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Música Viva - Últimas Noticias
CRÍTICA - “Corazón latino” (ROSS - Sevilla)

CRÍTICA - “Corazón latino” (ROSS - Sevilla)

Nada más poner sus manos sobre el teclado, Montero nos advertía de un dominio técnico increíble, con una pulsación “eléctrica”, incisiva, en ambas manos (lo que supone una izquierda de una vivacidad prodigiosa) gestionadas generalmente en paralelo, aunque en ocasiones las alternara. Este planteamiento en casi todo el concierto tuvo una ventaja añadida: evitaba los acordes de la zona media-baja de nuestro piano, que es donde “cruje”, como luego sucedió en la tercera de las propinas.

Es una escritura motívica, porque el ritmo es generador tanto de la textura como de la melodía, factor común a la música latina, que ella sintetizaba en los tres movimientos. Esto podía producir a veces una sensación reiterativa, pero se refrescaba con frecuencia al fundirse de manera natural con otra idea de otro ritmo, de otro país. En el tiempo intermedio fue el tango el que se impuso a los demás, a la vez que un tratamiento diríamos que cinematográfico de algunos pasajes. Ella definió su música como luminosa, pero con un sustrato oscuro, como el que viven muchos países latinos, dijo la venezolana sin querer referirse a ninguno en concreto. Al final pidió ideas para improvisar (sevillanas, nana armonizada por Lorca y libre-andaluz), en sendos estilos bachianos, chopinianos y variados, respectivamente. Espectacular la musicalidad, la técnica y el acierto (en la nana aguantó el motivo hasta el final).

La banda sonora de “Redes” de Revueltas presenta forma camerística, en tres secciones, la primera con la esperanzadora música de los marineros buscando y finalmente pescando abundantemente, cuya vivacidad es ensombrecida por disonancias que anticipan la decepción, el lamento (todavía no había muerto Lorca, pero luego se lo dedicaría) y el “Son” final, ya sí más plenamente de banda mejicana. Aunque la obra, como todo el programa, es afín a Axelrod, no notamos al maestro especialmente implicado, ni siquiera en su bien amado Bernstein, o en Márquez, donde una orquesta inmensa -circunstancia que él suele convertir en virtud- no se sincronizó lo que debía, ni apareció ese genio tejano que convierte en música dichosa lo que está escrito en un papel.

Por Carlos Tarín

2º Concierto de abono. Programa: “Concierto latino”. Obras de Montero, Revueltas, Gershwin, Bernstein y Márquez. Intérpretes: Gabriela Montero, piano. ROSS. Director: John Axelrod. Lugar: Teatro de la Maestranza. Fecha: 04/10/2018. 

Foto: Montero y Axelrod.
(Foto de Guillermo Mendo) 

CRÍTICA “Poética Pianística, Romanticismo y Sabor Español”

CRÍTICA “Poética Pianística, Romanticismo y Sabor Español”

Paula Coronas

Con motivo del 25 Aniversario de la Asociación Autista en Málaga, la pianista malagueña Paula Coronas ofreció un concierto benéfico dedicado a tal organización, cuya sede fue la Sala Mª Cristina de Málaga el pasado 9 de octubre de 2018.

El concierto (bipartito) ofreció dos líneas interpretativas brillantes la pianista malacitana. La primera parte titulada “Grandes poetas del piano” fue de un intimismo y virtuosismo propio del piano decimonónico y que tan bien supo la Coronas reflejar con un técnica depurada, precisa y plagada de un rubato muy resaltado, así como un dominio pleno del pedal. En esta pianista no sólo destaca su interpretación pianística o su didactismo a la hora de regalar pinceladas de datos curiosos al público o bien su estudio e investigación pormenorizada de sus obras que bien se reflejan en su praxis interpretativa, sino que esa misma línea exhaustiva de investigación entronca a la perfección con el detalle cuidado a la hora de elegir y relacionar las obras del repertorio de su concierto. Partiendo de la base más romántica del piano romántico el repertorio se abre con tres obras de F. Chopin: el Nocturno póstumo en Do sostenido menor, el Vals op.64 nº2 y la Fantasía-Impromptu op.66.

Nocturno póstumo en Do# m: este emotivo nocturno que el compositor polaco dedicó a su hermana Ludwica en 1830, lo defiende Paula con una depurada técnica no sólo del pedal y de un marcado rubato, sino también en la perfecta coordinación de las escalas ascendentes, descendentes y en oposición de manos, mostrando así la técnica virtuosa que cautiva al público.

Vals op.64 nº2: Esta joya de la poesía pianística, dedicada a la baronesa Charlotte de Rothschild en 1847, rezuma una armonía, dulzura, melancolía e intimismo perfectamente reflejados en la interpretación virtuosa y sentida de la pianista.

Fantasía-Impromptu op.66: la obra compuesta en 1834 es una de las más conocidas del pianista polaco y de las más interpretadas del repertorio romántico europeo. De nuevo e virtuosismo, belleza e intimismo se coaligaron perfectamente en las manos de Paula Coronas.

Deleitados con la interpretación romántica de corte europeo, la pianista malacitana invitó a viajar al romanticismo ruso de la mano izquierda de A. Scriabin. Dejando descansar literalmente la mano derecha, la intérprete llevó al público a creer que tocaba con ambas manos con esta obra que precisamente se titula Nocturno para la mano izquierda op.9 (año 1894). Y desde Scriabin, Paula traspasa cronológicamente al siglo XX con la obra –considerada poema- Vers la flamme (´Hacia la llama´), op. 72, compuesta en el año del estallido de la 1ª Guerra Mundial (1914), y no es paradójico que quizás el compositor creyera en la destrucción del mundo ante la crisis mundial que se expandía. Esta pieza de gran contenido emocional resalta la gran técnica y virtuosismo de la que Paula es tan generosa de ofrecer. Ese equilibrio de virtuosismo y emoción que tan pronto estalla como se contiene meticulosamente parte del estudio medido y  pormenorizado de las obras a la que la pianista se entrega con premeditación.

Para terminar de deleitar al numeroso público asistente a la sala de conciertos, Paula Coronas asombró con una magnífica interpretación del Preludio nº 12, 2º cuaderno Fuegos de artificio de C. Debussy. La paleta cromática de este compositor se reflejó en la partitura memorística de Paula Coronas donde las texturas se entretejían con colores armónicos fríos y cálidos, iridiscentes, tornasolados o luminosos evocando una ensoñación dulce y delicada frente a momentos de gran fuerza cuasi salvaje. Termina la primera parte del Concierto con este Preludio, homenaje implícito al compositor con el que se inició esta primera parte del concierto con Chopin, con el que entronca dado que este preludio pertenece a esos 24 Preludios con los que recorre de forma similar el compositor polaco las tonalidades mayores y menores buscando así el color musical de las posibilidades sonoras del piano. En Fuegos de Artificio podemos observar como la técnica virtuosística de Coronas -de la que ya hemos hablado- domina a la perfección la obra incendiando paulatinamente el instrumento. Desde esas primeras chispas crepitantes hasta llegar a reflejar la luz -como si de un lienzo impresionista se tratara- provocada por los fuegos artificiales. Esa luz que desprende el piano de Paula Coronas dejó ciego de asombro a un público entregado que, en pie y aplaudiendo tal alarde de virtuosismo, esperaba con ansia la segunda parte del concierto.

La segunda parte del concierto se dedicó a la gran pasión musical de la pianista, la música española de la que es una gran conocedora. Siguiendo un orden cronológicamente estudiado en la elección del programa del concierto nos encontramos con algunas obras de I. Albéniz, compositor cosmopolita que llevó a la máxima práctica la difusión del patrimonio musical español. Paula Coronas nos traslada a evocar Recuerdos de viaje de Albéniz con la obra En la Alhambra, obra admirada por el compositor anteriormente escuchado de Fuegos de Artificio, C. Debussy. Comprobamos una vez más que el programa no ha sido elegido sin criterio, sino que sigue una línea muy bien señalada y con gran sentido para los estudiosos del piano y para deleite del público. Después de evocar el lugar mágico de la Alhambra, Paula nos muestra en su medida interpretación las obras de Albéniz con piezas como Sevilla (año 1886) donde el garbo y ese punto aristocrático de la obra lo refleja Paula en sus manos con la máxima gracia pianística; seguidamente, nos traslada al otro punto de la geografía española con Asturias donde curiosamente ese sabor musical nos muestra como se puede mostrar esa soleá y copla andaluza; descendiendo por la geografía de la Península Ibérica viajamos en el tiempo y lugar a Aragón, donde a través de su jota aragonesa plagada de juegos rítmicos danzarines en contraposición con su copla cantable nos muestra como la técnica y la emotividad van de la mano, de unas manos virtuosas plagadas de emociones que el piano de Paula tan bien sabe captar.

Después del virtuosismo del Aragón de Albéniz, Paula Coronas nos muestra la Danza de la Gitana, ballet sonatina de E. Halffter. Esta obra entronca o toma gran parentesco con las danzas de El Amor brujo del gran compositor español Manuel de Falla. Así pues, observamos una vez más como Paula selecciona con gran precisión su repertorio para mostrar al público piezas de gran riqueza técnica y virtuosística como de gran emotividad y sabiduría musical al saber enlazar unas piezas con otras y no sólo por su belleza musical sino por su sentido y coherencia. La Danza de la gitana es una obra pivotante entre lo novedoso de la obra Halfftiana (junto con la obra de Falla) así como con las composiciones scarlattianas basadas en el Rigaudón inicial. Podríamos decir que esta obra de Halffter rinde homenaje a Falla con el neoscarlattismo que dominaba las composiciones del músico gaditano (Falla).

Para cerrar el círculo coherente en la elección del programa, Paula Coronas ofrece los Valses poéticos de E. Granados donde volvemos a beber de la tradición romántica de Chopin o Schumann o de las influencias clásicas de D. Scarlatti. La gran emoción contenida en los pentagramas de estas piezas nos muestran, nuevamente, sentimiento y emoción emanados de los dedos de la gran pianista malagueña.

Como colofón y para deleite y emoción del público, Paula Coronas ofreció una obra compuesta por el malagueño Eduardo Ocón,  Gran Vals Brillante. La elección de esta última obra del programa no era casual, pues la pianista malagueña quiso rendir homenaje a su tierra natal con este compositor malagueño y quien además fundó la Sala María Cristina siendo un Conservatorio y posteriormente Sala de Conciertos de gran belleza arquitectónica, pictórica y de gran sonoridad debido a su estudiada acústica. Paula Coronas es hoy una gran impulsora no sólo en el conocimiento de la obra desconocida de grandes compositores malagueños, sino además una gran intérprete que está constantemente dando a conocer tanto dentro como fuera de nuestras fronteras españolas las obras de dichos compositores. Su estudio minucioso, pormenorizado de las obras tanto en la investigación de partituras y contextos como de su minuciosa praxis interpretativa hacen que su mensaje musical sea de un gran alcance comunicativo y arranque aplausos prolongados como los que escuchamos tras finalizar este Gran Vals Brillante de E. Ocón, donde la brillantez sonora hizo lucir lo mejor de la intérprete.

Por Verónica García Prior (musicóloga)

PINCELADAS MUSICALES DEL CURRÍCULUM DE PAULA CORONAS

Nacida en Málaga, esta intérprete concluyó brillantemente sus estudios musicales en el Conservatorio Superior de Música de dicha ciudad bajo la dirección del catedrático Horacio Socías. Posteriormente perfecciona con la catedrática Ana Guijarro en Madrid y con el profesor y concertista Anatoli Povzoun, de la Escuela Reina Sofía de Madrid. Ha trabajado la especialidad de música española con el maestro y reconocido pianista Esteban Sánchez.

En la actualidad es profesora titular en el Conservatorio Profesional de Música “Manuel Carra” de Málaga. Asimismo es doctora en Comunicación y Música por la Universidad de dicha ciudad y Vocal de Música del Ateneo de Málaga. Es Directora artística del Ciclo “Miradas al Sur” patrocinado por Fundación Unicaja y Directora de la Revista musical Intermezzo. Ha sido distinguida recientemente con el Premio Andalucía que le ha sido otorgado por la Junta de Andalucía en reconocimiento a su labor musical. El pasado 30 de septiembre le ha sido otorgado el Premio Cultura Federación de Ateneos de Andalucía por su labor musical y artística.

