de uno y otro país.

Crear oportunidades para promover nuevas obras musicales de mujeres compositoras de Estados Unidos y España y presentarlas al público.

Ayudar a crear nuevas audiencias para estas obras tanto en Estados Unidos como en España.

En esta primera convocatoria del proyecto, M en M realizó dos conciertos, uno en Madrid y otro en Nueva York.

El 25 de mayo tuvo lugar el primero de ellos, en el Paraninfo del Instituto Internacional, en la sede del American Space Madrid* [calle Miguel Angel 8], con el título:

Evocación de Cervantes

Se escucharon obras de compositoras actuales, tanto españolas como norteamericanas, a las que se solicitaron obras en torno a Cervantes y Shakespeare, con motivo del 500 aniversario celebrado el año pasado. Fue interpretado por la mezzo soprano Anna Tonna y la pianista Isabel Pérez Dobarro, ganadoras del Premio 2016 Seed Grant otorgado por la organización New York Women Composers para la realización de este proyecto. Actuaron como invitadas la mezzo soprano Nan-Maro Babakhanian y las flautistas Marta Femenía y Gala Kossakovsky.**

El concierto estuvo precedido por una mesa redonda moderada por Marta Espinós, pianista, gestora cultural y representante de la Asociación de Mujeres en la Música, en la que participaron Anna Tonna, cantante, Isabel Pérez Dobarro, pianista, y Nan-Maro Babakhanian, cantante.

*El American Space Madrid es la plataforma de difusión cultural del Instituto Internacional, situado en el histórico edificio de la calle Miguel Ángel, institución que a principios del siglo XX mantuvo una estrecha relación con la Institución Libre de Enseñanza, ya que fue sede de la Residencia de Señoritas de la Residencia de Estudiantes, del Instituto-Escuela colaborador de la Junta de Ampliación de Estudios, y lugar donde se fundó en 1926 el Lyceum Club, que agrupaba a mujeres intelectuales y profesionales de Madrid. Fiel a su origen fundacional, el Instituto mantiene su compromiso de difundir la contribución de las mujeres en todos los ámbitos de la vida pública.

** En el concierto se interpretó también una pieza de Marga Richter en homenaje al Memorial Day (Día de los Caídos) festividad que se celebra en EEUU el 29 de mayo en recuerdo de los soldados estadounidenses fallecidos en combate.

http://www.elartedelafuga.com/wp/la-creacion-contemporanea-exhibe-en-madrid-magnificos-frutos/

https://www.facebook.com/search/top/?q=women%20in%20music%20%2F%20mujeres%20en%20m%C3%BAsica 

Foto: Imagen del concierto.

 

Presentación del disco ‘Poeta’ de Eduardo Moreno

Presentación del disco ‘Poeta’ de Eduardo Moreno

El clarinetista y compositor alavés Eduardo Moreno, director de la escuela municipal de música de Laguardia, Álava, y de su Banda de Música, recientemente presentó en Madrid su nuevo trabajo discográfico, una reflexión íntima y un punto de inflexión en la trayectoria profesional  y personal del músico.

El disco se titula ‘Poesía’ y a lo largo de 16 piezas para piano, Moreno plasma la relación que le une con la poesía desde hace ya muchos años (‘Antes leía mucha musicología, ahora leo poesía’). Para el compositor, la poesía y la música se nutren de la misma cosa, la verdad: ‘La buena poesía habla de la verdad, construida con palabras. La buena música está construida tras la verdad, y he intentado juntar las dos cosas, la palabra y la música, para quedarme solo con los sonidos. Elegí el piano porque en él está la construcción musical, nota a nota, quería alejarme de los timbres que producen otros instrumentos’.

Si músico es el que conoce verdaderamente el interior de la música, tañedor es el que la toca. Eduardo Moreno se formó como tañedor, siempre quiso ser músico, y quizá tiene alma de poeta. Uniendo todos esos hilos se llega a este disco ‘Poesía’, en el que el trasfondo (apoyado en los poemas que sirven de inspiración a cada pieza) son dos grandes temas, la existencia del ser humano y el humor, que ayuda a entender la vida, y explica las mismas cosas de otra manera. En el disco participan dos pianistas, Saxta Soriazu, y Sergio Gutiérrez, que se reparten las interpretaciones de las obras, algunas con aire más jazzístico, otras de corte más neorromántico. El compositor, que conoce bien el trabajo de ambos intérpretes, eligió a Sergio Gutiérrez para tocar las piezas más existenciales, y a Satxa Soriazu, de formación más jazzística, para las piezas donde el humor está más claramente reflejado.

Moreno cree en la premisa de que no hay arte sin ciencia y ‘Poesía’ surge de un trabajo diario constante, desde el análisis y la reflexión continua, depurando la técnica, construyendo y deconstruyendo, para lograr un discurso de principio a fin coherente, sin nada banal. Si la poesía logra que lo intangible (las emociones) se haga tangible (las palabras), ‘…yo he querido que las sensaciones que evoca la poesía se reflejen en la música’.

Un tercer tema se esconde tras este disco: la libertad, la del compositor y la del oyente. ‘Si las normas están hechas para deshacerse, para  crecer a veces hay que desandar el camino, y perder el peso de la escolástica que uno lleva a sus espaldas. Intentando no caer en caminos utópicos, he procurado seguir mi propio camino compositivo. A todo le buscamos una utilidad, pero en realidad hay que buscarles un sentido. Mi música puede ser minoritaria, pero tenía que contarla, es lo que tenía sentido para mí’.

Foto: El clarinetista y compositor alavés Eduardo Moreno.

http://www.eduardo-moreno.com/index.html

Acuerdo institucional para incrementar la protección de la propiedad intelectual

Acuerdo institucional para incrementar la protección de la propiedad intelectual

El objetivo del es concienciar a la comunidad educativa sobre el deber de proteger y respetar la propiedad intelectual y las responsabilidades derivadas de las acciones contra ella

Se elaborarán y difundirán materiales sobre la importancia de la propiedad intelectual para sus creadores y para la riqueza cultural, educativa y económica, y sobre la legislación que la protege y las consecuencias de transgredirla

Se impulsará la realización de acciones formativas para la mejora de la capacitación del profesorado escolar en la protección de la propiedad intelectual

Los ministros de Educación, Cultura y Deporte, Íñigo Méndez de Vigo y del Interior, Juan Ignacio Zoido, han firmado un acuerdo de colaboración para impulsar acciones que mejoren la defensa y protección de la propiedad intelectual. Al acto, que se ha celebrado en la sede de la Secretaría de Estado de Cultura, ha asistido su titular, Fernando Benzo.

El objetivo de este acuerdo, inscrito en el Plan de Cultura 2020 de la Secretaría de Estado de Cultura, es concienciar a la comunidad educativa en general sobre la importancia de la propiedad intelectual, el deber de protegerla y respetarla, y las responsabilidades derivadas de las acciones contra ella.

Durante su intervención, el ministro del Interior ha subrayado la relevancia de la firma de este convenio, que representa “un paso más en la importante labor de sensibilización a través de la educación como pilar para una sociedad más respetuosa y que reconozca el papel que tienen los creadores culturales para el desarrollo de un país”.

Zoido ha destacado la labor del Ministerio de Educación, Cultura y Deporte “a la hora de luchar contra la vulneración de los derechos de la propiedad intelectual desde un plano que considero que es fundamental: la sensibilización y la educación”. En este sentido, ha puesto en valor las diferentes medidas que se están adoptando “encaminadas tanto a la sensibilización de la sociedad sobre la importancia de la propiedad intelectual como a fomentar la existencia de una oferta legal de contenidos culturales que esté a disposición de los ciudadanos para su consumo con calidad y respeto a los autores”.

