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El CNDM presenta la integral de cuartetos de Beethoven con el Cuarteto Casals

El CNDM presenta la integral de cuartetos de Beethoven con el Cuarteto Casals

Vuelve el ciclo Contrapunto de Verano al Auditorio Nacional de Música de Madrid para cerrar la temporada del CNDM. En esta ocasión, la serie se extenderá del 24 de mayo al 21 de junio con seis conciertos en la Sala de Cámara. Bajo la denominación Beethoven Modern, en la presente edición el CNDM ha invitado en su vigésimo aniversario al excepcional Cuarteto Casals, Cuarteto Residente del centro durante la temporada 17/18, para interpretar la integral de cuartetos de cuerda de Ludwig van Beethoven. A ello se añadirán seis estrenos absolutos de los encargos hechos, en colaboración con el String Quartet Biennial Amsterdam (SQBA), L’Auditori de Barcelona, el Wigmore Hall de Londres, la Unione Musicale Torino y la Wiener Konzerthausgesellschaft, a otros tantos compositores actuales: Benet Casablancas, Lucio Franco Amanti, Giovanni Sollima, Aureliano Cattaneo, Matan Porat y Mauricio Sotelo.

Tras ganar los primeros premios en los Concursos Internacionales de Londres y de Hamburgo (concurso Brahms), el Cuarteto Casals ha llegado a ser considerado como uno de los cuartetos de cuerda más importantes de su generación. Es regularmente invitado a los festivales y ciclos de conciertos más prestigiosos del mundo. Actúa de forma asidua en las salas Wigmore Hall, Carnegie Hall, Musikverein de Viena, Kölner Philarmonie, Cité de la Musique de París, Schubertiade de Schwarzenberg, Concertgebouw de Ámsterdam y Philarmonie de Berlín, entre muchas otras de Europa, Norteamérica y Asia. Asimismo, el Cuarteto ha realizado una importante producción discográfica con Harmonia Mundi, hasta ahora 11 Cds, grabando música de compositores desde el periodo clásico hasta música del siglo XX. Más recientemente, ha grabado su primer CD de Cuartetos de Beethoven (lanzado en el verano del 2017), y Neu Records ha lanzado el primero de los cinco DVD’s del aclamado ciclo de Schubert que el Cuarteto Casals interpretó en L’Auditori de Barcelona.

Críticas internacionales destacan, entre muchas otras cualidades, el gran registro de sonoridades del grupo. Tras ganar el prestigioso premio de la fundación “Borletti-Buitoni” de Londres, el Cuarteto empezó a utilizar arcos del periodo barroco-clásico para los compositores desde Purcell hasta Schubert, práctica que ha reportado al grupo una nueva dimensión acústica que favorece aún más sus exposiciones de los diferentes lenguajes estilísticos. El Cuarteto ha recibido una profunda influencia de compositores vivos de nuestra época como György Kurtág y ha realizado estrenos mundiales de notables compositores españoles de la actualidad. Con la intención de ampliar el repertorio de cuarteto de cuerda, el Cuarteto Casals estrenó un nuevo Concierto para cuarteto de cuerda y orquesta de Francisco Coll con la Orquesta Nacional de España. En reconocimiento a su posición de primer cuarteto español con una importante carrera internacional, el grupo ha recibido los galardones como el Premio Nacional de Música, el Premi Nacional de Cultura en Cataluña y el Premio Ciutat de Barcelona. Anualmente el Cuarteto es invitado a tocar con los Stradivarius de la colección palatina en el Palacio Real de Madrid, donde serán cuarteto residente a partir de 2018 en su temporada de conciertos. Las ejecuciones del Cuarteto Casals han sido frecuentemente retransmitidas por televisión y radio, tanto en Europa como en los Estados Unidos. Ha sido cuarteto en Residencia en la Musikhochschule de Colonia e imparte clases en la Escola Superior de Música de Catalunya, en Barcelona, ciudad donde los cuatro miembros del Cuarteto residen actualmente.
 

http://www.cndm.mcu.es/sites/default/files/programa-de-mano/cv_cuarteto_casals.pdf 

Foto: El CNDM presenta la integral de cuartetos de Beethoven con el Cuarteto Casals. 

CRÍTICA (Libros) - El Lied romántico alemán

CRÍTICA (Libros) - El Lied romántico alemán

El lied romántico alemán, de Antón Cardó, forma parte de la colección “Alianza Música Biblioteca básica”, integrada hasta la fecha por El cuarteto de cuerda. Laboratorio para una sociedad ilustrada, de Cibrán Sierra, La ópera. Voz, emoción y personaje, de Laia Falcón, El piano: 52 + 36 de Justo Romero, La orquesta de Jorge de Persia, y Los instrumentos musicales. Música en el tiempo de Alessandro Pierozzi, además del libro que aquí se comenta. Su autor, Antón Cardó, es retratado por el director de esta colección, el recientemente fallecido Javier Alfaya, en su nota introductoria, como "gran conocedor y especialista en el acompañamiento vocal, liederístico en particular".

Su entusiasmo por el Lied se transmite en este excelente libro que sin duda ocupa ya un lugar preeminente en la escasa bibliografía existente en español dedicada al género liederístico.