Posee una trayectoria jalonada por numerosos premios en los siguientes Concursos Nacionales e Internacionales: Concurso Marisa Montiel, donde recibe además el Premio Especial de Interpretación de Música Española; Primer Premio Internacional de Ibiza; Primer Premio Internacional Pío Tur; Mención de Honor Concurso Gregorio Baudot en Ferrol; Premio Ciudad de Melilla; Premio Ciudad de Berga en Barcelona; Segundo Premio Club de Leones; Premio Samuel de los Santos Albacete; Premio Jóvenes Concertistas (Villa de Sahagún) León, entre otros.

Paula Coronas ha ofrecido numerosos recitales y conciertos con Orquesta en España y numerosos países europeos como Alemania, Francia, Italia, Portugal, Rumanía, Hungría en los mejores escenarios: Auditorio Nacional del Música de Madrid, Teatro Monumental, Palau de la Música de Valencia, Gran Teatro de Córdoba, Teatro Cervantes de Málaga, La Cartuja de Sevilla, Audiorio de la Diputación de Alicante (ADDA), Centro Reina Sofía de Madrid, Teatro Falla de Cádiz…

Ha trabajado bajo la batuta de grandes directores como Edmon Colomer, Michael Thomas, Manuel Hernández Silva, José Miguel Rodilla, Miguel Romea, Octav Calleya, Pablo González, Mássimo Paris, Antón García Abril, Miguel Sánchez Ruzafa, Juan Rodríguez Romero, Alejandro Posada, Minhea Ignat…

Cuenta actualmente con una amplia discografía que registra once Cds. Cultiva la obra pianística del maestro Antón García Abril, cuya composición, “Alba de los Caminos” ha sido estrenada mundialmente por Paula Coronas, a quien está dedicada la obra.

Cabe destacar sus grabaciones para Radio y Televisión en canales autonómicos y nacionales, como los “Conciertos de la 2” (TV Española) así como su reciente actuación y entrevista en “Programa de mano” en TVE 2, y su intervención en Radio Nacional de España dentro del espacio “Álbum de discos” donde se ha dado a conocer su versión del Concierto nº 2 de José Muñoz  Molleda.

Es autora de diversas publicaciones bibliográficas sobre la vida y obra de los maestros García Abril y Joaquín Rodrigo, que incluye edición bilingüe y CD recopilatorio de la obra pianística de ambos maestros.

CRÍTICA - “un Rossini bien tratado” (Oviedo)

CRÍTICA - “un Rossini bien tratado” (Oviedo)

Il turco in Italia

Entre las obras cómicas de Rossini Il turco in Italia no ha alcanzado la celebridad de La Cenerentola, L’italiana in Algeri ni, por supuesto, Il barbiere di Siviglia; esa falta de celebridad hace que sus representaciones sean contadas y la temporada ovetense nos ha ofrecido una oportunidad que no se podía dejar pasar.

Al término de la función la impresión reinante era que Rossini había sido bien tratado por la temporada asturiana tanto en el aspecto vocal como en el escénico. Así, en el primero de los apartados puede subrayarse el buen Selim de Simón Orfila con una espectacular entrada cantando el Bella Italia con una voz rotunda y estilísticamente adecuada. A Selim le volvía loco una Sabina Puértolas de agudo consistente, con una resolución adecuada de la coloratura y una vis cómica nada despreciable.

Alessandro Corbelli es una institución dentro del canto rossiniano y una garantía escénica. Vocalmente acusa cierto desgaste y una necesidad de “calentar” la voz; además su “ahorro de energía” en ciertos momentos fue bastante evidente; sin embargo estilísticamente es impecable y su Geranio es de referencia. El otro hombre que bebía los vientos por Fiorilla, Don Narciso, fue encarnado por el catalán David Alegret, de voz ligera y agudos blanquecinos aunque suficientes.

Manel Esteve encarnó el papel del Poeta y supo sacar rendimiento a un rol más dedicado al recitativo que al canto pero Esteve estuvo brillante e hilarante en el desarrollo cómico del papel. Finalmente, muy adecuada Laura Vila como Zaida y más tímido David Astorga como Albazar. Iván López-Reynoso dirigió con precisión y ritmo soberbios una función que no tuvo momento de decaimiento alguno.

La puesta en escena de Emilio Sagi, muy propia de su estilo, trasladó a Rossini al Nápoles de los 50 del pasado siglo y supo tratar muy bien al compositor: escenas hilarantes, figurantes comprometidos, coro en disposición muy positiva, etc. En definitiva, una función que trató a Rossini más que bien.

Enrique Bert

Sabina Puértolas, Laura Vila, David Alegret, Alessandro Corbelli, Simón Orfila y otros.  Orquesta Oviedo Filarmonía. Dirección de escena: Emilio Sagi. Dirección musical: Iván López-Reynoso. Il turco in Italia, de Gioacchino Rossini. 
Teatro Campoamor, Oviedo.
 

Sustitución de ‘Con Que Voz’ por ‘La Consagración de la Primavera’: Una Ilustración Incidental

Sustitución de ‘Con Que Voz’ por ‘La Consagración de la Primavera’: Una Ilustración Incidental

Las Naves del Matadero (19, 20 Y 21 de Octubre)

Debido a ajustes de producción, el espectáculo Com que voz, previsto para los días 26, 27 y 28 de octubre en las Naves del Matadero será pospuesto para futuras temporadas, en fechas todavía por determinar.

En su lugar se ofrecerán cuatro funciones del espectáculo La consagración de la primavera - una ilustración incidental, de Igor Stravinski, con ilustraciones de Sagar, los días 19, 20 (dos funciones) y 21 de octubre, con la participación de la Orquesta Titular del Teatro Real, bajo la dirección de Nacho de Paz.

En 1913, durante el ya mítico estreno de La consagración de la Primavera, de Igor Stravinski, interpretada por Vaslav Nijinsky y los Ballets Rusos de Serguéi Diáguilev, hubo un sonado alboroto en el Théâtre des Champs-Élysées de París. El público, desencajado ante un espectáculo tan brutal, y abrumado por su temática, no dudó en protestar con violencia.

Un siglo después, la Orchestre National de France y el director musical Daniele Gatti se reunieron en el mismo teatro para homenajear a Stravinski, interpretando su obra maestra acompañada de ilustraciones del dibujante aragonés Sagar. Es esta la versión que se ofrecerá a las Naves Matadero (Nave 11), con la Orquesta Titular del Teatro Real, bajo la dirección de Nacho de Paz.

LA CONSAGRACIÓN DE LA PRIMAVERA - Una ilustración incidental

Música: Igor Stravinsky
Orquesta Titular del Teatro Real
Director de orquesta: Nacho de Paz
Ilustración incidental: Sagar 
Guión: Sagar y Jordi Gastó 
Animación: Sílvia Ortega
Iluminación: Óscar G. Villegas
Post producción y mezclas: Alberto Sansalvador 
Vídeo: Xevi Gibert

DÍAS: 19 (20:30 h.), 20 (18:30.h. y 20:30.h.) y 21 (20:30h.) de octubre
LUGAR: Las Naves del Matadero, Nave 11
PRECIO: 15 euros

www.teatro-real.com 

Foto: Nacho de Paz (foto de Nacho Albacete)

 

Karel Mark Chichon y la OFGC se sumergen en la Sinfonía “Patética” de Chaikovski

Karel Mark Chichon y la OFGC se sumergen en la Sinfonía “Patética” de Chaikovski

Albrecht Mayer, oboe principal de la Orquesta Filarmónica de Berlín, debuta junto a la OFGC interpretando el Rondó en Do mayor K. 373 de Mozart y el Concierto para oboe de Haydn

El programa incluye el estreno en España de Fanfares, del letón Eriks Esenvalds

El concierto tendrá lugar el viernes 19 de octubre en el Auditorio Alfredo Kraus a las 20.00

El maestro Karel Mark Chichon dirigirá la Sinfonía nº 6 en Si menor “Patética” de P. I. Chaikovski, una de las piezas más célebres del repertorio sinfónico romántico, en el cuarto concierto de la temporada de abono 2018-2019 de la Orquesta Filarmónica de Gran Canaria, que tendrá lugar el viernes 19 de octubre en el Auditorio Alfredo Kraus a las 20.00 h.

La Sinfonía nº 6 “Patética” de Chaikovski, pináculo de la producción del compositor ruso y una de las más estremecedoras confesiones, casi un testamento musical, de cualquier época, fascina por la proverbial inspiración melódica chaikovskiana y por su abrumadora densidad dramática, que transmite un dolor y una angustia casi físicos.

El concierto incluye la presentación junto a la OFGC de Albrecht Mayer, el mítico primer oboe de la Orquesta Filarmónica de Berlín, un verdadero referente entre los intérpretes de este instrumento. Para su debut con el conjunto del Cabildo de Gran Canaria, Albrecht Mayer ofrecerá dos ejemplos del repertorio clásico que son novedad para la OFGC, el Rondó en Do mayor K. 373 de Mozart y el Concierto para oboe en Do mayor de Haydn, pieza esta última que ha ofrecido junto al maestro Chichon en importantes escenarios europeos.

Completa el programa el estreno en España de Fanfare del letón Erik Esenvalds, que dedicó la pieza al maestro Chichon con motivo de la apertura de la temporada 2010/2011 de la Orquesta Nacional de Letonia. Se trata de una composición que permite a la orquesta exhibir diferentes colores a la vez que resalta el potencial de los diferentes instrumentistas, dentro de un discurso musical que articula con una línea de continuidad lo melódico y lo danzable.

Entradas
Las localidades para el concierto (32, 26, 19, 15 y 13 euros) pueden adquirirse a través de ofgrancanaria.com y su perfil de facebook y en la taquillas del Auditorio Alfredo Kraus y el Teatro Pérez Galdós.

Se ofrecen descuentos especiales para estudiantes, desempleados y mayores de 65 y menores de 26 años.

ofgrancanaria.com

KAREL MARK CHICHON director artístico y titular


El maestro británico Karel Mark Chichon continúa entusiasmando a los públicos de todo el mundo con su temperamento, pasión y musicalidad. En reconocimiento por sus servicios a la música, la Reina Isabel II de Inglaterra le nombró Oficial de la Excelentísima Orden del Imperio Británico (OBE) en junio de 2012. En 2016 fue elegido Miembro de la Royal Academy of Music como reconocimiento a su labor en la profesión.

Nacido en Londres en 1971, Chichon procede de Gibraltar. Estudió en la Royal Academy of Music de la capital británica y fue director asistente de Giuseppe Sinopoli y Valery Gergiev.

En mayo de 2017 fue nombrado Director Artístico y Titular de la Orquesta Filarmónica de Gran Canaria, cargo en el que ha sido renovado hasta 2023.

Desde 2011 a 2017 fue Director Titular de la Deutsche Radio Philharmonie Saarbrücken Kaiserslautern, donde recibió fue aclamado por sus profundas interpretaciones de un amplio repertorio y su innovador trabajo con la orquesta. Testimonio de su labor con la DRP es el éxito de sus primeros tres volúmenes de las obras orquestales completas de Dvorák, ciclo que grabará para el sello Hänssler Classics. Al respecto, la crítica destaca que “Karel Mark Chichon se sitúa considerablemente por encima de algunos de sus más distinguidos competidores” y saluda estos primeros tres volúmenes como “las mejores versiones disponibles”.

Sus cargos pasados incluyen los de Director Titular y Artístico de la Orquesta Sinfónica Nacional de Letonia (2009-2012) y Director Titular de la Orquesta Sinfónica de Graz en Austria (2006-2009).

Chichon ha dirigido a los conjuntos de teatros como la Metropolitan Opera de Nueva York, Ópera Estatal de Viena, Deutsche Oper en Berlín, Ópera Estatal de Baviera en Múnich, Teatro dell’Opera di Roma, Teatro Comunale di Bologna, Teatro Real de Madrid y  Gran Teatre del Liceu, y a orquestas como la Royal Concertgebouw de Ámsterdam, Sinfónica de Londres, English Chamber Orchestra, Filarmónica de la Radio Holandesa, Sinfónica de la Radio de Berlín, Sinfónica de Viena, Sinfónica de la Radio de Viena, Sinfónica de la NHK de Tokio, Suisse Romande, Nacional de Bélgica, Sinfonica Nazionale della RAI, Filarmónica de Monte Carlo y Orquesta Nacional de Rusia.