Gracias a “la combinación entre la sensibilización, la prevención, la oferta de contenidos legales y también la lucha legal y operativa contra quienes trafican con las ideas de otros en su propio beneficio” se ha conseguido que la distribución y consumo de piratería “desciendan considerablemente, aunque todavía queda mucho camino por recorrer”, ha destacado el ministro del Interior.

Por su parte, el ministro de Educación, Cultura y Deporte ha señalado la importancia de luchar contra la piratería “desde la prevención”. “El problema [de la vulneración de los derechos de propiedad intelectual] debemos atajarlo desde las aulas. Nuestro objetivo es lograr la primera generación antipiratería de Europa”, ha dicho.

Méndez de Vigo ha subrayado el “rol primordial” que desempeñarán las Fuerzas y Cuerpos de Seguridad del Estado, para explicar a los estudiantes “la cara negra de la piratería, instándoles también a que cooperen en primera línea para defender los derechos de los autores españoles, porque sólo así garantizaremos poder seguir disfrutando de sus obras”.

Gracias a este acuerdo, las secretarías de Estado de Seguridad y Cultura diseñarán, con el asesoramiento de la Secretaría de Estado de Educación, Formación Profesional y Universidades, diseñarán y elaborarán materiales formativos y divulgativos para el personal docente sobre la importancia de la propiedad intelectual para sus creadores y para la riqueza cultural, educativa y económica del país. Estos materiales abordarán igualmente la normativa europea e internacional de aplicación en España, las consecuencias que se derivan de las acciones que vulneran la propiedad intelectual y las actuaciones que se desarrollan para perseguir a quienes infringen las normas que la regulan.

Los materiales serán puestos a disposición de la comunidad educativa bajo licencia abierta que permita su reutilización y su uso compartido. Asimismo, se difundirán en los centros docentes de las Ciudades Autónomas de Ceuta y Melilla, así como en los centros docentes que el Ministerio de Educación, Cultura y Deporte dispone en el exterior.

Además, se promoverá el desarrollo y la difusión de estas actuaciones divulgativas ante las Administraciones educativas de las Comunidades Autónomas y se pondrán a su disposición los recursos y materiales para su difusión en los centros docentes.

Por otro lado, se impulsará la realización de acciones formativas para la mejora de la capacitación del profesorado escolar en la protección de la propiedad intelectual.

El acuerdo, que tendrá una vigencia de 4 años, será gestionado por un órgano de seguimiento, compuesto por dos representantes del Ministerio del Interior, un representante de la Secretaría de Estado de Cultura, y un representante de la Secretaría de Estado de Educación, Formación Profesional y Universidades, que evaluará anualmente el desarrollo del acuerdo y resolverá los problemas de interpretación y cumplimiento que puedan plantearse en su desarrollo.

Lucha contra los delitos que vulneran la propiedad intelectual

El pasado 30 de junio se presentó el Balance 2016 de la lucha contra la vulneración de los derechos de propiedad intelectual que publican el Ministerio del Interior y el Ministerio de Educación, Cultura y Deporte, en colaboración con la Asociación Nacional para la Defensa de la Marca (ANDEMA), asociación adscrita al Consejo Superior de Cámaras de Comercio.

El informe arrojó, entre otros resultados, que, a lo largo de 2016, las Fuerzas y Cuerpos de Seguridad desarrollaron 292 intervenciones que supusieron que un total de 238 personas fueran detenidas o investigadas por infracciones contra los derechos de propiedad intelectual. En este sentido, se incautaron 92.540 objetos valorados en más de 21 millones de euros.

En el ámbito de la lucha contra la vulneración de los derechos de propiedad intelectual en Internet, desde el inicio de su actividad en 2012 y hasta el pasado 15 de junio, la Comisión de Propiedad Intelectual (Sección Segunda) del Ministerio de Educación, Cultura y Deporte consiguió la retirada voluntaria de contenidos protegidos por derechos de propiedad intelectual de 309 webs requeridas; entre ellas, 73 webs cesaron por completo en su actividad, y la Audiencia Nacional autorizó el bloqueo de 27 de ellas en territorio español.

El estudio estadístico completo está disponible a través del Portal Estadístico de Criminalidad (www.estadisticasdecriminalidad.es) y de la web del Ministerio de Educación, Cultura y Deporte (www.mecd.gob.es).

Foto: Los ministros en el momento de la firma de acuerdo de colaboración.

La Real Filharmonía de Galicia celebrará 25 conciertos en la nueva temporada de abono

La Real Filharmonía de Galicia celebrará 25 conciertos en la nueva temporada de abono

El clarinetista Paquito D´Rivera, el trompetista Pacho Flores y los pianistas Lars Vogt y Steven Osborne, entre los solistas internacionales que tocarán con la orquesta

La Real Filharmonía de Galicia celebrará 25 conciertos en la nueva temporada de abono, junto a actuaciones gratuitas en espacios singulares de la ciudad, propuestas didácticas y familiares

Se pondrán en escena óperas de Bellini y Strauss, se interpretará la banda sonora de La Guerra de las Galaxias y habrá unha obra con malabarista

La Real Filharmonía de Galicia (RFG) acaba de presentar su nueva temporada de abono 2017-2018 en su sede, el Auditorio de Galicia. La orquesta celebrará 25 conciertos de abono, que, además de centrarse en un repertorio con autores esenciales y conmemorar hitos como el 300 aniversario del estreno de la Música Acuática de Haendel, el centenario de la muerte de Debussy o del nacimiento de Bernstein, se aventura con nuevas propuestas, descubre piezas contemporáneas menos conocidas y aborda nuevas composiciones de autores gallegos.

Actuaciones gratuitas, proyectos didácticos e iniciativas solidarias

En septiembre, la orquesta saldrá a la calle con varios conciertos gratuitos en centros socioculturales y en diversos puntos de la ciudad. Como viene siendo habitual, se programarán conciertos didácticos para escolares que buscan reforzar la formación musical en la actividad regular docente. 

Con el fin de acercar la música clásica y la RFG a nuevos públicos, continúa en el Auditorio el ciclo ¡Descubre una orquesta para ti, la tuya!. Dirigido a las familias, a jóvenes y a quienes no tienen la oportunidad de asistir habitualmente a los conciertos de abono, ofrece horarios y precios accesibles para todos. En el marco del proyecto “RFG Solidaria”, puesto en marcha a finales de la temporada pasada, cada una de estas actuaciones se destinará a dar visibilidad a una ONG que lucha por la defensa de la infancia.

Ópera

La temporada de abono comenzará el 6 de octubre con la versión concierto de la ópera La  sonámbula de Bellini, interpretada por las voces de las sopranos Marina Monzó y Eva Tenorio, la mezzosoprano Nuria Lorenzo, los tenores Jesús León (el reconocido tenor mexicano cantará por primera vez en España) y Pablo Carballido, los bajos Felipe Bou y Pedro Martínez Tapia, junto al Coro Gaos. También se pondrá en escena en Vigo.

El 18 de abril es turno para la Elektra de Strauss, con las sopranos María Ruíz y Mabel Ortega, la mezzosoprano Marta Infante, el barítono Richard Wiegold y el tenor José Manuel Zapata.

Varios estrenos

En el marco de las Jornadas de Música Contemporánea, la RFG interpretará en octubre, por primera vez en España, la obra Jong. Música para malabarista y orquesta de cámara, de la compositora finlandesa Lotta Wennäkoski. Dentro de este ciclo sonará también la obra Jobs and gates at dawn (and other uchronias) del compositor gallego Eduardo Soutullo. Además, a lo largo de la temporada se estrenarán varias obras, entre ellas piezas de los compositores gallegos Antón Alcalde y Jacobo Gaspar.

En noviembre, dentro del Festival Cineuropa, la orquesta pondrá banda musical a las películas Carmen de Cecil B. DeMille y Parodia de Carmen de Charles Chaplin. Y, siguiendo con su acercamiento al cine, en abril interpretará la banda sonora original de La Guerra de las Galaxias de John Williams.

El 22 de diciembre, con la colaboración de la Obra Social La Caixa, sonará El Mesías participativo de Haendel, dirigido por Daniel Reuss, interpretado por grandes voces de la lírica internacional, junto al coro Cappella Amsterdam y varios coros aficionados. Y en enero se ofrecerá el tradicional Concierto de Reyes, con obras de Ibert, Frank y Bizet dirigidas por Diego Masson y con el saxofonista compostelano Xabi Casal y la también compostelana pianista Isabel Pérez Dobarro como solistas.

En el marco de las fiestas de la Ascensión, en mayo, la orquesta ofrecerá un concierto al aire libre, además del tradicional concierto de las Letras Gallegas. Y el 24 de mayo finalizará la temporada, con piezas de Ravel, Strauss y Stravinsky, bajo la dirección de Jaime Martín  y con Lucas Macías en el oboe solista.

Grandes batutas y solistas de renombre internacional

En noviembre, el actual director de la Orquesta de la Comunidad de Madrid, Víctor Pablo Pérez, dirigirá a la RFG y al Coro de la Orquesta Sinfónica de Galicia, en un programa que incluye el Réquiem en do menor de Cherubini y la Sinfonía nº 4 de Schumann. Además, a lo largo de la temporada se pondrán al frente de la agrupación grandes maestros nacionales e internacionales como Manuel Coves, Timothy Brock, Antoni Wit, Daniel Reuss, Diego Masson, Manuel Hernández-Silva, Vicente Alberola, Pierre Bleuse, Christoph König o Jaime Martín, entre otros.

Respecto a los solistas invitados, destacan figuras de renombre como el saxofonista y clarinetista cubano Paquito D´Rivera; el trompetista venezolano Pacho Flores, del que se estrenará una obra suya; los pianistas Steven Osborne, Lars Vogt (también llevará la batuta), Alexandre Kantorow e Isabel Pérez Dobarro; el saxofonista Xabi Casal; los violinistas Matthieu Arama y Veronika Elberle; el violonchelista Paulo Lima; el oboísta Lucas Macías; o el el organista David Hill, que, además, conducirá la orquesta.

Se continuará con la experiencia Convers@ndo con. Los directores y solistas que participan en los conciertos mantendrán charlas distendidas con el público antes de cada actuación, con la finalidad de poner en contexto sus interpretaciones y suministrar un acercamiento al repertorio de primera mano.

Conciertos en otras ciudades

La Real Filharmonía de Galicia mantiene su presencia en las ciudades gallegas con 17 actuaciones ya confirmadas, a las que se sumarán otras pendientes de concretar. Continúa su temporada de conciertos estable en Vigo con un mínimo de 10 actuaciones en el Teatro Afundación; ofrecerá un concierto en Lugo, se desplazará a A Coruña, con 2 conciertos en el Palacio de la Ópera; y en el Teatro Jofre de Ferrol actuará en 4 ocasiones. La temporada incluye también una salida a Oviedo en enero.

http://www.rfgalicia.org/

Foto: La Real Filharmonía de Galicia (RFG) acaba de presentar su nueva temporada de abono 2017-2018 en su sede, el Auditorio de Galicia.

 

Tenorio, la nueva ópera de cámara de Tomás Marco, en El Escorial

Tenorio, la nueva ópera de cámara de Tomás Marco, en El Escorial

Se trata de una ópera de cámara compuesta entre 2008 y 2009 por encargo del X Estío Musical Burgalés que trata el mito de Don Juan

Libreto basado en Don Juan Tenorio de Zorrilla con añadidos de Tirso de Molina, Molière, Lorenzo Da Ponte, Lord Byron y Sor Juana Inés de la Cruz

El Teatro Auditorio San Lorenzo de El Escorial de la Comunidad de Madrid presenta el estreno absoluto de Tenorio, una ópera de cámara en versión concierto de Tomás Marco bajo la dirección de Santiago Sarrasate. Esta cita, que forma parte de la programación del Festival de Verano, tendrá lugar el viernes 28 de julio.

Se trata de una ópera de cámara compuesta entre 2008 y 2009 por encargo del X Estío Musical Burgalés que trata el mito de Don Juan. El libreto, basado en Don Juan Tenorio de Zorrilla, incluye también añadidos de Tirso de Molina, Molière, Lorenzo Da Ponte, Lord Byron y Sor Juana Inés de la Cruz.

El Tenorio de Tomás Marco sigue fielmente los parámetros de la ópera desde sus inicios, con los tres solistas principales y un pequeño coro que comenta la acción. La orquesta subraya muy sutilmente las diferentes escenas, lo que el gran Giuseppe Verdi calificó de “parola escénica”. Tomás Marco, en esta ópera, sintetiza en el libreto el mito de Don Juan a través de textos de anteriores literatos que han tratado al mismo personaje, fusionándolos con mano maestra y con música de hoy se narran las hazañas de un mito de siempre, que siempre ha existido y siempre existirá.

La soprano Carmen Gurriarán interpreta los roles de Lucía, Doña Ana y Doña Inés, el tenor Juan Antonio Sanabria se ocupa de la narración y del rol de Don Luis Mejía y el barítono Alfredo Garcia de Don Juan Tenorio. La música en directo corre a cargo del Coro y Grupo Modus Novus.

Esta producción ha contado con la “ayuda Fundación BBVA a Investigadores y Creadores Culturales 2016" que ha permitido realizar el proyecto.

El público podrá disfrutar de la programación del Festival de Verano hasta el 5 de agosto y por delante quedan espectáculos como Con Raíces. 75 aniversario de José Nieto y Free Bach 212, de la Fura dels Baus, entre otras citas.

http://www.teatroauditorioescorial.es/

Concurso Internacional de Dirección de Cadaqués - Cuna de maestros

Concurso Internacional de Dirección de Cadaqués - Cuna de maestros

La Orquesta de Cadaqués tiene abierto el plazo de inscripción de su prestigioso Concurso Internacional de Dirección hasta el 8 de septiembre. Esta XII edición tendrá por primera vez como presidente del jurado a Gianandrea Noseda, actual director principal de la Orquesta de Cadaqués y ganador del primer premio del certamen en 1994. Según Vasily Petrenko, actual director titular de la Royal Liverpool Philharmonic Orchestra, entre otras orquestas, “ganar el Concurso Internacional de Dirección de la Orquesta de Cadaqués en 2004 fue un paso definitivo para mi lanzamiento internacional, un  punto de inflexión en mi carrera. Me ahorró diez años de trabajo”.

Sobre este evento conversamos con Llorenç Caballero, Director Artístico de la Orquesta de Cadaqués.

Noseda, V. Petrenko, Nesterowicz, Viotti, Pablo González o A. Gourlay, los nombres de los ganadores del Concurso Internacional de Dirección avalan por sí solos el prestigio de certamen…

La verdad es que sí. Desde 1992 ha habido 9 ganadores y casi todos ellos están haciendo una carrera importante. Posiblemente hemos hecho bien las cosas y al mismo tiempo hemos tenido suerte, tanto la organización del concurso como los propios ganadores.

¿En qué afecta a la Orquesta de Cadaqués el Concurso? ¿Hay vinculación directa posterior de los premiados con la orquesta?

La Orquesta de Cadaqués organiza el concurso con frecuencia bienal y todos nosotros sentimos que es el proyecto más bonito y esperanzador que realizamos cada dos años. Para la orquesta es su inversión en I+D. Gianandrea Noseda, ganador en el año 1994, es nuestro director principal desde 1998 y tenemos una gran relación con casi todos los ganadores del concurso (y no solo los ganadores). El establecer relación con jóvenes directores que tienen un gran futuro era nuestro objetivo. La idea era que en esta fase inicial nosotros les pudiésemos ayudar (el ganador dirigirá más de 30 orquestas distintas en más de 100 conciertos como premio a haber ganado el concurso) y que en un futuro, cuando ellos sean reconocidos y tengan una influencia importante en el mundo de la música, nos puedan ayudar a nosotros. Como el ganador dirige a más de 30 orquestas, esta relación ganador (finalista o bien director interesante) no solo se da entre la Orquesta de Cadaqués y los premiados, si no entre todas las orquestas colaboradoras (estas 30) y los premiados.