Dirige habitualmente en escenarios como la Philharmonie en Berlín, Musikverein y Konzerthaus en Viena, Concertgebouw en Ámsterdam, Royal Festival Hall en Londres, Théâtre des Champs-Élysées en París,  Philharmonie en Múnich, Laeiszhalle en Hamburgo, Alter Oper en Frankfurt, Gran Sala del Conservatorio de Moscú, Auditorio Nacional de Música en Madrid y Seoul Arts Center en Corea del Sur.

A principios de 2016 tuvo un aclamado debut en la Metropolitan Opera de Nueva York con Madama Butterfly, que incluyó una transmisión en vivo en HD a 2000 cines de 66 países. Volverá a la Metropolitan Opera en 2019 con La Traviata.

Desde 2006 a 2010 fue Director Musical de los conciertos “Navidades en Viena” celebrados anualmente en la Konzerthaus vienesa y transmitidos por televisión a millones de personas.

Es asimismo artista habitual del prestigioso sello Deutsche Grammophon, para el que ha grabado recientemente dos discos y un DVD.

ALBRECHT MAYER oboe

Albrecht Mayer estudió con Gerhard Scheuer, Georg Meerwein, Ingo Goritzki y Maurice Bourgue. Mayer comenzó su carrera en 1990 como solista principal de oboe en la Orquesta Sinfónica de Bámberg. En 1992, aceptó el puesto equivalente con la Orquesta Filarmónica de Berlín. despite his growing renown as a concert soloist.
Among the most sought-after oboists of our time, he has appeared as soloist with such eminent conductors as Claudio Abbado, Sir Simon Rattle and Nikolaus Harnoncourt.

Albrecht Mayer tiene una extensa agenda internacional como solista y ha actuado bajo la dirección de batutas del prestigio de Claudio Abbado, Sir Simon Rattle y Nikolaus Harnoncourt. Es asimismo un entusiasta músico de cámara que ha trabajado junto a artistas como Hélène Grimaud, Leif Ove Andsnes y Lars Vogt. A la búsqueda de un sonido personal ideal, fundó su propio conjunto, New Seasons. Acompañado por la Orpheus Chamber Orchestra, Mayer hizo su debut en 2007 el Carnegie Hall de Nueva York. En 2008, fue "Artiste étoile" en el Festival de Lucerna. Además de su carrera como solista, Albrecht Mayer actúa con regularidad como director.

Interesado en desarrollar nuevo repertorio, Albrecht Mayer adapta para el oboe obras dedicadas a otros instrumentos o a la voz, el más “natural” de los instrumentos. Lieder ohne Worte, un disco de transcripciones de Bach transcriptions para oboe y orquesta ocupó el nº 2 de las listas cláscias alemanas, y saltó a las listas pop con New Seasons, un álbum con música que presentaba la música de Haendel bajo una sorprendente y nueva luz dando al oboe las líneas vocales de la ópera y el oratorio. Su disco Auf Mozarts Spuren (A la búsqueda de Mozart) con la Mahler Chamber Orchestra y Claudio Abbado apareció en la lista de Mejores grabaciones de  la  Deutschen Schallplattenkritik. Otros registros destacados son In Venice, con conciertos barrocos de compositores venecianos, que fue seguido de Voices of Bach, obras de Bach para oboe, coro y orquesta; Drums’n’Chant, en colaboración con el percusionista austríaco Martin Grubinger; Bonjour Paris, con músicas de Debussy, Ravel, Satie, Fauré, D’Indy y Françaix; Songs of the Reeds, una antología de tesoros románticos;  Let it Snow! con los King’s Singers; y Lost and Found, una colección de cuatro poco conocidos conciertos clásicos para oboe y corno inglés con Mayer como solista y director junto a la Kammerakademie Potsdam.

Al igual que Lost and Found, ha lanzado al mercado recientemente Tesori d’Italia, álbum en el que Mayer e I Musici interpretan conciertos olvidados de Giuseppe Sammartini, Domenico Elmi y Giovanni Alberto Ristori junto al célebre Concierto para oboe en Do mayor RV 450 de Vivaldi.

Albrecht Mayer ofrece numerosas giras. En marzo de 2017 actuó como solista y director en el Musikwoche Hitzacker, festival del que es director artístico desde 2016. Otras actuaciones le llevaron a escenarios y festivales de Alemania, con actuaciones con I Musici en la Elbphilharmonie de Hamburgo, la Philharmonie de Berlín o el Prinzregententheater de Múnich, como parte de la gira de doce conciertos de presentación de Tesori d’Italia.

En 2006, 2008 y 2010 Albrecht Mayer fue galardonado con el ECHO Klassik Prize y en 2006 recibió el Premio Cultural E.T.A Hoffmann de la ciudad de Bámberg. En 2013 ocupó el "Hall of Fame" de la revista Gramophone y recibió el Premio Cultural Bávaro.

Albrecht Mayer toca un oboe y un oboe d’amore construidos por los Hermanos Mönnig.

Es fundador de la Fundación Albrecht Mayer (
www.albrecht-mayer-stiftung.de)., dedicada a recoger fondos para la salvación de la vista.

ORQUESTA FILARMÓNICA DE GRAN CANARIA

Tras una larga etapa de actividad sinfónica ininterrumpida que se remonta a 1845, la actual Orquesta Filarmónica de Gran Canaria (OFGC) surge como tal al amparo de la fundación pública del mismo nombre creada por el Cabildo de Gran Canaria en 1980. Desde entonces viene desarrollando una actividad musical continuada y estable, con un notable aumento de sus prestaciones sinfónicas y líricas.

Entre las figuras más destacadas que han dirigido la orquesta cabe señalar a Rudolf Barshai,  Frans Brüggen,  Rafael Frühbeck de Burgos, Bernhard Klee, Leopold Hager, Christopher Hogwood, Thomas Hengelbrock, Raymond Leppard, Jesús López Cobos, Iván Martín, John Nelson, Trevor Pinnock, Mstislav Rostropovich, Pinchas Steinberg, Ralf Weikert, Antoni Wit, así como Adrian Leaper, que fue su director titular entre 1994 y 2002, y Pedro Halffter, director artístico y titular entre 2004 y 2016.


Muchos han sido asimismo los solistas que han actuado con la OFGC, desde las grandes voces de la lírica: Montserrat Caballé, José Carreras, Plácido Domingo, Elina Garanca, Matthias Goerne, Alfredo Kraus, Petra Lang, Felicity Lott, Anne Sofie von Otter, René Pape, hasta los más reconocidos instrumentistas: Joaquín Achúcarro, Steven Isserlis, Janine Jansen,  Isabelle van Keulen, Katia y Marielle Labèque, Alicia de Larrocha, Nikolai Lugansky, Mischa Maisky, Sabine Meyer, Daniel Müller-Schott, Eldar Nebolsin, Cécile Ousset, Maria João Pires, Mstislav Rostropovich, Fazil Say y Frank Peter Zimmermann, entre otros.

La OFGC ha participado en los más importantes ciclos sinfónicos españoles y ha hecho giras a Alemania, Austria, Suiza, Japón y China. Gran trascendencia han tenido los conciertos multitudinarios ofrecidos en el Gran Canaria Arena, en el Estadio de Gran Canaria junto a Sting y Raphael, con artistas canarios como José Vélez o Luis Morera, y en la Terminal de Contenedores del Muelle de la Luz dentro del Festival de Teatro, Música y Danza de Las Palmas de Gran Canaria Temudas, junto al Coro de la OFGC y el Coro Infantil de la OFGC.
La Orquesta Filarmónica de Gran Canaria realiza una intensa labor de difusión de la música en los diferentes municipios de Gran Canaria, además de numerosas acciones y proyectos de carácter social.

Su discografía incluye registros para Deutsche Grammophon, Warner Music, Arte Nova, ASV y la colección “La mota de polvo” en AgrupArte.

La OFGC se caracteriza por su ejemplar programación de conciertos didácticos dirigidos a escolares y familias, a través de un Servicio Pedagógico cuyas campañas de conciertos escolares y actividades de apoyo al profesorado mueven a gran parte de los centros educativos de la Isla. La OFGC se ha incorporado a la Red de Organizadores de Conciertos Educativos y Sociales (ROCE).

Fue distinguida con el “Can de Plata” del Cabildo de Gran Canaria en el 92 aniversario de la Corporación y con el Premio de las Artes y de la Ciencia Canarios en el Mundo del periódico El Mundo y el Cabildo de Gran Canaria.

Karel Mark Chichon es Director Artístico y Titular de la Orquesta Filarmónica de Gran Canaria desde mayo de 2017.

Günther Herbig es Principal Director Invitado desde la temporada 2006-2007.

La OFGC es miembro de la Asociación Española de Orquestas Sinfónicas (AEOS).
 

Foto: Albrecht Mayer, oboe principal de la Orquesta Filarmónica de Berlín, debuta junto a la OFGC interpretando el Rondó en Do mayor K. 373 de Mozart y el Concierto para oboe de Haydn (foto de Harald Hoffmann).

CRÍTICA – Yago Mahúgo (Madrid – Café Comercial)

CRÍTICA – Yago Mahúgo (Madrid – Café Comercial)

Nos encontramos en las agradables estancias del Café Comercial, en el centro de Madrid. Un lugar agradable como pocos, pero en el que además suceden a veces momentos especiales gracias a su bien seleccionada agenda de conciertos. Esta noche nos encontramos con el clavecinista Yago Mahúgo. Yago comienza el concierto dirigiéndose al público con amabilidad y cercanía dando una breve explicación del repertorio a modo de concierto didáctico por parte del, incurriendo en una labor pedagógica y divulgativa que nos sitúa en el estilo de la música francesa del siglo XVIII y de los fandangos españoles en la segunda parte.

Sin más preámbulos comienza interpretando Les Barricades Mystérieus, pieza escrita por uno de los compositores más representativos del barroco Francés, Francois Couperin a comienzos del siglo XVIII. Esta pieza pretende evocar el movimiento de los ropajes de las damas de la corte francesa, y Mahúgo consigue reflejar magistralmente esto con el uso de un tempo estable, pero que se permitiéndose flexionar levemente para dar mayor sensación de movimiento mezclando el rigor rítmico con la naturalidad expresiva de su agógica.

Sigue el concierto con el Adagio, de Joseph-Hector Fiocco. En esta pieza, Mahúgo consigue extraer del clave un sonido que recuerda al tañer de un laúd se trata de un continuo armónico que realiza la mano izquierda arpegiando acordes, pero de los cuales a veces destaca notas creando melodías secundarias que se funden con la melodía que realiza la mano derecha, creando así diferentes planos sonoros superpuestos que a veces fusiona de forma elegante e inteligente.

Continuamos el concierto con el Allegro, también de Joseph-Hector Fiocco. Encontramos aquí una interpretación muy atrevida, puesto que el ataque que emplea en la mano izquierda le confiere un sonido muy enérgico.

Después pasamos a La du Breüil, una pieza de Armand-Louis Couperin. En esta pieza Mahúgo extrae un carácter marcial y grandioso totalmente necesario para una buena interpretación de la misma, pero que a veces flexiona para resaltar las entradas de las melodías aportando cierto interés al discurso.

Seguimos con otra pieza de Armand-Louis Couperin, Les Cacqueteuses (Los Charlatanes). Aquí, Mahúgo demuestra un gusto interpretativo totalmente fresco y personal. Destaca la naturalidad con la que el bajo que se mezcla con el peso del discurso melódico creando una masa sonora que casi profetiza estilos musicales de que tardarán más de un siglo en llegar.  También podemos apreciar en su versión de la pieza la sensibilidad con la que mueve la agógica, realizando leves ritardandos para finalizar y enunciar los cambios en la estructura de la pieza, y como acompaña estos cambios de estructura con sutiles cambios en el timbre.

A continuación encontramos piezas del compositor Joseph-Nicolas-Pancrace Royer. La primera de ellas, titulada L´aimable, es una pieza de carácter amable, triste y tranquilo. En esta pieza podemos apreciar perfectamente como Mahúgo destaca los motivos melódicos que se alternan entre ambas manos gracias al movimiento agógico que realiza, quedando así no solo la expresiva melodía en la mano derecha y la izquierda como simple acompañamiento, sino que los pequeños motivos melódicos de dicha izquierda adquiere un carácter que recuerda a luminosos destellos y virtuosos fuegos de artificio que usa para dar luminosidad y calidez al discurso de la derecha. Además escuchamos inflexiones que nos anuncian los cambios en el tema y las modulaciones, como por ejemplo la pausa súbita que usa para enlazar con la sección intermedia de carácter más agitato encontrándonos así tan dentro de la música como si estuviésemos siguiendo la partitura con su interpretación.

La última pieza de la primera parte del concierto es La Marche des Scythes, también del compositor Joseph-Nicolas-Pancrace Royer. Para esta pieza, Mahúgo escoge un carácter rítmico e imponente que flexiona cuando la melodía se vuelve más aterciopelada, tras estos momentos de relax poco a poco va construyendo una escalera en la que aumenta la tensión hasta un brutal despliegue de exuberante color en los arpegios. Se nota su clara visión de la pieza en la expresividad y la intención que transmite al público en cada momento, haciéndonos ver  la alternancia entre carácter rítmico y danzante, con vigoroso y virtuosista, después un lánguido lamento y acabando por fin con un pasaje de bravura digno del mismo Liszt.

Pasamos a la segunda parte del concierto, completamente dedicada a los fandangos españoles, en la cual encontramos piezas de autores italianos como  Scarlatti y Boccherini, que fueron enormemente inspirados con este tipo de música. Además de un Fandango del célebre Antonio Soler.

Comienza la segunda parte con el Fandango de Domenico Scarlatti. En esta pieza, apreciamos un carácter muy rítmico y emocionante, esto se nota en los motivos melódicos que adquieren un sabor muy español al remarcar a fondo la figuración “larga-corta”. También impresiona la forma en la que toca los arpegios que hay en el registro grave, porque recuerdan el tañer de una guitarra, metiéndonos aún más en una atmosfera y carácter español.

A continuación nos encontramos con el Fandango de Boccherini se trata de un  arreglo del Quinteto nº 4  en ReM G448 realizado por Mahúgo. Escuchamos en esta pieza una sonoridad preciosa que recuerda al hogar, y a viajes tormentosos. El colchón del bajo continuo de la izquierda solo se ve interrumpido para señalizar el énfasis realizado en la derecha. Intercala este carácter con pasajes mucho más vigorosos, usando un  tempo más elevado que es muy necesario para su interpretación. Se aprecia su elevada clase y personalidad musical en cuestiones como detenerse un poco ciertas notas de los motivos de acompañamiento que realiza un bajo de Alberti para enunciar bien la importancia melódica de la derecha, la forma en que resalta la cadencia andaluza, o como remarca el ritmo cercano al taconeo con frenesí y furor que presagia un inminente final.

La última pieza de la noche es un arreglo del Fandango de Antonio Soler. En esta pieza Mahúgo consigue destacar de forma magistral el elemento el plano inferior de la pieza, de carácter rítmico, que soporta la construcción armónica en forma de acorde deconstruido de forma descendente desde su fundamental. Llama la atención como destaca los saltos de los intervalos de la izquierda para que podamos visualizar las funciones armónicas. La melodía que es de una intrincada complejidad, suena en sus manos con un carácter fiero, pero sabiendo cuando darnos toda esta emoción y cuando contenerla para aguantar la tensión hasta un exuberante punto culminante. Realiza un juego genial con las direcciones ascendentes y descendentes de los motivos  melódicos, de forma que sugiere así aún más planos y partes de las que la propia escritura tiene de por sí. Alterna pasajes de gran virtuosismo y fuerza con el sentimentalismo  y la delicadeza, creando a veces la falsa ilusión de un lamento adagio. Por su parte el acompañamiento de la mano izquierda crea un bucle sonoro mediante acordes distribuidos de forma descendente con la alternancia de Tónica (Rem) y Dominante (La mayor) una y otra vez, de forma que perdemos la noción del espacio y navegamos hacia nuestro propio interior, explorando nuestra psique hasta que una vez más pisamos territorio conocido cuando los acordes extraídos del Homónimo Mayor (ReM), nos rescatan de esta tormentosa procesión.

En conclusión, Yago Mahúgo es un músico que no necesita de presentaciones previas en su música, pues su propio discurso y honestidad musical dejan claras sus intenciones y consiguen mantener al público a su lado durante todo el concierto, entendiendo su intención en todo momento de forma clara y precisa.

Juan Jiménez

THE LONDON MUSIC N1GHTS (organizado por La Fonoteca y Gin London Nº1 en Café Comercial).
Yago Mahúgo, clave.
Les Barricades Mystériuses de Couperin. Adagio y Allegro de Fiocco. La du Breüil y Les Cacqueteuses de Armand-Louis Couperin. L´amabile y La Marche des Scythes de Royer. Fandango de Scarlatti. Fandango de Bocherini (arr). Fandango de Antonio Soler (arr). 08-10-18. 

Foto: Yago Mahúgo en el Café Comercial.

 

Alagna y Kurzak Graban ‘Puccini In Love’, nuevo disco en Sony

Alagna y Kurzak Graban ‘Puccini In Love’, nuevo disco en Sony

La pareja más reconocida del mundo de la ópera, el tenor Roberto Alagna y su esposa la soprano Aleksandra Kurzak, ha grabado su primer disco conjunto con dúos de óperas de Giacomo Puccini tan afamadas como La Bohème, Tosca, Madama Butterfly o Manon Lescaut, junto a piezas de obras más desconocidas como La Fanciulla del West, Il Tabarro y La Rondine.

Se trata de un álbum lleno de momentos de pasión que conquistará tanto a la audiencia operística como a los que se ven seducidos por los cruces musicales. Los diez temas que forman el disco culminan con los dos largos e inolvidables duetos “Mario, Mario”, de Tosca, y “Viene la sera”, de Madama Butterfly.

La figura de Roberto Alagna ya trasciende el mundo de la ópera y se ha convertido en una superestrella musical en amplio sentido. Su pasión obvia por la ópera, el canto y la voz en general se ha expresado en muchas grabaciones que encabezan las listas. El tenor cruza los límites musicales y muestra una habilidad innata para moverse con facilidad entre géneros. Está cómodo tanto en el estudio de televisión cuando presenta su propio espectáculo, como cuando crea discos conceptuales que incluyen un homenaje al tenor español Luis Mariano, o al buscar nuevos sonidos en la tradición musical de Sicilia, lugar de procedencia de su familia.

Nacido en 1963 en Francia,  Alagna fue en gran parte autodidacta ya que las películas de Mario Lanza le habían influido de joven. Pasó rápidamente del pop y la canción a la ópera. El momento crucial llegó cuando ganó el Concurso Internacional de Voz de Luciano Pavarotti en 1988. Poco después hizo su debut profesional (con Glyndebourne Touring Company) como Alfredo Germont en La Traviata. Le siguieron invitaciones para cantar en La Scala, Covent Garden y el Met.

Desde entonces ha aparecido en casi 40 papeles operísticos en escenarios internacionales, además de aparecer en innumerables conciertos y festivales en todo el mundo y en películas. Es conocido por su voluntad de expandir el repertorio de la ópera y por su valentía para abordar repertorios raros e inusuales.

Aleksandra Kurzak ha actuado en muchos de los mejores teatros de ópera del mundo, como la Ópera Real, la Ópera Metropolitana, La Scala y la Ópera Estatal de Viena. Los papeles han incluido Susanna (Le nozze di Figaro), Gilda (Rigoletto), Adina (L'elisir d'amore) y Lucia (Lucia di Lammermoor). Uno de los momentos culminantes de su carrera fue cuando asumió el papel tragicómico, increíblemente difícil, de Matilde en Matilde di Shabran, de Rossini, en Covent Garden.  

Además de sus triunfos en el repertorio lírico y de bel canto, Kurzak ha comenzado recientemente a agregar papeles vocalmente más pesados ​​a su carrera y ha recibido excelentes críticas por sus actuaciones como Rachel en La juive y Nedda en Pagliacci. Recientemente, cantó este último papel en el Metropolitan Opera frente a su marido, Roberto Alagna, y Operawire elogió el evento como “una noche triunfante para recordar con dos cantantes increíbles”.

Kurzak comenzó su educación musical a los 7 años, inicialmente estudiando violín y piano, pero pronto se animó a desarrollar su más que obvio talentos vocal. Su debut profesional llegó a la edad de 21 años, cuando apareció como Susanna en la Ópera Estatal de Wroclaw. Entre 2001 y 2007, Kurzak fue miembro de la Ópera Estatal de Hamburgo, donde se concentró principalmente en papeles de coloratura y bel canto, como la Reina de la Noche (Die Zauberflöte), Marie (La fille du régiment) y Adèle (Die Fledermaus). También debutó en la Royal Opera y el Metropolitan Opera en 2004, y desde entonces ha regresado regularmente a ambas casas.

1 CD Sony
Referencia: 19075859832
Código de barras: 190758598321 

Contenido

1. MANON LESCAUT - Vedete io son fedele - 5’30''

2. MANON LESCAUT - Tu tu amore - 8’

3. IL TABARRO - É bel altro il mio sogno - 4’

4. IL TABARRO - Dimmi perché gli hai chiesto 4’

5. LA BOHEME - O soave fanciulla - 4’15’'

6. LA FANCIULLA DEL WEST - Minnie che dolce nome 5’

7. LA RONDINE - Paulette - 2’20’'

8. LA RONDINE - Nella tua casa - 7’

9. TOSCA - Mario, Mario - 13’

10. MADAMA BUTTERFLY - Viene la sera - 14’30’’

PRÓXIMOS CONCIERTOS 

Diciembre de 2019: 5+9+13+18: Pagliacci/Cavalleria Rusticana, Gran Teatre del Liceu, 

ENLACES DE INTERÉS
Roberto Alagna:

Facebook oficial: Haz clic aquí.
Instagram oficial: Haz clic aquí.
Canal VEVO oficial: Haz clic aquí. 

Aleksandra Kurzak:
Facebook oficial: Haz clic aquí.
Instagram oficial: Haz clic aquí.
Página web oficial: Haz clic aquí. 

TV Alagna/Kurzak:
Haz clic aquí para ver el vídeo. 

Visítanos en: www.sonyclassical.es 

Las producciones audiovisuales del Teatro Real

Las producciones audiovisuales del Teatro Real

El Teatro Real amplia y diversifica la oferta nacional e internacional de sus producciones audiovisuales.

La espectacular producción del Teatro Real de Aida, de Giuseppe Verdi, llega a salas de cine de España, Europa y América. Le sucederán La Traviata, Madama Butterfly, Billy Budd, Street Scene y Faust.

En China las óperas La Traviata y Madama Butterfly se proyectan en 40 importantes salas de 10 ciudades tras el convenio del Teatro Real con el National Centre for the Performing Arts (NCPA) de Pekín, en cuyo auditorio se exhiben los mismos títulos.

En esta temporada se incrementa la distribución nacional e internacional de DVDs del Teatro Real: después de la excelente acogida del DVD y Blu-Ray de Billy Budd. Le seguirán, en los próximos meses, Muerte en Venecia y Gloriana, también de Benjamin Britten, y Rodelinda, de Händel.

ARTE Concert incluirá producciones del Teatro Real en su selecta oferta de ópera tras la firma de un reciente acuerdo de colaboración.

Radio Clásica, de RNE, mantiene su estrecha colaboración con el Teatro Real retransmitiendo en directo o en diferido óperas y conciertos líricos, incluyendo tres emisiones para la UER (Unión Europea de Radiotelevisión).

El sábado, 6 de octubre, a las 19.00 horas Radio Clásica retransmitirá la ópera Lucio Silla que inauguró la pasada temporada del Teatro Real en su programa El fantasma de la ópera. 

En el marco de su política de expansión internacional y de su decidida apuesta por llevar la ópera a todos los rincones de España, el Teatro Real incrementa notablemente su oferta audiovisual en los más distintos soportes: proyecciones en salas de cine comerciales, edición DVD y Blu-Ray, retransmisiones en cadenas de televisión y radio, plataformas online, pantallas al aire libre, auditorios, museos, polideportivos, centros escolares, etc. 