Para esta edición, el ganador estará asesorado durante un año por Alfonso Aijón, ¿qué significa esto exactamente?

Que puede hacer todas las preguntas que quiera a una persona que lleva 50 años (Alfonso Aijón) en el panorama musical internacional, que como sabe ha sido premiado recientemente con la Cruz del Mérito de la República Federal Alemana por sus 500 conciertos con las orquestas alemanas con Ibermúsica. Una persona que ha conocido (y conoce) a los directores más relevantes del mundo orquestal y que puede asesorar, informar y guiar a los jóvenes en aquello que ellos necesiten.  

¿Cómo se desarrolla el Concurso?

Hay una pre-selección de candidatos y unos 120 directores llegan a Cadaqués. Hay cinco rondas antes de la final (Auditori de Barcelona), que se desarrolla en forma de concierto con los dos finalistas. Durante las distintas rondas los concursantes pasarán por los distintos estilos musicales con obras escritas en 4 siglos diferentes y con formaciones diversas. El concurso trata de encontrar las personas más talentosas y al mismo tiempo preparadas, para darles un empujón en su carrera y así poder acelerar su camino hacia una labor que hará disfrutar de la música a miles (¿millones?) de personas.

Por Gonzalo Pérez Chamorro

Jurado

En la duodécima edición de 2017, Noseda debuta como presidente del jurado. Hasta la undécima edición, Gennady Rozhdestvensky y Sir Neville Marriner fueron alternándose este cargo. Este año, formarán parte del jurado de la XII edición 2017 Annette Mangold, directora de planificación artística de la Filarmónica de Berlín; Nicholas Kenyon, consejero delegado de Barbican Centre; Lutz Köhler, director de orquesta; Jaime Martín, director titular de  la Orquesta de Cadaqués y de la Gävle Symfoniorkester; y Jun-ichi Nihei, presidente COO de Japan Arts Corporation. Asimismo, la Orquesta de Cadaqués integra el jurado con dos votos.

Orquesta de Cadaqués

La Orquesta de Cadaqués, fundada en 1988, es un caso único entre las orquestas europeas y la agrupación española de mayor impacto internacional. Dispone de un sello discográfico y editorial, Tritó Ediciones. Es la única Orquesta Residente del Ciclo Ibermúsica y cuenta con un ciclo propio en el Palau de la Música Catalana, BCN Clàssics. Entre los futuros compromisos de la orquesta destacan los conciertos inaugurales del Festival de Bremen en agosto 2017, tres conciertos en el Großes Festspielhaus de Salzburgo en octubre 2017 y una gira con Gianandrea Noseda en diciembre por España y Portugal.

Concurso

El concurso tendrá lugar entre los días 14 y 18 de diciembre de 2017 en Cadaqués y Barcelona, y pueden participar en él directores y directoras de orquesta de todas las nacionalidades, nacidos a partir del 19 de diciembre de 1981. El primer premio único consiste en dirigir al menos un concierto con todas las orquestas colaboradoras del concurso a lo largo de las temporadas 2017/18, 2018/19 y 2019/20.

http://www.orquestradecadaques.com/es/7/bases-del-concurso

Foto 1: Gennady Rozhdestvensky, junto a su esposa Viktoria Postnikova, durante su presidencia en el XI Concurso Internacional de Dirección de Cadaqués.
Acred: Concurso Internacional de Dirección de Cadaqués

 

El Teatro Real, invitado especial en el Festival de Ópera de Savonlinna con I Puritani

El Teatro Real, invitado especial en el Festival de Ópera de Savonlinna con I Puritani

Se ofrecerán cuatro funciones, entre el 31 de julio y el 3 de agosto, de la exitosa producción de I puritani, de Vincenzo Bellini, estrenada en el Teatro Real la pasada temporada

El 2 de agosto el Coro y la Orquesta Titulares del Teatro Real interpretarán la suite sinfónica Kullervo, del compositor finlandés Jean Sibelius, en un guiño al país anfitrión

Para la celebración del año del jubileo, el Festival ha invitado a participar en su programación al Teatro Real de Madrid y al Teatro Bolshoi de Moscú

Con estas representaciones, el coliseo madrileño pondrá punto final a una temporada en la que ha registrado una altísima ocupación de sala y grandes críticas de sus producciones

Fundado en 1912, aunque interrumpido en varias ocasiones por los conflictos bélicos de la Primera Guerra Mundial y la Guerra Civil finlandesa, el Festival de Ópera de Savonlinna comienza en 1967 una nueva era que le ha convertido en una de las citas musicales más prestigiosas del norte de Europa. En la presente edición, que conmemora los cien años de la independencia y nacimiento de la República de Finlandia, ha querido contar con la presencia de dos teatros que, por su actividad y proyección, son referencia musical en estos momentos: el Teatro Real de Madrid y el Teatro Bolshoi de Moscú.

Para este escenario incomparable, cuyas funciones tienen lugar en el impresionante Castillo de Olavinlinna, el Teatro Real ha preparado una adaptación del montaje de I puritani, realizado por Emilio Sagi y estrenado en el escenario madrileño la temporada pasada que, además de  una gran acogida por la crítica, disfrutó de una cálida acogida por el público dentro y fuera de su sala, ya que fue retransmitido a pantallas de toda España, en abierto por Palco Digital y a través del canal de Facebook del Teatro Real en la que fue la primera emisión de este tipo realizada en el mundo.

Las funciones tendrán lugar los días 31 de julio y 1, 3 y 4 de agosto. La dirección musical volverá a estar en manos del maestro Evelino Pidò, esta vez al frente de un doble reparto que contará en los papeles principales con los tenores Celso Albelo y Francesco Demuro (Lord Arturo Talbo), las sopranos Jessica Pratt y María José Moreno (Lady Elvira Valton), los barítonos Vladimir Stoyanov y Massimo Cavalletti (Sir Riccardo Forth) los bajos Jongmin Park y Fernando Radó (Sir Giorgio), la mezzosoprano Lidia Vinyes-Curtis (Enriqueta). Junto a ellos, el Coro y la Orquesta Titulares del Teatro Real.

El día 2 de agosto, la Orquesta Titular del Teatro Real, en colaboración con el Coro del Festival de Ópera de Savonlinna, interpretará la suite sinfónica Kullervo, del compositor finlandés Jean Sibelius, como homenaje al país anfitrión. La obra es un conjunto de poemas sinfónicos basados en el poema épico Kalevala que narra los avatares de Kullervo, personaje de la tradición folclórica del país. Al frente de ambas formaciones estará el legendario compositor y director de orquesta finlandés Leif Segerstram, especializado en la obra de Sibelius, del cual tiene grabada la integral de sus sinfonías y cuyas interpretaciones son un referente para las generaciones posteriores.  

Con estas funciones, el Teatro Real pondrá fin a una temporada que ha registrado las mejores cifras de sus últimos veinte años. Inmerso en las celebraciones del 200 aniversario de su fundación y a punto de conmemorar los 20 años de su reapertura, el próximo 11 de octubre, el Real se despide con una ocupación de sala superior al 92% y un balance artístico de altísima calidad, reconocido por el público y la prensa especializada.

Por citar algunos de los grandes momentos  vividos en los últimos meses, por primera vez se ha podido escuchar en Madrid Billy Budd, de Benjamin Britten, espectacular por la dirección escénica de Deborah Warner, como por la batuta de Ivor Bolton. Hemos vivido los estrenos de España de Rodelinda, de Georg Friedrich Händel, con dirección de escena de Claus Guth y otra magnífica dirección musical del maestro Bolton, y de Bomarzo, de Alberto Ginastera, que, cincuenta años después de su creación, pudo verse por fin en España con la concepción escénica de Pierre Audi y musical de David Afkham.

No podemos olvidar el estreno mundial de La ciudad de las mentiras, de Elena Mendoza, encargo del Teatro Real, y la celebración del 90 aniversario de la Martha Graham Dance Company, presente también por primera vez en el escenario de la Plaza de Oriente, con una recopilación de coreografías históricas creadas por la mítica  bailarina.

http://www.teatro-real.com/es/noticias/actualidad-tr/actividad-artistica/el-teatro-real-invitado-especial-en-el-festival-de-opera-de-savonlinna

Foto: La exitosa producción de I puritani, de Vincenzo Bellini, estrenada en el Teatro Real la pasada temporada (foto de Javier del Real)

El CNDM lidera la creación de nuevos públicos de música clásica con su proyecto Nueve Novenas

El CNDM lidera la creación de nuevos públicos de música clásica con su proyecto Nueve Novenas

Un tercio de las 15.501 personas que asistieron a la última edición del proyecto ¡Solo Música! no es público habitual del Auditorio Nacional y un 12% asistían por primera vez

El 43% de los asistentes eran menores de 45 años y casi una quinta parte del total, menores de 30

El nivel de satisfacción del público con esta iniciativa fue muy elevado (4,57 puntos sobre 5) y consideran que sirve para popularizar la música y aficionar a más gente

El impacto en redes sociales de ¡Solo Música! consiguió que el hashtag #9novenas fuera trending topic con un alcance potencial de casi 2,5 millones de personas y más de 6,5 millones de impactos sólo en Twitter

Según el estudio, ¡Solo Música! destaca por tener personalidad propia y un peso específico independiente

El pasado 24 de junio, el Centro Nacional de Difusión Musical (CNDM, unidad perteneciente al Instituto Nacional de las Artes Escénicas y de la Música, INAEM) finalizó con gran éxito de crítica y público su ambicioso proyecto NUEVE NOVENAS, propuesta musical organizada por dicho organismo en el Auditorio Nacional de Música. En ésta cuarta edición del maratón musical ¡Solo Música!, cita bienal nacida para celebrar el Día de la Música, se presentaron 11 conciertos a lo largo de 13 horas ininterrumpidas de música, con las novenas sinfonías de Beethoven, Haydn, Garay, Schubert, Mozart, Bruckner, Shostakóvich, Dvorak y Mahler como eje central. Para tomarle el pulso a la realidad de los públicos en la música clásica, el CNDM encargó una encuesta a Invimark, prestigiosa empresa de estudios de mercado, investigación y marketing, que se realizó entre las más de quince mil personas que asistieron a las actividades programadas en dicha jornada musical, mediante 400 entrevistas personales in situ en los espacios donde se realizaron las diferentes actividades y con un margen de error del 0,5% (un 95,5% de nivel de confianza).

Jóvenes y curiosos

Entre las conclusiones extraídas del estudio se observa que un tercio de las personas que asistieron a esta cita no es público habitual del Auditorio Nacional, dato que confirma como alcanzado el objetivo de atraer a personas que nunca habían pisado este espacio (un 12% de los encuestados acudían por primera vez). Otro punto significativo es que el 43% de asistentes tenían menos de 45 años, con un 17,7% (casi la quinta parte del total) eran menores de 30 años que justificaron su visita por su interés en la música clásica. El nivel de satisfacción con la jornada fue muy elevado (4,57 puntos sobre 5) y la inmensa mayoría de los asistentes (un 96,5%) reclamaron una celebración anual de este día porque consideran que sirve para popularizar la música y aficionar a más gente. La promoción de la música, mencionada por el 68% de los entrevistados, es el aspecto más importante, seguida por el hecho de que los conciertos tengan precios asequibles (36,5%). Respecto al conocimiento y valoración de la programación general del CNDM, la satisfacción mostrada por los encuestados es muy alta, con un 4,42 sobre 5 puntos (superior a la alcanzada en el estudio realizado hace dos años) y se muestra entusiasmada con las actividades que se celebraron ese día, valorando muy positivamente los conciertos. 

Los datos de este estudio confirman la importante contribución de las actividades del CNDM a la renovación en la música clásica, con iniciativas como ¡Solo Música!, que tiene personalidad propia y un peso específico independiente, u otros ciclos que se han convertido en pioneros y creadores de nuevas tendencias musicales como el popular Bach Vermut, que en la temporada próxima afrontará su cuarto año de éxito ininterrumpido, con una media de 18.000 espectadores por año, muchos de ellos aún poco familiarizados con la música. Desde su creación en 2011, más de medio millón de personas han asistido a las actividades programadas por el CNDM en su amplísima cobertura territorial.

Redes sociales y música clásica

Otro dato del estudio que muestra el recambio generacional que se está produciendo en la música clásica es que casi un tercio de los asistentes (31,9%) se enteraron de la actividad por medios digitales (la web del CNDM y afines y sus redes sociales), lo que marca una diferencia notable frente a los tradicionales medios de información usados por las generaciones anteriores. Según Miguel Galdón, musicólogo especializado en marketing musical y redes sociales: "La cobertura mediática fue muy amplia y las #9novenas aparecieron en los principales medios nacionales y se retransmitieron en directo a través de la web de RTVE. Como se podría esperar de un evento de tal magnitud, el seguimiento a través de las redes sociales fue masivo, y el hashtag #9novenas fue trending topic a nivel nacional. Sí, un evento de música clásica ha sido tendencia en las redes sociales con un alcance potencial de casi 2,5 millones de personas y más de 6,5 millones de impactos. ¡Sólo en Twitter!". 

http://www.cndm.mcu.es/

Foto: El CNDM lidera la creación de nuevos públicos de música clásica con su proyecto Nueve Novenas.

 

El tenor Celso Albelo debuta en Sony Classical España con "Íntimamente”

El tenor Celso Albelo debuta en Sony Classical España con "Íntimamente”

Un repertorio de canciones cargado de sentimientos

A la venta el 28 de julio

Hay canciones que se transforman en parte de la banda sonora de tu vida. Eso también le sucede a un cantante lírico como Celso Albelo, uno de los tenores más destacados de las últimas décadas, aclamado como el rey del bel canto, porque sus pasiones no se limitan a la ópera; el artista canario, fogueado en los escenarios líricos más importantes del mundo, de Tokio a Nueva York y de Londres a Milán, también ha degustado e interpretado otros repertorios convirtiéndolos siempre en puro arte canoro. La canción hispanoamericana es uno de ellos, un género que ha pasado del acervo popular a la sala de conciertos y que ahora Albelo presenta en el disco Íntimamente. “Las piezas que he incluido me han acompañado toda la vida, desde mi niñez y mi adolescencia en Tenerife”, afirma el tenor de La Laguna. “Todas proponen una mirada a las dos orillas de este mar que nos separa con la América hispana, pero que también nos une. Desde que era muy joven en mi isla tuve contacto con el folclore americano, una de mis pasiones”.

Se trata de piezas de compositores argentinos, venezolanos, mexicanos y chilenos que supieron revalorizar el folclore local llevándolo a los salones como sucede con la obra de Guastavino, Ginastera, Pérez Freire, Esparza Oteo, López Buchardo o Brandt, creadores de melodías que han hecho suyas intérpretes como Alfredo Kraus o Plácido Domingo y que ahora el magisterio de Celso Albelo eleva a la categoría de Lieder acompañado desde el piano por el también canario Juan Francisco Parra. En Íntimamente, a este paseo americano se unen canciones del ceutí Juan Quintero y del sevillano Joaquín Turina, este último, “uno de mis autores de música de cámara preferidos”, asegura Albelo.