Después del éxito de la película documental El corazón del Teatro Real, estrenada el pasado 23 de septiembre en 95 salas, octubre arranca con la proyección de Aida en más de 50 salas de cine comerciales de España, Europa y Estados Unidos, gracias a un acuerdo con la distribuidora Rising alternative, que pondrá en su red nacional e internacional también otras dos aclamadas producciones del Teatro Real: Madama Butterfly, en marzo de 2019, y  La Traviata en mayo del mismo año. Estas óperas se podrán ver en Austria, Bélgica, Dinamarca, Francia, Eslovaquia, Estonia, Holanda, Italia, Republica Checa, Suiza y, en Norteamérica, Canadá y Estados Unidos. (ver lista adjunta).

La Traviata y Madama Butterfly llegarán también a China -40 importantes salas de cine de 10 grandes ciudades- en el marco del convenio del Teatro Real con la National Centre for the Performing Arts (NCPA) de Pekín, que también proyectará las producciones en sus auditorios.

A lo largo de la temporada están previstas también otras proyecciones en cines nacionales e internaciones de producciones que triunfaron en el Teatro Real, como Billy Budd, de Benjamin Britten Opera Award 2018, Street Scene, de Kurt Weill y Faust, de Charles Gounod, actualmente en escena.

Se incrementa la distribución nacional e internacional de DVDs del Teatro Real: en septiembre ha salido al mercado el DVD y Blu-Ray de Billy Budd, ganadora del Opera Award 2018. Le seguirán, en los próximos meses, Muerte en Venecia y Gloriana, también de Benjamin Britten, y Rodelinda, de Händel.

Asimismo, prosigue la retransmisión de las producciones del Teatro Real, en directo y en diferido, en cadenas de televisión y plataformas digitales de todo el mundo, gracias a los convenios firmados con importantes canales, como ARTE Concert,  Mezzo, Classica Stingray.

ARTE Concert incluirá producciones del Teatro Real en su selecta oferta de ópera y Mezzo sigue ofreciendo en directo y on demand producciones del Teatro Real.

En el ámbito de su colaboración con el Teatro Real Radio Clásica, de RNE, retransmitirá en directo Faust, de Charles Gounod, e Idomeneo, re di Creta, de Wolfgang Amadeus Mozart, y ofrecerá en diferido Only the sound remains, de Kajia Saariaho; Turandot, de Giacomo Puccini; Das Rheingold, de Richard Wagner; La Calisto, de Francesco Cavalli; Agrippina, de Georg Friedrich Händel; La peste, de Robert Gerhard, y Giovanna d’Arco, de Giuseppe Verdi.  Asimismo, Faust, Idomeneo y La Calisto se retransmitirán a los países miembros de la UER (Unión Europea de Radiodifusión). Los conciertos líricos serán emitidos en diferido.

Con esta activa y ambiciosa política de producción audiovisual se incrementa notablemente el catálogo de óperas disponibles en Palco Digital, la plataforma online del Teatro Real.

www.teatro-real.com 

Mario Prisuelos inaugura el ciclo Series 20/21 del CNDM

Mario Prisuelos inaugura el ciclo Series 20/21 del CNDM

Mario Prisuelos inaugura el 15 de octubre el ciclo Series 20/21 del Centro Nacional de Difusión Musical (CNDM) en el Auditorio 400 del MNCARS (Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofia), con un concierto en el que interpretará los 24 Preludios de Shostakovich, un conjunto de pequeñas piezas para piano solo, estrenadas por el propio pianista y compositor soviético en 1933. El programa incluye, además, los 24 Interludios para piano del compositor español Jesús Rueda, compositor en residencia del CNDM para la temporada 2018/2019.

Mario Prisuelos llega al auditorio madrileño tras el estreno de Oceánica (concierto escénico junto al bailarín Maximiliano Sandford, que aúna danza y música a través de algunas de las obras esenciales de los siglos XX y XXI) en el Festival de Música Contemporánea “Cristóbal Halffter”. En noviembre, el pianista madrileño iniciará una nueva gira por el continente americano, donde desde su debut en el Carnegie Hall de Nueva York ha realizado numerosos recitales, y es requerido con frecuencia para ofrecer masterclasses. Fiel a su compromiso con la difusión de la música española; en esta nueva gira por los Estados Unidos, Mario Prisuelos recorrerá el noreste del país desde Pennsylvania a la costa atlántica (New Jersey), y viajará hasta la ciudad de los Ángeles en el sur de California para interpretar a dos músicos catalanes universales (Albéniz y Granados). Además, como intérprete al que le gusta mostrar al público la música de nuestros compositores actuales, en su gira americana estrenará la obra “Dos preludios para piano” del compositor cántabro Israel López Estelche, y obras de Teresa Catalán y Joan Magrané.

 http://www.marioprisuelos.com/

Foto: Mario Prisuelos nueva (c) Michal Novak

Muerte en Venecia desde el Teatro Real en las novedades DVD-BR de noviembre

Muerte en Venecia desde el Teatro Real en las novedades DVD-BR de noviembre

Este lanzamiento ofrece grandes novedades para los amantes de la ópera, como es Muerte en Venecia, una de las operas más fascinantes de Britten, que pudo verse en el Teatro Real en la fantástica versión escénica de Willy Decker, que ahora se edita con la mejor calidad audiovisual posible. Además, títulos Agrippina de Haendel, con la versión teatral de Robert Carsen y un reparto de campanillas, Xerxes con Gaëlle Arquez, La Bohème con Antonio Pappano y Jones, una Giovanna d’Arco dirigida por el español Ramón Tebar, un Macbeth con Gabriele Ferro, Pirozzi y Frontali o un Orlando furioso con I Barocchisti y Diego Fasolis.

Además, el sensacional concierto inaugural de Andris Nelsons con la Gewandhausorchester Leipzig, las grabaciones parisinas de Leonard Bernstein o un documental sobre Yuja Wang, entre otros lanzamientos.

¿Quién da más? Pasen y vean…

Grandes Nombres que podrá encontrar en este lanzamiento:
Ballet Ópera de París, Leonard Bernstein, Gabriele Ferro, Andris Nelsons, Antonio Pappano, Ramón Tebar, The Royal Ballet, Yuja Wang,..

Acceso web de las novedades. Haga “clic” en: Novedades DVD Noviembre
Para más información sobre la tienda "Online" haga "Clic" en: Música Directa 

Información detallada de cada disco del  lanzamiento
Para ver el detalle de cada disco haga “clic” en (+ Info-Comprar) en cada uno

NOVEDADES DVD NOVIEMBRE 2018

BRITTEN: Muerte en Venecia. Daszak, Melrose, Borczyk. Teatro Real de Madrid / Alejo Pérez. Escena: Willy Decker.
16/9 - 152 min.
2.110577 (DVD)
Ean: 0747313557752
NAXOS - Precio: 29,20 Eur
(+ Info-Comprar)
Una de las operas más fascinantes de Britten pudo verse en el Teatro Real de Madrid en la fantástica versión escénica de Willy Decker, que ahora se edita con la mejor calidad audiovisual posible. 

HANDEL: Agrippina. Bardon, Arditti, De Niesse. Balthasar Neumann Ensemble / Thomas Hengelbrock. Escena: Robert Carsen.
16/9 - 179 min.
2.110579-80 (2 DVDs)
Ean: 0747313557950
NAXOS - Precio: 37,50 Eur
(+ Info-Comprar)
Robert Carsen dinamita Agrippina de Haendel, con una versión teatral de una dimensión enorme. La interpretación musical, acorde con la calidad escénica. Imprescindible. 

HANDEL: Xerxes. Arquez, Zazzo, Sutphen. Frankfurter Oper und Museumsorchester / Constantinos Carydis. Escena: Tilmann Köhler.
16/9 - 180 min.
747908 (2 DVDs)
Ean: 0814337014797
CMAJOR - Precio: 45,95 Eur
(+ Info-Comprar)
Grabada en vivo en la Opera de Frankfurt, este Xerxes presenta nuevas voces ya asentadas en las temporadas, como la de Gaëlle Arquez, una sensual protagonista de la bella ópera de Haendel. 

PUCCINI: La Bohème. Fabiano, Car, Kwiecien. Royal Opera House / Antonio Pappano. Escena: Richard Jones.
16/9 - 122 min.
OA1272D (DVD)
Ean: 0809478012726
OPUS ARTE - Precio: 37,50 Eur
(+ Info-Comprar)
Pappano y Jones se conocen esta ópera a la perfección, y así la hacen, respetando una partitura y elevando su música a lo más alto, con un joven elenco de grandes voces. 

VERDI: Juana de Arco. Yeo, Ganci, Vitelli. I Virtuosi Italiani / Ramón Tebar. Escena: P. Greenaway y S. Boddeke.
16/9 - 127 min.
745608 (DVD)
Ean: 0814337014568
CMAJOR - Precio: 37,50 Eur
(+ Info-Comprar)
El español Ramón Tebar dirige esta Giovanna d’Arco de Verdi en Parma, con la escena del director de cine controvertido Peter Greenaway. 

VERDI: Macbeth. Frontali, Mimica, Pirozzi. Teatro Massimo de Sicilia / Gabriele Ferro. Escena: Emma Dante.
16/9 - 155 min.
2.110578 (DVD)
Ean: 0747313557851
NAXOS - Precio: 29,20 Eur
(+ Info-Comprar)
Un nuevo Macbeth para la ópera de Verdi más presente en DVD. Esta vez, desde el Teatro Massimo de Palermo, con dirección de Gabriele Ferro y Pirozzi y Frontali como el matrimonio desesperado por el poder. 

VIVALDI: Orlando furioso. Prina, Antenucci, Cirillo. I Barocchisti / Diego Fasolis. Escena: Massimo Checchetto.
16/9 - 161 min.
37803 (2 DVDs)
Ean: 8007144378035
DYNAMIC - Precio: 37,50 Eur
(+ Info-Comprar)
Dynamic prosigue editando óperas barrocas y de Vivaldi, como es el caso de Orlando furioso, quizá la mejor de su autor. Grabación de muy alta calidad. 

TALBOT: Alicia en el país de las maravillas. The Royal Ballet. Orchestra of the Royal Opera House / Koen Kessels. Coreografía: Christopher Wheeldon.
16/9 - 138 min.
OA1269D (DVD)
Ean: 0809478012696
OPUS ARTE - Precio: 37,50 Eur
(+ Info-Comprar)
The Royal Ballet con coreografía de Christopher Wheeldon presentan esta Alicia, una maravilla visual que ha sido premiada mundialmente. 

KARLSSON: Play. Ballet de la Ópera Nacional de París. Coreografía: Alexander Ekman.
16/9 - 106 min.
BAC155 (DVD)
Ean: 3760115301559
BELAIR - Precio: 29,20 Eur
(+ Info-Comprar)
El prestigioso Ballet de la Ópera Nacional de París, con la coreografía de Alexander Ekman, ofrecen Play, de Mikael Karlsson, registrada en el Palais Garnier en 2017. 

Leonard BERNSTEIN: French Music. París 1976-1981. Orchestre National de France.
4/3 - 108 min.
746808 (DVD)
Ean: 0814337014681
CMAJOR - Precio: 29,20 Eur
(+ Info-Comprar)
Recopilación de interpretaciones de Bernstein al frente de la Orquesta Nacional de Francia, registradas entre 1976 y 1981. Es decir, “un americano en París”: imprescindible. 

Andris NELSONS. Berg: Concierto para violín. Mendelssohn: Sinfonía Escocesa. Baiba Skride, violín. Gewandhausorchester Leipzig.
16/9 - 92 min.
ACC20443 (DVD)
Ean: 4260234831672
ACCENTUS - Precio: 29,20 Eur
(+ Info-Comprar)
Para su concierto inaugural como nuevo director de la Gewandhausorchester Leipzig, Nelsons eligió este fantástico programa, aquí recogido con una calidad audiovisual sin precedentes. 