Un repertorio tan sutil y cargado de sentimientos solo se concibe si la interpretación es coherente con la delicadeza de la poesía que pone en música, porque la canción culta hay que afrontarla con una perfecta interiorización del texto, más todavía si se habla de melodías que tienen que ver con una historia personal. Con estas canciones Albelo creció, las cantó en sus años de estudiante y siempre estaban presentes en las reuniones familiares. Historias que hablan de amor, desamor y nostalgia. “De ahí el resultado íntimo y melancólico”, similar al que desprenden de su espíritu los personajes románticos que el tenor Celso Albelo defiende en los escenarios operísticos.

(Pablo Meléndez-Haddad, Periodista y crítico musical)

Celso Albelo, Tenor

Nacido en Santa Cruz de Tenerife, se formó en el Conservatorio de su ciudad y en la Escuela Superior de Canto Reina Sofía de Madrid antes de acceder a la Academia de Busseto (Italia), en la que se perfeccionó con Carlo Bergonzi. Su carrera internacional le ha llevado a debutar en los teatros más importantes del mundo, desde el Metropolitan de Nueva York a La Scala de Milán, pasando por la Staatsoper de Viena, la Deutsche Oper de Berlín, el Bolshoi de Moscú, la Royal Opera House del Covent Garden de Londres, el Gran Teatre del Liceu de Barcelona, el Teatro Real de Madrid, la Opéra National de París, el Teatro San Carlo de Nápoles, La Fenice de Venecia, o el Massimo de Palermo, entre muchos otros escenarios de Italia, España, Alemania, Japón, China, Suiza, Bélgica, Francia, Montecarlo o Chile. También ha cantado gran parte de su repertorio en festivales como el Maggio Musicale Fiorentino, el Rossini Opera Festival de Pésaro, las Termas de Caracalla de Roma, Festival Castell de Peralada, el Festival de Savonlinna, los Proms de Londres o el Baden-Baden Festspiele. En España es invitado a cantar regularmente en ciudades como Bilbao, Santa Cruz de Tenerife, Las Palmas de Gran Canaria, A Coruña, Sevilla, Oviedo, Valencia o Mahón. En la actualidad posee en repertorio más de 25 papeles, sobre todo de Donizetti, Bellini, Rossini y Verdi. En Japón fue premiado por la revista Ongakunotomo y la Ópera de Guangzhou, en Cantón (China) le nombró Asesor Artístico Honorario junto a intérpretes como Anne-Sophie Mutter o Vladimir Ashkenazy.

En recital y concierto ha actuado en las más prestigiosas salas de España, Japón, Estados Unidos, Bélgica, Italia, Holanda e Inglaterra y ha colaborado con directores como Pappano, Mehta, Harding, Oren, Zedda, Santi, Frühbeck de Burgos, Rizzi, Pidò o Frizza.

Ha sido galardonado con el Premio Ópera Actual 2008, el Oscar de la Lírica de la Fundación Verona per l’Arena (en 2010 y 2012), el Premio Lírico Teatro Campoamor en las categorías Cantante revelación (2010) y Mejor cantante de la temporada (2012), el Premio Giuseppe Lugo de Italia (2013) y el Premio revista Codalario (2014). En 2013 fue distinguido con la Medalla de Oro de Canarias por el Gobierno Insular y en mayo de 2016 fue nombrado Hijo Predilecto por el Ayuntamiento de La Laguna (Canarias).

Juan Francisco Parra, Pianista

Comenzó sus estudios musicales en el Conservatorio Superior de Música de Las Palmas de G.C., con los profesores Susa Mari Suárez Verona y Francisco Martínez Ramos. Al terminar el grado profesional, completa su formación en el Conservatorio de Música y Teatro de Berna, en Suiza, de la mano del profesor Michael Studer. Asimismo, asistió a las clases de Música de Cámara y Acompañamiento del Lied con los profesores Heinrich Forster, Kurt Weber y Tomasz Herburt.

En 1992 termina sus estudios superiores en Suiza. Posteriormente se presenta al concurso de piano “Pedro Espinosa” obteniendo el primer Premio. En este mismo año realiza una gira de conciertos tocando en Alemania, Austria, Hungría e Italia. 

Encamina su carrera al acompañamiento de cantantes y a la música de cámara, participando en diversos conciertos y recitales.

En 1998 fue llamado por el Auditorio Alfredo Kraus para inaugurar la Sala de Cámara.

Ha colaborado con la Orquesta Filarmónica de Gran Canaria en diferentes conciertos y en el año 2000 participó en la gira que se llevó a cabo en Alemania, Suiza y Austria tocando en los auditorios más importantes de Europa.  Ha trabajado junto a directores como Sir Simon Rattle, Miguel Ángel Gómez Martínez, Adrian Leaper, Guido Ajmone-Marsan, Marco Armiliato, Pedro Halffter o Miquel Ortega, entre otros.

Ha participado como pianista repertorista en diferentes cursos, como los realizados por Mirella Freni, Cristina Gallardo-Domâs, Suso Mariátegui, Tom Krause y María Orán.

Tiene con el sello norteamericano “Crystal Records” dos discos grabados (CD 771 y 772) de música de cámara con el clarinetista Radovan Cavallin, el trompa José Zarzo, Carlos Rivero al violoncello y el violinista Víctor Parra. También tiene grabaciones para los sellos Rals y Summit Records.

Ha acompañado en diversos recitales en diferentes países en salas como Wigmore Hall de Londres, Opera City Hall de Tokio, Yokosuka Arts Theater, Teatro de la Zarzuela de Madrid, Museo Pushkin de Moscú, Teatro Filarmónico de Oviedo, Auditorio Príncipe Felipe de Oviedo, Teatro Villamarta de Jerez, El Cairo, Budapest, Fundación Juan March, etc... Entre los cantantes con quien ha colaborado destacan Leo Nucci, Celso Albelo, Cristina Gallardo-Domas, Ana María Sánchez, Jorge de León, Desirée Rancatore, Pancho Corujo, Roberto de Candia, Simón Orfila, Mariola Cantarero, entre otros.

CD CONTENIDO

01. Pampamapa (Carlos Guastavino)

02. Ya me voy a retirar (Carlos Guastavino)

03. El sampedrino (Carlos Guastavino)

04. Milonga de dos hermanos (Carlos Guastavino)

05. Canción del árbol del olvido (Alberto Ginastera)

06. Besos en mis sueños (Augusto Brandt)

07. Dime que sí (Alfonso Esparza Oteo)

08. Morucha (Juan Quintero)

09. Ay, ay, ay (Osmán Pérez Freire)

10. Pueblito, mi pueblo (Carlos Guastavino)

11. Canción del carretero (Carlos López Buchardo)

Homenaje a Lope de Vega, Op 90 (Joaquín Turina)

12. Cuando tan hermosa os miro

13. Si con mis deseos

14. Al Val de Fuenteovejuna

Poema en forma de canciones, Op. 19 (Joaquín Turina)

15. Dedicatoria

16. Nunca olvida

17. Cantares

18. Los dos miedos

19. Las locas por amor

Tenor: Celso Albelo

Piano: Juan Francisco Parra

http://www.celsoalbelo.com/

www.sonyclassical.es 

Foto: El tenor Celso Albelo debuta en Sony Classical España con "Íntimamente”.

 

 

Doble debut de Jordi Bernàcer en la Arena de Verona y en la Ópera de Roma

Doble debut de Jordi Bernàcer en la Arena de Verona y en la Ópera de Roma

Rigoletto, Nabucco y Carmen son las tres óperas que el valenciano Jordi Bernacer dirigirá este verano en tres escenarios míticos: la Ópera de San Francisco, la Arena de Verona y la Ópera de Roma Caracalla. 