YUJA WANG. Documental sobre la famosa pianista. Intervienen: G. Dudamel, G. Capuçon, L. Kavakos.
16/9 - 89 min.
745408 (DVD)
Ean: 0814337014544
CMAJOR - Precio: 29,20 Eur
(+ Info-Comprar)
Documental sobre la pianista que la minifalda y tacones acompañan en el escenario, pero que su imagen no es solamente esta, ya que es un prodigio musical en toda regla. 

Novedades BluRay Noviembre 2018

Los doce títulos que se presentan en DVD se editan también en BluRay. Seguidamente encontrará el listado de todos ellos con sus descripciones, precios y enlaces de información y compra.
Disfrute de la enorme mejora en calidad adiovisual que este soporte le ofrece y que le permitirá aprovechar al máximo los equipos multimedia de su hogar

Acceso web de las novedades. Haga “clic” en: Novedades BluRay Noviembre
Para más información sobre la tienda "Online" haga "Clic" en: Música Directa 

Información detallada de cada disco del  lanzamiento
Para ver el detalle de cada disco haga “clic” en (+ Info-Comprar) en cada uno

BRITTEN: Muerte en Venecia. Daszak, Melrose, Borczyk. Teatro Real de Madrid / Alejo Pérez. Escena: Willy Decker.
16/9 - 152 min.
NBD0076V (BluRay)
Ean: 0730099007665
NAXOS - Precio: 29,20 Eur
(+ Info-Comprar)
Una de las operas más fascinantes de Britten pudo verse en el Teatro Real de Madrid en la fantástica versión escénica de Willy Decker, que ahora se edita con la mejor calidad audiovisual posible. 

HANDEL: Agrippina. Bardon, Arditti, De Niesse. Balthasar Neumann Ensemble / Thomas Hengelbrock. Escena: Robert Carsen.
16/9 - 179 min.
NBD0078B (BluRay)
Ean: 0730099007863
NAXOS - Precio: 37,50 Eur
(+ Info-Comprar)
Robert Carsen dinamita Agrippina de Haendel, con una versión teatral de una dimensión enorme. La interpretación musical, acorde con la calidad escénica. Imprescindible. 

HANDEL: Xerxes. Arquez, Zazzo, Sutphen. Frankfurter Oper und Museumsorchester / Constantinos Carydis. Escena: Tilmann Köhler.
16/9 - 180 min.
748004 (BluRay)
Ean: 0814337014803
CMAJOR - Precio: 45,95 Eur
(+ Info-Comprar)
Grabada en vivo en la Opera de Frankfurt, este Xerxes presenta nuevas voces ya asentadas en las temporadas, como la de Gaëlle Arquez, una sensual protagonista de la bella ópera de Haendel. 

PUCCINI: La Bohème. Fabiano, Car, Kwiecien. Royal Opera House / Antonio Pappano. Escena: Richard Jones.
16/9 - 122 min.
OABD7248D (BluRay)
Ean: 0809478072485
OPUS ARTE - Precio: 45,95 Eur
(+ Info-Comprar)
Pappano y Jones se conocen esta ópera a la perfección, y así la hacen, respetando una partitura y elevando su música a lo más alto, con un joven elenco de grandes voces. 

VERDI: Juana de Arco. Yeo, Ganci, Vitelli. I Virtuosi Italiani / Ramón Tebar. Escena: P. Greenaway y S. Boddeke.
16/9 - 127 min.
745704 (BluRay)
Ean: 0814337014575
CMAJOR - Precio: 45,95 Eur
(+ Info-Comprar)
El español Ramón Tebar dirige esta Giovanna d’Arco de Verdi en Parma, con la escena del director de cine controvertido Peter Greenaway. 

VERDI: Macbeth. Frontali, Mimica, Pirozzi. Teatro Massimo de Sicilia / Gabriele Ferro. Escena: Emma Dante.
16/9 - 155 min.
NBD0077V (BluRay)
Ean: 0730099007764
NAXOS - Precio: 29,20 Eur
(+ Info-Comprar)
Un nuevo Macbeth para la ópera de Verdi más presente en DVD. Esta vez, desde el Teatro Massimo de Palermo, con dirección de Gabriele Ferro y Pirozzi y Frontali como el matrimonio desesperado por el poder. 

VIVALDI: Orlando furioso. Prina, Antenucci, Cirillo. I Barocchisti / Diego Fasolis. Escena: Massimo Checchetto.
16/9 - 161 min.
57803 (BluRay)
Ean: 8007144578039
DYNAMIC - Precio: 37,50 Eur
(+ Info-Comprar)
Dynamic prosigue editando óperas barrocas y de Vivaldi, como es el caso de Orlando furioso, quizá la mejor de su autor. Grabación de muy alta calidad. 

TALBOT: Alicia en el país de las maravillas. The Royal Ballet. Orchestra of the Royal Opera House / Koen Kessels. Coreografía: Christopher Wheeldon.
16/9 - 138 min.
OABD7245D (BluRay)
Ean: 0809478072454
OPUS ARTE - Precio: 45,95 Eur
(+ Info-Comprar)
The Royal Ballet con coreografía de Christopher Wheeldon presentan esta Alicia, una maravilla visual que ha sido premiada mundialmente. 

KARLSSON: Play. Ballet de la Ópera Nacional de París. Coreografía: Alexander Ekman.
16/9 - 106 min.
BAC555 (BluRay)
Ean: 3760115305557
BELAIR - Precio: 37,50 Eur
(+ Info-Comprar)
El prestigioso Ballet de la Ópera Nacional de París, con la coreografía de Alexander Ekman, ofrecen Play, de Mikael Karlsson, registrada en el Palais Garnier en 2017. 

Leonard BERNSTEIN: French Music. París 1976-1981. Orchestre National de France.
4/3 - 108 min.
746904 (BluRay)
Ean: 0814337014698
CMAJOR - Precio: 45,95 Eur
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Recopilación de interpretaciones de Bernstein al frente de la Orquesta Nacional de Francia, registradas entre 1976 y 1981. Es decir, “un americano en París”: imprescindible. 

Andris NELSONS. Berg: Concierto para violín. Mendelssohn: Sinfonía Escocesa. Baiba Skride, violín. Gewandhausorchester Leipzig.
16/9 - 92 min.
ACC10443 (BluRay)
Ean: 4260234831665
ACCENTUS - Precio: 51,95 Eur
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Para su concierto inaugural como nuevo director de la Gewandhausorchester Leipzig, Nelsons eligió este fantástico programa, aquí recogido con una calidad audiovisual sin precedentes. 

YUJA WANG. Documental sobre la famosa pianista. Intervienen: G. Dudamel, G. Capuçon, L. Kavakos.
16/9 - 89 min.
745504 (BluRay)
Ean: 0814337014551
CMAJOR - Precio: 45,95 Eur
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Documental sobre la pianista que la minifalda y tacones acompañan en el escenario, pero que su imagen no es solamente esta, ya que es un prodigio musical en toda regla. 

Novedades CD NAXOS para noviembre

Novedades CD NAXOS para noviembre

Naxos nos presenta este mes mucha y buena música, siguiendo con la variedad y calidad de novedades mensuales. Recreada belleza la del portentoso laúd de Yasunori Imamura con la obra íntegra de Bach para el instrumento de dulce sonido. Con varias integrales en el mercado, esta se erige como una de las imprescindibles. Dos entregas que Naxos dedica este mes a Bernstein, ambas con su discípula Marin Alsop, que recrea sus obras con conocimiento y cariño. Imprescindibles para amantes de Lenny. 

Más música portuguesa al rescate en Naxos, en esta ocasión el 
Concierto para piano de Braga Santos, junto a diversas obras orquestales, en interpretaciones difícilmente superables. Tras las últimas y premiadas entregas de la obra para piano de Clementi, esta nueva edición presenta más Sonatas, repletas de excelente música que sorprenderá a todos. 

Con un aire de un clasicismo llamando a las puertas de un nuevo estilo más rompedor, el Romanticismo, los Tríos con piano de Clementi son obras muy valiosas que merecen este rescate. La prodigiosa música de
Dutilleux, una de las más grandes del siglo XX, se “hace carne” en estas grandes interpretaciones deCasadesus. Bienvenida esta grabación. Con una visión muy orquestal, este Mesías las grandes interpretaciones corales de los directores de antes, aunque los nuevos modos tampoco le son ajenos aEdward Polochick. Precioso disco por uno de los pianistas míticos de Naxos, que vuelve a Haydn, con obras poco conocidas e interpretadas pero no por eso menores. 

Y acabamos esta descripción de novedades con lo que Arnoldo Liberman ha escrito de las Obras para piano y Obras para piano y cello de 
Graciela Jiménez (en el segundo disco de la colección "Classics from Spain"): “Graciela señala que su inspiración le vino, en este disco, de las fotografías de Antonio Arabesco tituladas Mediterráneo. Los pentagramas de Graciela son un ritual de paso y de amor a Lorca, a Ajmátova, a Pizarnik, el surgimiento de un humanismo real para dar con las palabras de los poetas y desentrañarlas en el espacio del pentagrama”

Muchas más novedades en el listado contiguo de Naxos, que con precios razonables, aires frescos en los repertorios, grandes interpretaciones y muy buen sonido, son algunas de las razones de su éxito en todo el mundo.

Acceso web de las novedades. Haga “clic” en: Novedades CDNaxos Noviembre
Para más información sobre la tienda "Online" haga "Clic" en: Música Directa
 

Información detallada de cada disco del  lanzamiento
Para ver el detalle de cada disco haga “clic” en (+ Info-Comprar) en cada uno

ABDI: Rumi (2009). Ópera en dos actos. Shajarian, Motamedi, Sadegui. National Symphony Orchestra of Ukraine / Vladimir Sirenko.
8.660424-25 (2 CDs)
Ean: 0730099042475
NAXOS - Precio: 23,30 Eur
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Ópera en 2 actos basada en los modos tradicionales iranís, compuesta por Behzad Abdi en 2009, sobre un libreto que narra la vida del poeta persa del siglo XIII Rumi. 

BACH: Obra completa para laúd. Yasunori Imamura, laúd barroco.
8.573936-37 (2 CDs)
Ean. 0747313393671
NAXOS - Precio: 23,30 Eur
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Recreada belleza la del portentoso laúd de Yasunori Imamura con la obra íntegra de Bach para el instrumento de dulce sonido. Con varias integrales en el mercado, esta se erige como una de las imprescindibles. 

BERNSTEIN: A Bernstein Birthday (diversas obras orquestales). Sao Paulo Symphony Orchestra / Marin Alsop.
8.559813 (CD)
Ean: 0636943981320
NAXOS - Precio: 11,65 Eur
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Primera de las dos entregas que Naxos dedica este mes a Bernstein, ambas con su discípula Marin Alsop, que recrea sus obras con conocimiento y cariño. Imprescindibles para amantes de Lenny. 

BERNSTEIN: Anniversaries for Orchestra, Fancy Free, Overture to Candine... Sao Paulo Symphony Orchestra / Marin Alsop.
8.559814 (CD)
Ean: 0636943981429
NAXOS - Precio: 11,65 Eur
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Lo dicho en el anterior disco vale para este, con músicas como Fancy Free o los Aniversarios, en arreglo para orquesta. Una gozada maravillosamente interpretada. 

BRAGA SANTOS: Concierto para piano. Oberturas sinfónicas ns. 1 -2. Goran Filipec, piano. Royal Liverpool Philharmonic Orchestra / Álvaro Cassuto.
8.573903 (CD)
Ean: 0747313390373
NAXOS - Precio: 11,65 Eur
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Más música portuguesa al rescate en Naxos, en esta ocasión el Concierto para piano de Braga Santos, junto a diversas obras orquestales, en interpretaciones difícilmente superables. 

CLEMENTI: Sonatas para teclado. Stefan Chaplikov, piano.
8.573712 (CD)
Ean: 0747313371273
NAXOS - Precio: 8,95 Eur
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Tras las últimas y premiadas entregas de la obra para piano de Clementi, esta nueva edición presenta más Sonatas, repletas de excelente música que sorprenderá a todos. 

CZERNY: Piano Trios. Sun-Young Shin, violín. Benjamin Hayek, violonchelo. Samuel Gingher, piano.
8.573848 (CD)
Ean: 0747313384877
NAXOS - Precio: 11,65 Eur
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Con un aire de un clasicismo llamando a las puertas de un nuevo estilo más rompedor, el Romanticismo, los Tríos con piano de Clementi son obras muy valiosas que merecen este rescate. 

DODGSON: Música de cámara con arpa y guitarra. Karolos.
8.573857 (CD)
Ean: 0747313385775
NAXOS - Precio: 11,65 Eur
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El conjunto Karolos prosigue con la música de Stephen Dodgson, esta vez con su producción de cámara con arpa y guitarra. Nueva música interpretada con brillantez que renueva el repertorio. 

DUTILLEUX: Sinfonía n. 1, Métaboles, etc. Orchestre National de Lille / Jean-Claude Casadesus.
8.573746 (CD)
Ean: 0747313374670
NAXOS - Precio: 11,65 Eur
(+ Info-Comprar)
La prodigiosa música de Dutilleux, una de las más grandes del siglo XX, se “hace carne” en estas grandes interpretaciones de Casadesus. Bienvenida esta grabación. 

GROSLOT: Concierto para violín. Concierto para orquesta. Joanna Kurkowicz, violín. Brussels Philharmonic / Robert Groslot.
8.573808 (CD)
Ean: 0747313380879
NAXOS - Precio: 11,65 Eur
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Con la dirección del propio compositor, la música de Robert Groslot (1951) se presenta con sus innumerables combinaciones tímbricas y colores orquestales. 

HAENDEL: El Mesías. O'Loughlin, Moore, Phan. Concert Artist of Baltimore Symphonic Chorale. Baltimore Symphony Orchestra / Edward Polochick.
8.573798-99 (2 CDs)
Ean: 0747313379873
NAXOS - Precio: 23,30 Eur
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Con una visión muy orquestal, este Mesías las grandes interpretaciones corales de los directores de antes, aunque los nuevos modos tampoco le son ajenos a Edward Polochick 

HAYDN: 10 Kleine Klavierstücke. Menuetti. Jenó Jandó, piano.
8.573933 (CD)
Ean: 0747313393374
NAXOS - Precio: 8,95 Eur
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Precioso disco por uno de los pianistas míticos de Naxos, que vuelve a Haydn, con obras poco conocidas e interpretadas pero no por eso menores. 

JIMÉNEZ: Obras para piano. Obras para piano y cello. Matías Villafañe, violonchelo. Dora De Marinis, piano.
8.579040 (CD)
Ean: 0747313904075
NAXOS - Precio: 11,65 Eur
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Graciela señala que su inspiración le vino, en este disco, de las fotografías de Antonio Arabesco tituladasMediterráneo. Los pentagramas de Graciela son un ritual de paso y de amor a Lorca, a Ajmátova, a Pizarnik, el surgimiento de un humanismo real para dar con las palabras de los poetas y desentrañarlas en el espacio del pentagrama. (Arnoldo Liberman). 

KASTALSKY: Memory Eternal to the Fallen Heroes. The Clarion Choir / Steven Fox.
8.573889 (CD)
Ean: 0747313388974
NAXOS - Precio: 11,65 Eur
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Steven Fox y The Clarion Choir vuelven a demostrar su altísima calidad en Memoria Eterna de Alexander Kastalsky, ambiciosa obra coral en cuatro partes, compuesta entre 1897 y 1917. 

LIPINSKI: Tríos para cuerda Op. 8 y Op. 12. Voytek Proniewicz, violín. Adam Roszkowski, violín. Jan Roszkowski, violonchelo.
8.573776 (CD)
Ean: 0747313377671
NAXOS - Precio: 11,65 Eur
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El primer Romanticismo se encuentra felizmente representado en los Tríos para cuerda de Lipinski, que abrazó las innovaciones para los instrumentos de cuerda impuestas por Paganini. 

LISZT: Obra completa para piano (Vol. 51). Goran Filipec, piano.
8.573794 (CD)
Ean: 0747313379477
NAXOS - Precio: 11,65 Eur
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Avanzando lentamente pero con una solidez absoluta, la obra para piano completa de Liszt abarca en esta 51 entrega la primera versión de las Consolaciones y primeras versiones de obras luego asentadas. Interpretación formidable de Filipec. 

MOYZES: Sinfonías ns. 3 y 4. Slovak Radio Symphony Orchestra / Ladislav Slovák.
8.573651 (CD)
Ean: 0747313365173
NAXOS - Precio: 11,65 Eur
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Con una combinación estilística entre Mahler y Sibelius, las Sinfonías de Moyzes (1906-1984) pertenecen a la mejor música eslovaca del siglo XX. 

MOZART: Conciertos para piano ns. 23 y 24 (arr. Lachner). Alan Goldstein, piano. Fine Arts Quartet.
8.573736 (CD)
Ean: 0747313373673
NAXOS - Precio: 11,65 Eur
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Con una interpretación inmejorable de Alan Goldstein con el Fine Arts Quartet, de nuevo Naxos edita los Conciertos para piano de Mozart en arreglo de Lachner.

ROSSINI: Pecados de vejez 10. Música de cámara y Rarities 3. G. Bridelli, mezzosoprano. Alessandro Marangoni, piano.
8.573865 (CD)
Ean: 0747313386574
NAXOS - Precio: 11,65 Eur
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El décimo volumen de los picantes Pecados de Vejez rossinianos cuenta con el alma mater de la colección, el pianista italiano Alessandro Marangoni. Y de nuevo, una delicia de disco. 

SCHUMANN: Fantasías y cuentos de hadas. Obras de cámara. Heiskanen, clarinete. Szilvay, violín. Sinkovsky, viola. Rudin, violonchelo, Häkkinen, piano.
8.573589 (CD)
Ean: 0747313358977
NAXOS - Precio: 11,65 Eur
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Algunos de los Opus más interpretados de Schumann se reúnen en este disco camerístico que es una gozada de principio a fin. La mejor música de cámara del Romanticismo en interpretaciones sobresalientes. 

TULEV: Magnificat. Latvian Radio Choir. Tallinn Chamber Orchestra / Kaspars Putnins.
8.573735 (CD)
Ean: 0747313373574
NAXOS - Precio: 11,65 Eur
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El compositor estonio Toivo Tulev se ha forjado un único mundo sonoro. Igual que la de Pärt, está repleta de un magnético misticismo religioso. 

The Lully Effect. Obras de Lully, Telemann y Rameau. Indianapolis Baroque Orchestra / Barthold Kuijken.
8.573867 (CD)
Ean: 0747313386772
NAXOS - Precio: 11,65 Eur
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La Indianapolis Baroque Orchestra rescata a un músico muy activo en los ochenta: Barthold Kuijken, que dirige a los americanos en conocidas obras de Lully, Telemann y Rameau. 

Marko Topchii. Ganador 2017 del concurso de guitarra Michele Pittaluga. Obras de A. José, Castelnuovo-Tedesco, Martin...
8.573963 (CD)
Ean: 0747313396375
NAXOS - Precio: 11,65 Eur
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Con la Sonata de Antonio José como muestra que abre el disco, el arte interpretativo de Marko Topchii también ofrece las Piezas Breves de Frank Martin, donde demuestra su merecido premio en el Concurso Michele Pittaluga 2017. 


CRÍTICA - Nuestro Boccherini, nuestro CNDM

CRÍTICA - Nuestro Boccherini, nuestro CNDM

Un año más comienza el Ciclo Universo barroco en la Sala de Cámara del Auditorio Nacional con el letrero de ‘Localidades agotadas’, no solamente para este concierto, sino para el ciclo completo de la Sala de Cámara. Este sorprendente resultado mercantil responde a la extraordinaria labor realizada por al Centro Nacional de Difusión Musical a lo largo de estos nueve años de andadura, que ha acercado enormemente la música antigua con criterios historicistas al gran público. Nos preguntamos si no será necesario programar una segunda fecha en las próximas ediciones del ciclo. Sea como fuere, comenzaba esta nueva temporada en una abarrotada Sala de Cámara impaciente del comienzo del concierto.

Las notas del programa de mano se titulan ‘Un italiano en Madrid’. Debemos cambiar radicalmente este concepto. Boccherini nació efectivamente en Italia, en donde comenzó sus estudios musicales, pero rápidamente, con 14 años, emprende una serie de viajes por Europa, primero por Viena y después por Francia, que culminarán en su destino vital definitivo: España, estableciéndose en varios lugares hasta definir su residencia definitiva en Madrid hasta su fallecimiento en 1805. Es, pues, un claro ejemplo de músico europeo, al modo de Haendel, pero que termina por desarrollar una vida y obra en España. Tal riqueza vital se plasma de forma inequívoca en su obra, que incorpora claramente elementos propios de la música española a su obra, como ocurre en las extraordinarias obras que hemos podido disfrutar esta noche, de la mano de La Ritirata y de Nuria Rial, espléndidos ejemplos de la actual generación de músicos historicistas tan en boga en nuestro país.

Comenzaba el concierto con el Quinteto en si bemol mayor, op. 39 nº 1 G 337, magnífica obra compuesta en Madrid. Boccherini 125 quintetos de cuerda, de los que tan solo 3 son para cuarteto de cuerda y contrabajo. El resto son para una formación del clásico cuarteto de cuerda al que se añade un segundo violonchelo. En esta velada pudimos disfrutar de la riqueza que el contrabajo aporta a la textura del quinteto. En su inicio pudimos evidenciar ciertas diferencias con respecto al tempo, en donde las cuerdas agudas parecían sentir el pulso más rápido que sus compañeros, lo que provocó ciertos desajustes rítmicos que se solucionaron en el segundo movimiento, especialmente en el Grave, en donde Josetxu Obregón mostró un bellísimo sonido y un fraseo modélico en su solo, que apaciguó las ansias de diversos tempi.

A partir de entonces, en el tercer movimiento, el grupo instrumental demostró una cohesión ejemplar, como en los peculiares dúos entre violín I y violoncello del Rondeau, en donde la tesitura del violoncello es sorprendentemente más aguda que la del violín. Los demás miembros de La Ritirata demostraron ser unos formidables cómplices: Hiro Kurosaki con su larga y exitosa carrera internacional demostró una vitalidad y liderazgo sin fisuras, Pablo Prieto fue un segundo violín de lujo, siempre atento a la articulación, dinámica y expresión de Kurosaki, Daniel Lorenzo, viola, mostró un carnoso e integrador sonido  e Ismael Campanero al contrabajo exhibió las cualidades que le han hecho ya indispensable en el panorama español de la música antigua: seguridad, afinación, musicalidad y ligereza, más propia esta última de un violonchelo.

Tras el breve discurso de agradecimiento de Josetxu Obregón por abrir el flamante Ciclo Universo Barroco, dio comienzo la obra central del programa: el espléndido Stabat Mater op. 61, G 532 en su primera versión, de 1781, para soprano y quinteto de cuerda (con contrabajo), compuesta en Arenas de San Pedro (Ávila). La soprano que la estrenó fue su propia esposa, Clementina Pelicho, y el propio Boccherini tocó la parte de violonchelo. Al autor le debió gustar tanto esta composición que en 1801 escribió una segunda versión, para dos sopranos y tenor, a los que añade una formación más amplia de cuerda.

La soprano Nuria Rial fue la encargada de dar vida a esta magnífica composición. Rial deslumbró a la audiencia madrileña con su bellísimo timbre, su expresividad, su fiato y sus agudos facilísimos. Tras una profunda y precisa entrada de Ismael Campanero, comenzó el primero, de una factura espléndida, aunque breve, de los ritornelli previos a los distintos movimientos. Aunque en los dos primeros movimientos pareció que la expresión estaba lejos de un texto tan trágico como el del Stabat Mater, al ser una música un tanto ‘danzable’ ayudada por los movimientos de la solista, que ayudaron a establecer un tempo estable, lo que cambió a partir de Quae moerebat et dolebat, en donde el dramático texto se transmitió realmente, y en donde Nuria Rial exhibió un fantástico fiato. La influencia de la música española se hizo patente al comenzar el Eja Mater, fon amoris, cuyo ritornello introductorio nos recuerda a una danza cortesana de la España dieciochesca con un espléndido diálogo entre Kurosaki y Obregón que dio paso a la sólida técnica de la soprano que se paseó por las agilidades.