El verano del joven director de orquesta valenciano Jordi Bernàcer está lleno de grandes acontecimientos. Tras dirigir a principios de julio Rigoletto en la Ópera de San Francisco, donde es director residente desde 2015, Jordi Bernàcer tendrá la rara oportunidad de hacer su debut como director este verano en dos exigentes escenarios: la Arena de Verona y la Ópera de Roma Caracalla.

Nabucco es la obra con la que ha debutado en Verona el pasado 12 de julio y Bernàcer seguirá al frente de la orquesta en el resto de las representaciones de esta ópera, la última que tendrá lugar el 9 de agosto. Tras este estreno como director en la Areana de Verona, a Jordi Bernàcer le espera otro debut importante: Carmen en la Ópera de Roma Caracalla, un estreno que tendrá lugar el 20 de julio y cuyas representaciones continuarán hasta el 4 de agosto.

Además de ello, Jordi Bernàcer volverá a dirigir el día 21 de julio a Plácido Domingo, en una gala que llenará de Zarzuela la Arena de Verona.

El público español podrá disfrutar también pronto del trabajo de este joven director que triunfa fuera de nuestras fronteras, ya que se pondrá al frente de la Orquesta de la Comunidad Valenciana en los meses de septiembre y octubre, además de dirigir varias óperas en varios escenarios de nuestro país en la próxima temporada.

Jordi Bernacer fue asistente de Lorin Maazel, quien le invita en 2007 como director asociado al “Castleton Festival” en Virginia (EEUU) y ha colaborado también con Riccardo Chailly, Sir Andrew Davis, Valery Gergiev, Nicola Luisotti, Zubin Mehta y Georges Prêtre entre otros. Ha dirigido la Orquesta y Coro Nacionales de España, Orquesta Sinfónica de RTVE, Orquestra de la Comunitat Valenciana, Sinfónicas de Barcelona, Galicia, Asturias, Bilbao, Euskadi, Navarra, Castilla y León, Murcia, Tenerife, Orquestas de Valencia, Extremadura y Comunidad de Madrid.

En cuanto a óperas, ha dirigido Carmen, Aida, Madama Butterfly y Rigoletto en San Francisco Opera, Manon, Manon Lescaut, Simon Boccanegra y Luisa Fernanda en el Palau de les Arts Reina Sofía de Valencia, estas últimas con Plácido Domingo, Rigoletto en el Teatro Real de Madrid, Cavalleria Rusticana, Tosca y Rigoletto en el Teatro San Carlo de Nápoles, Tosca en Los Angeles Opera, y un largo etcétera.

http://www.jordibernacer.com/es/

Foto: Doble debut de Jordi Bernàcer en la Arena de Verona y en la Ópera de Roma (foto de Ennevi Fondazione Arena di Verona).

Clásicos Colgados, Festival Internacional de Música

Clásicos Colgados, Festival Internacional de Música

MASTER COLGADOS, las clases magistrales al alcance de todos los bolsillos.

Dentro del marco del Festival Internacional de Música Clásicos Colgados, que ofrecerá su segunda edición en Septiembre de 2017, los jóvenes intérpretes jugarán un papel fundamental 4 al 10 de Septiembre de 2017, en Cuenca.

El Festival Internacional de Música Clásicos Colgados articulado a partir de un ciclo de conciertos con artistas de reconocido prestigio internacional, acercando la música clásica de alto nivel a los melómanos de Cuenca del 4 al 10 de Septiembre de 2107. 

Los artistas que formarán parte de esta edición serán el reconocido cuarteto de cuerda español Cuarteto Quiroga, la violinista Mariarosaria D´Aprile y el pianista Tommaso Cogato, la soprano Laia Falcón y la pianista Carmen Martínez-Pierret artistas de la pasada edición e Israel Fausto Martínez, catedrático de violonchelo y director artístico del Festival. 

Además del ciclo de conciertos, la programación de Clásicos Colgados se complementará, al igual que la anterior edición, con Master Colgados, las clases magistrales dirigidas a jóvenes intérpretes en etapa formativa. Este año estarán enfocadas a la formación camerística del cuarteto de cuerda, siendo los miembros del Cuarteto Quiroga quienes impartirán estas clases durante la semana en el Conservatorio Profesional de Música “Pedro Aranaz”. Además, preocupado por la formación integral de jóvenes intérpretes, el Festival, propone un taller teórico-práctico impartido por Ana Hernández Sanchiz, coordinadora del área socioeducativa de la Orquesta Sinfónica de Tenerife, donde se aportarán herramientas de comunicación escénica para conectar mejor con el público actual. Así mismo, tendrán lugar dos conferencias abiertas al público  general impartido por Albert Nieto y Cibrán Sierra, que se podrán consultar más adelante en el calendario que dispondrá el Festival en su página web.

Buscando aumentar el número de participación con respecto a la primera edición de este Festival, que cubrió el 90% de las matrículas de alumnado activo, y un 55%  de matriculaciones del alumnado oyente, la organización de Clásicos Colgados propone unas tarifas competitivas al alcance de todos los bolsillos:

 

ALUMNOS ACTIVOS

ALUMNOS OYENTES

¿QUÉ INCLUYE?

·    Clases magistrales.

·    Asistir como oyente a los ensayos de los artistas del Festival.

·  Talleres prácticos y conferencias.

·   Abono de conciertos de
    CLÁSICOS COLGADOS.

¿QUÉ INCLUYE?

·   Asistir como oyente a las clases magistrales
    impartidas por los artistas del Festival.

·   Talleres prácticos y conferencias.

·    Abono de conciertos de
     CLÁSICOS COLGADOS.

¿CUÁNTO CUESTA?

Tarifa como alumno activo:
Clases magistrales con:
CUARTETO QUIROGA: 220€ cada grupo         inscrito
ALBERT NIETO: 60€ Por alumno

¿CUÁNTO CUESTA?

Tarifa como alumno oyente:

60€ por alumno

 

Clásicos Colgados es un Festival al alcance de todos los bolsillos que pretende acercar la música clásica a todos los públicos y hacerles partícipes de ella.

La presentación oficial será el día 4 de Septiembre a las 16h en el Conservatorio Profesional de Música “Pedro Aranaz”, dando comienzo todas las actividades programadas, que serán anunciadas en la web del Festival y redes sociales próximamente. 

www.clasicoscolgados.com 

Foto: El Cuarteto Quiroga actuará en Clásicos Colgados (foto de Josep Molina)

 Clausura del X Aniversario Festival Asisa de Música de Villaviciosa de Odón

Clausura del X Aniversario Festival Asisa de Música de Villaviciosa de Odón

Este fin de semana (14-16 Julio) se clausura el Festival Asisa de Música de Villaviciosa de Odón, que este año celebra su décimo aniversario con un especial homenaje por toda su carrera, al conocido pianista bilbaíno Joaquín Achúcaro.  El emblemático músico español Joaquín Achúcaro, uno de nuestros más queridos y célebres pianistas, Premio Nacional de Música, artista por la PAZ UNESCO y Medalla de Oro por la Academia de Bellas Artes, fue el protagonista absoluto del concierto de inauguración, en el que ofreció un recital con algunas de las obras más conocidas del repertorio pianístico.

El festival de la localidad madrileña de Villaviciosa de Odón, nació de la firme apuesta del Ayuntamiento y de su director artístico, el famoso pianista Mario Prisuelos, por acercar la buena música a todos los públicos con conciertos gratuitos y al aire libre. La excelente calidad y el carácter heterogéneo de la programación, son los pilares sobre los que se ha asentado un festival, que este año celebra su décima edición, consagrado ya, como ineludible cita del verano musical en la Comunidad de Madrid y como festival de referencia en la música de cámara de primer nivel.

Este fin de semana, en el atractivo entorno de la Plaza del Peregrino del Coliseo de la Cultura, todavía se podrá disfrutar, durante este especial décimo aniversario, de las actuaciones de destacados artistas.