Quizá el momento más bello de la jornada fue Virgo virginum praeclara, en donde después de un inspirado comienzo instrumental con el violonchelo en pizzicato, Nuria Rial nos enamoró con su dulcísimo timbre,legato, y con una breve cadenza muy aguda en pianissimo de una facilidad superlativa, algo similar a lo que aconteció en Fac ut portem, con una entrada instrumental con un brillante solo de violonchelo y con unas preciosas vocalizaciones sobre la vocal ‘a’ de la soprano que terminó en otra cadencia hermosísima. El movimiento final, Quando corpus morietur, fue introducido con un carácter de desolación por parte de los instrumentos, que desembocó en la línea de la soprano, otra vez cargada de expresión, fiato y facilidad en los agudos.

Soberbio comienzo de esta nueva temporada del ciclo Universo Barroco del CNDM con espléndidos músicos españoles interpretando música española de altísima calidad. Este camino nos gusta.

Simón Andueza

Stabat Mater op. 61 (primera versión 1781), Quinteto en si bemol mayor, op. 39 nº 1 G 337.
Nuria Rial, soprano. La Ritirata, Hiro Kurosaki, violín, Pablo Prieto, violín, Daniel Lorenzo, viola, Ismael Campanero, violone, Josetxu Obregón, violonchelo y dirección.
Ciclo Universo Barroco del CNDM. Sala de Cámara del Auditorio Nacional de Música, Madrid, 10 de octubre de 2018, 19:30 h.
 

Foto: Nurial Rial (foto de Merce Rial)

 


CRÍTICA - Una apertura desigual (Madrid)

CRÍTICA - Una apertura desigual (Madrid)

El CNDM presenta una nueva edición del ciclo Universo Barroco- el último de los diseñados por Antonio Moral- con la ya clásica conjunción Europa Galante, Biondi y Vivaldi.

El programa elegido esta vez por Biondi ya anticipaba el desequilibrio que sería la nota dominante de la noche: una primera parte con una cantata casi desconocida, Gloria e Imeneo y una segunda parte con una de las obras más interpretadas del catálogo del veneciano, la serie de conciertos Las cuatro  estaciones. Formato además que la formación italiana ha paseado, con ligeras variaciones, por varios auditorios españoles y que no constituye por tanto novedad alguna.

Gloria e Imeneo (RV 687) es una de las ocho serenatas que compuso Vivaldi entre 1708 y 1727, de las cuales sólo se conservan tres. Las serenatas eran obras a medio camino entre la cantata y la ópera, compuestas para circunstancias especiales y en escenarios efímeros e improvisados. Esta misma, fue encargada por el embajador de Francia en Venecia el conde Gergy, con motivo de la boda entre Luis XV y la princesa polaca  Maria Leszczyńska. La obertura se perdió y el resto es una sucesión de recitativos y arias de escritura virtuosística, donde la personificación de la Gloria y del Matrimonio (Imeneo), la llevaron  a cabo las  voces de las mezzosopranos Sonia Prina y Vivica Genaux respectivamente.

Quizá podía ser la obra con mayor interés del programa, pero resultó un Vivaldi no muy inspirado, plagado de préstamos y lugares comunes al que precisamente no lograron remontar las dos cantantes. Sonia Prina, con una importante trayectoria hendeliana, suplió con desenvoltura escénica – que en algunos momentos giraba hacia la excesiva gestualización- carencias técnicas como la falta de homogeneidad de su tesitura (graves abiertos, medios inexistentes y agudos brillantes)  y la poca precisión en las coloraturas que en algunos momentos le ocasionaron descuadres con los instrumentos. Vivica Genaux sin embargo, no defraudó. Con la destreza y agilidad vocal que la  caracteriza, abordó los pasajes más difíciles de las arias con un timbre bello , un registro sin fisuras y una elegante expresividad que fue reforzada por un imaginativo continuo en el que destacaron el tiorbista Giangiacomo Pinardi y la clavecinista Paola Poncet.

Basadas en varios sonetos anónimos, Las cuatro estaciones (op. VIII) es uno de los primero ejemplos de música programática. Provenientes de  la colección Il cimento dell’armonia e dell invenzione, son cuatro conciertos para violín solista, cuarteto de cuerda y bajo continuo divididos cada uno en tres movimientos contrastantes, rápido-lento-rápido. El contraste entre movimientos y a su vez la alternancia entre un solista y el tutti es la característica de este tipo de estructuras,  factor que aprovechó Vivaldi para describir de forma genial escenas que van desde una apacible siesta hasta el fragor de una cacería. Ha sido, desde la mítica grabación de 1991 una de las piezas estrella de Europa Galante, muchas veces laureada e interpretada –incluso reinventada-.  

Y fue justamente aquí, donde menos sorpresas se esperaban, cuando sobresalió la formación italiana, ofreciendo una versión algo distinta de lo habitual en ellos, más sosegada en la articulación melódica, menos brusca y con un fraseo más legato. Con un sonido compacto, absolutamente afinado y sabiendo dosificar las tensiones dinámicas hasta resolverlas en los momentos álgidos de forma luminosa, consiguieron hechizar al público. Lástima que Fabio Biondi realizara su parte con un trazo de brocha gorda: obligado por los tempi de vértigo que él mismo impuso, se precipitó por  los pasajes a solo con bastantes desajustes de afinación e incluso notas falsas, desluciendo el magistral trabajo del resto del conjunto.

Fue un recital barroco en el sentido literal de la palabra: desigual, lleno de imperfecciones, pero a las que supieron sobreponerse los extraordinarios componente de Europa Galante consiguiendo finalmente apasionar, conmover y poner en pie al público, que es en definitiva lo que programadores y promotores buscan.

Mercedes García Molina

Vivica Genaux, Sonia Prina. Europa Galante/Fabio Biondi. Obras de Vivaldi.
Ciclo CNDM, Universo Barroco. Auditorio Nacional de Música, Madrid. 

Foto: Europa Galante y Fabio Biondi.
Foto de E.G Gennaio (2012). 

CRÍTICA - Lo mejor de la escuela inglesa (Madrid)

CRÍTICA - Lo mejor de la escuela inglesa (Madrid)

Benjamin Grosvenor

Una de las experiencias más estimulantes del ciclo de pianistas Grandes Intérpretes surge con la presentación “en sociedad” de jóvenes valores. Así pasó en la vuelta al colegio del ciclo, tras el verano, gracias al concierto protagonizado por el joven inglés Benjamin Grosvenor (n. 1992). Es cierto que los músicos británicos cuentan con un especial apoyo mediático, frente a otras nacionalidades, pero no por ello podemos negar el talento indudable de nuestro pianista. Quiso hacer su presentación demostrando su flexibilidad y adaptación a gran variedad de repertorios y, a fe, que lo consiguió. Algo igualmente típico de las orquestas británicas, y que no deja de ser uno de los factores más envidiables del mundo musical de las Islas.

Primera parte centrada en Bach (Suite Francesa num. 5) y Mozart (Sonata num. 13). Ambas interpretaciones resultaron trasparentes, totalmente objetivas y técnicamente perfectas en su ejecución. Si nos pidieran poner alguna pega, quizás llamó la atención la relativa frialdad en Mozart. Y digo que llama la atención, porque no deja de ser los cimientos sobre los que cualquier pianista empieza a construir su repertorio hoy en día. La segunda parte nos dejó lo mejor, de esta demostración multiestilística.

Un Chopin pasional y poético (Barcarola Op. 60), casi como calentamiento de deportista de élite, que vino seguido de una sorprendente recreación de dos piezas de las Goyescas de Granados (Los requiebros y La maja y el ruiseñor). Como queriendo demostrar (y no le sobra razón) que no es necesario ser ibérico para entender e interpretar el maravilloso repertorio para teclado de Granados. Una amiga me comentaba, a la salida del concierto, con fino criterio, lo maravillosamente que hizo suyo este repertorio, pese a su juventud y a la distancia cultural.

La guinda (aunque para muchos lo mejor quedó en Granados) la puso con un Gaspard de la Nuit irreprochable. Cerrando esta pequeña demostración de sus habilidades con un equilibrio técnico entremezclado de fantasía poética, que nos dejan con las ganas de seguir escuchando a Grosvenor en Ravel y probablemente también en Debussy. Así que no le queda más remedio que repetir. Para empezar le recibiremos nuevamente en 2019, en el ciclo de la Orquesta Nacional. Pero ojalá no terminen aquí sus visitas.

Juan Berberana

Benjamin Grosvenor, piano. Obras de Bach, Mozart, Granados y Debussy
Ciclo Grandes Intérpretes. Auditorio Nacional, Madrid. 

(Foto de Patrick Allen / Opera Omnia) 

CRÍTICA - Poderosa Semenchuk (Ciclo de Lied)

CRÍTICA - Poderosa Semenchuk (Ciclo de Lied)

Afirmaba la gran Giulietta Simionato que una mezzosoprano no era una “media soprano” sino una cantante con voz más poderosa en los graves que las sopranos, pero capaz de resolver los agudos con la misma precisión que una soprano dramática o spinto.

En la actualidad, con el cuento de las mezzo líricas nos encontramos con cantantes que sí, son apreciables, pero para mí no pasan de sopranos cortas o mezzo desarboladas. Así que encontrarse con alguien a la que se puede calificar de mezzo sin paliativos es algo que me produce una enorme satisfacción. Y esto me ha ocurrido con Ekaterina Semenchuk en el recital que comento.

La cantante Bielorrusa se aleja de los estereotipos actuales de cantantes modelos de Vanity Fair, su presencia es rotunda y peculiar, pero su voz es sensacional, ancha en la zona media, profunda en los graves, limpia en los agudos, una mezzo “a la eslava” de las que a mí me gustan. Además, posee unas dotes histriónicas notables y supo matizar cada una de sus interpretaciones con una variedad de matices propia de las grandes intérpretes.

La cantante tuvo el acierto de hacer su presentación en este ciclo con un programa que se ajustaba como anillo al dedo a sus cualidades canoras, y que estaba integrado por obras de Rimski-Kórsakov, César Cui, Balákirev, Borodin y Mussorgski en la primera parte, para dedicar en su integridad la segunda a Tchaikovski. Algunas de ellas con textos, nada más y nada menos de Puschkin, Nekrásov, Lérmontov y Alekséi Tolstói.

En la primera parte la cantante comenzó calentando la voz con De los que sueño de Rimski- Kosakov, con la segunda, del mismo compositor, Las nubes despejan, se produjo la explosión, no puedo denominarla de otra manera, y recibimos los primeros atisbos del torrente que se desencadenaría después, en el que hubo de todo, lirismo encendido, pasión arrebatada, patetismo desgarrador con Oir los horrores de la guerra, de César Cui, el descaro de una mesonera con el Hopak de Musorgski, resuelto con un desenfado insultante.

En la segunda parte supo extraer de cada una de las maravillosas creaciones de Tchaikovski, su melancolía, su angustia, su ensoñación; esa maravillosa “Sólo quien conoce el anhelo”, interpretada con una efusividad y lirismo de primera, sin caer jamás en lo lacrimógeno o sensiblero. Para concluir con esa explosión de amor que es Reine un día, en el que arrebató al público y con razón.

Generosa sin límites, nos ofreció una serie de propinas, en esta ocasión no siempre resueltas con igual fortuna, su tonadilla de Granados fue emocionante pero su dicción española inexistente. Muy bien la bellísima Canciones que me enseñó mi madre del ciclo de Canciones gitanas de Dvorak. Después vino una, un tanto desmesurada, interpretación, de “Je suis grise” de La Périchole de Offenbach, por otra parte, francamente divertida. No podía faltar la inevitable “Habanera” de Carmen, cantada muy a la eslava, desgarrada y seductora. Finalizó con una canción rusa, con la que volvió a demostrar su domino absoluto de este repertorio.

Al piano, Semjon Skigin, fue el perfecto acompañante de la mezzo,

El público deliró por aquella voz carnosa, rica, profunda, dejándose arrastrar por aquel manantial de música y entrega.

Francisco Villalba

Ekaterina Semenchuk, mezzosoprano. Semjon Skigin, Piano.
CNDM. XXV Ciclo de Lied.
Teatro de la Zarzuela, Madrid. 

(Foto de Irina Tuminene)

 

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