Tras el éxito del concierto de Iberian & Klavier, piano dúo (Manuel Tévar y Laura Sierra), uno de los dúos pianísticos más destacados del panorama musical actual, que ayer jueves día 13 de julio emocionaron al público interpretando en versión de piano a cuatro manos la monumental Quinta Sinfonía de Beethoven y obras de su último CD dedicado al maestro Alonso, el Festival Asisa de Música de Villaviciosa de Odón, continúa hoy con el flamenco dentro del concepto clásico musical como parte de nuestra cultura musical, de la mano del gran cantaor español Francisco José Arcángel Ramos, conocido como Arcángel, una de las figuras más destacadas del cante flamenco actual, considerado por muchos como el auténtico sucesor de Enrique Morente.

El concierto de clausura de esta edición especial décimo aniversario del Festival Asisa de Música Villaviciosa de Odón, correrá a cargo de la que fue orquesta residente en el popular programa “El Conciertazo” de RTVE:  Orquesta Filarmonía y su director titular Pascual Osa. Tras concluir su temporada 2016/17 en el Auditorio Nacional de Madrid, la orquesta pondrá el broche de oro al festival, interpretando obras de Mascagni, Mozart y Haydn.

http://festivaldevillaviciosadeodon.com/

Foto: Iberian & Klavier, piano dúo (Manuel Tévar y Laura Sierra)
Crédito: Michal Novak

 

Crítica - 66 Festival de Granada - Una lección de elegancia

Crítica - 66 Festival de Granada - Una lección de elegancia

Pablo Heras-Casado, futuro director del Festival de Granada desde el próximo mes de septiembre, acudió en la presente edición para dirigir a la Philharmonia Orchestra en un magnífico concierto, contando con la presencia de la joven violinista estadounidense Esther Yoo.

Sin duda, la llegada al Festival de Granada de Pablo Heras-Casado ha sido muy bien acogida, sobre todo porque supone el regreso de uno de sus hijos predilectos tras haber tenido un periplo internacional del más alto nivel. Su profunda formación y musicalidad le han llevado a lo más alto del panorama internacional de la dirección de orquesta, infundiendo a cada formación un carácter propio, al tiempo que extrae lo mejor de ellas. Tal fue el caso de la Philharmonia Orchestra, caracterizada por su sonido limpio y su riqueza tímbrica, que en manos de Heras-Casado sonó espectacular en la noche granadina.

El programa se centró en tres autores del rico repertorio ruso, comenzando con la Obertura festiva de Dimitri Shostakovich. Esta breve pieza, concebida como una enérgica pieza de celebración soviética, le dio pie para mostrar al público de qué era capaz ante una formación tan solvente. Unos vibrantes metales iniciaron la fanfarria introductoria, unas cuerdas siempre empastadas y unas maderas precisas le dieron la réplica. El resultado fue potente, lleno de matices y golpes de efecto, en una versión impecable.

Tras la obertura Esther Yoo interpretó el Concierto para violín de Chaikovski, sin duda una de las obras de repertorio más complicadas y valoradas que llegó a ser considerada como “¡Intocable!” por el virtuoso Leopold Auer al rechazar su estreno. Esther Yoo se hizo a la perfección al pulso de Pablo Heras-Casado, dinámico y con énfasis en el carácter melódico de la obra. Su interpretación fue inspirada, resolviendo con agilidad los múltiples pasajes a dobles cuerdas, arpegios y cadencias. Pablo Heras-Casado supo modular hábilmente los efectivos orquestales para adaptarse a la dialéctica del solista con bastante equilibrio.

El ballet El pájaro de fuego de Igor Stravinski ocupó la segunda parte del concierto, en una de las mejores versiones que ha vivido el Festival de Granada. La orquesta se transmutó en una formación completamente distinta, adaptada a la dialéctica más contemporánea y diáfana que pedía Heras-Casado, en la que las pinceladas sonoras y la importancia del juego tímbrico fueron notas de genialidad que contribuyeron a construir una estupenda interpretación de la obra. Cada tema, cada leitmotiv, cada detalle de la partitura se hicieron evidente ante los oyentes, y todo en su conjunto vibró con frescura y emoción gracias al ágil gesto de Pablo Heras-Casado. Director y orquesta recibieron una prolongada ovación ante la magnífica labor de interpretación demostrada en la noche granadina, que hizo vibrar el Palacio de Carlos V con calidad y calidez.

Gonzalo Roldán Herencia

66 FESTIVAL DE GRANADA
Programa: Dimitri Shostakovich, Obertura festiva op. 96; Piotr Ilich Chaikovski, Concierto para violín en re mayor op. 35; Igor Stravinski, El pájaro de fuego.
Philharmonia Orchestra
Solista: Esther Yoo (violín)
Director: Pablo Heras-Casado
Fecha y lugar: Palacio de Carlos V, 11 de julio de 2017. 

Foto: Esther Yoo (violín), con el director Pablo Heras-Casado en el Palacio de Carlos V.

 

Homenaje a Telemann - Tarragona

Homenaje a Telemann - Tarragona

Buena iniciativa para conmemorar el 250 aniversario de la muerte de Telemann (25 de junio de 1767) que constituye una buena muestra de la música de su tiempo, pues sintetiza el contrapunto alemán y el concierto italianizante, así como la danza y la ópera francesa (suite). Su actividad como director y compositor, estrechamente vinculada a la sociedad cortesana de la época, eclipsó en buena medida los nombres de Bach y Händel, cayendo luego en un injusto ostracismo que con los últimos años se ha visto progresivamente reparado.

El joven conjunto de música antígua “Àtria” (solo llevan cinco años en los escenarios) puso sobre los atriles un programa inteligente de obras de homenajeado junto a dos ejemplos de sus contemporáneos citados, para ver bien los contrastes de escritura. La comunicación con el público también fue clave para el disfrute total de la velada.

Telemann fue un compositor longevo (86 años) e inmensamente prolífico, autor de miles de obras que engloban todas las formas musicales del momento: óperas, cantatas, piezas para teclado y partituras orquestales e instrumentales, de las cuales “Tafelmusik” (1733) es la más conocida. Reconocido por sus contemporáneos, fue además un activo organizador de conciertos, así como editor y escritor (pionero en esta faceta de empresario divulgador).

Gracias a estas actividades, logró que la música que hasta entonces había estado casi exclusivamente dedicada a la iglesia, a la ciudad o a la corte, se acercase más al público. Este fue el objetivo asimismo de nuestros intérpretes que en todo momento dieron a resaltar su manera “natural” globalizadora de componer, en contraste con el formalismo perfeccionista de un Bach retratado aquí con su “Sonata en Sol mayor BWV 1038” y con un Händel más acorde con los gustos ingleses en su “Sonata nº2 HWV 375”.

El resto fueron tres ejemplos de Telemann, con un conjunto totalmente cohesionado y a gusto sobre las tablas. Sobre todo a destacar la figura de Júlia Santos, a la flauta travesera barroca, con un gran dominio del instrumento y musicalidad exquisita. El bajo continuo, compuesto por clave y chelo, también a destacar por su correcta uniformidad a lo largo de todas las obras. El aplomo de todos los integrantes, bajo las condiciones adversas del sofocante calor, es muy de agradecer también. Todos estos factores dieron como resultado un éxito merecido y auguran una prometedora carrera al conjunto, si es que no está bastante consolidada ya, abriendo nuevos horizontes de expansión por la geografía nacional y extranjera.

Luis Suárez

Bouquet Festival – Museo Arqueológico de Tarragona
Conjunt Átria – Homenaje a Telemann
 

Foto: Conjunt Átria.

 

Suscripción RSS
 
Esquina inferior izquierda Esquina inferior iderecha
Portal web DotNetNuke por DOTWARE tecnología a punto   GEN. 0,0935972 s