Antón Cardó traza una historia del Lied alemán partiendo de los orígenes del término "Lied" y de los comienzos del género con Carl Philipp Emanuel Bach y la primera Escuela de Berlín, hasta llegar a Richard Strauss. En las estaciones intermedias encontramos unos primeros capítulos dedicados al Lied clásico-prerromántico de Gluck, Haydn y Mozart, a Ludwig van Beethoven y a la segunda Escuela de Berlín, con Johann Friedrich Reichardt, Johann Rudolf Zumsteeg, Abraham Peter Schulz y Carl Friedrich Zelter como compositores más destacados de la misma. En dichos capítulos, Antón Cardó, además de centrar su estudio en los principales autores y obras de las épocas abordadas, pone también el foco en la evolución e historia del género liederístico desde sus orígenes, analizando cómo se produce la transición del Lied popular al Lied artístico, además de tratar el origen del propio término "Lied" y otras relevantes cuestiones como la evolución de la forma —de la estrófica simple y la estrófica variada a la forma desarrollada—, los textos que sirven de base a los compositores, así como el contexto cultural en el que tiene lugar el desarrollo de este género.

El capítulo más extenso del libro —casi doscientas páginas— es el dedicado a Franz Schubert, como "cima absoluta" del Lied romántico alemán. Se trata de un capítulo muy bien estructurado en las diferentes etapas compositivas de la corta vida de Schubert, que además del estudio pormenorizado de numerosos Lieder trata el contexto literario y poético de la época, la vocalidad y las melodías schubertianas, y aborda con detalle cuestiones formales del género, explicando con claridad y sentido didáctico las características de las diferentes formas del Lied utilizadas por Schubert, como son la balada, el Lied estrófico, el Lied desarrollado o el Lied estrófico variado.

Tras el breve capítulo dedicado a Felix Mendelssohn, Cardó prosigue su travesía por la historia del Lied alemán con la obligada parada en Robert Schumann como representante del pleno romanticismo poético-musical, estudiando sus principales poetas —Heine, Eichendorff—, sus principales ciclos de canciones, así como el milagroso año 1840, en el que su creatividad como fecundísimo compositor de Lieder se desborda, produciendo en plena ebullición artística una asombrosa cantidad de inspiradísimas obras maestras de este género.

En los más breves capítulos dedicados a Franz Liszt y a Richard Wagner, el autor, fiel al título del libro, centra su estudio en las canciones de estos autores compuestas en alemán, dejando de lado aquellas compuestas en otros idiomas, algunas de las cuales son muy destacadas en la producción de canciones de Liszt, como por ejemplo sus Lieder en francés sobre poemas de Victor Hugo. Y dado además que Franz Liszt nació en el entonces Imperio austríaco se puede reflexionar aquí si Lied alemán es sólo el compuesto por autores alemanes en lengua alemana —con lo que Liszt quedaría fuera de este ámbito— o si también se podría catalogar como Lied alemán el compuesto por autores alemanes en otros idiomas. Teniendo en cuenta las cambiantes fronteras europeas a lo largo de la historia, con lo que en la actualidad las nacionalidades de algunos compositores difieren de la de su época de origen, y considerando también los numerosos idiomas en el que los compositores europeos han escrito sus canciones para voz y piano —Lieder en italiano de Mozart, Beethoven y Schubert, o en francés del primero, por citar sólo algunos ejemplos—, el debate sería sin duda controvertido. Una controversia que Antón Cardó resuelve en su libro con pragmatismo, centrándose en la producción de canciones en alemán de compositores alemanes y austríacos.

Johannes Brahms y Hugo Wolf son figuras imprescindibles en la historia del Lied alemán y por ello son los siguientes compositores cuya producción de este género analiza Cardó, poniendo el foco tanto en el Lied popular, el Lied artístico y el proceso compositivo del primero, como en los grandes grupos de Lieder —Mörike, Eichendorff, Goethe, Keller, Michelangelo y Cancioneros español e italiano— del segundo. Antes de finalizar su viaje por la historia y estilo del Lied alemán con la producción de Richard Strauss, se detiene Antón Cardó en Gustav Mahler como representante de la "culminación expresiva del Lied popular llevado al terreno artístico".

Completan este interesante libro sendos apéndices dedicados al papel del pianista acompañante y a las características de la voz en el Lied, respectivamente, que aportan la siempre personal visión del autor sobre estos temas, fruto de su amplísima experiencia como pianista de cantantes. Aunque se echa en falta el estudio de compositores como Louis Spohr, Carl Maria von Weber, Carl Loewe, Peter Cornelius, Robert Franz, Max Reger, Joseph Marx o Hans Pfitzner, la historia del Lied romántico alemán en su contexto cultural a través de sus principales compositores, poetas, obras y estilos queda perfectamente trazada en este gran trabajo de Antón Cardó, escrito con conocimiento y rigor, así como con pasión por un género cuyo carácter minoritario y sus especiales características de combinación de música y poesía alemana, hacen especialmente necesario este tipo de iniciativas divulgativas.

Aurelio Viribay

Título: El Lied romántico alemán. Autor: Antón Cardó. Alianza Editorial, Madrid, 2017. Colección Alianza Música, Biblioteca básica. Nº de páginas: 513. ISBN: 978-84-9104-835-0.

Foto: El lied romántico alemán, de Antón Cardó.

 

CRÍTICA - Tous les matins du monde: 25 años no son nada (CNDM)

CRÍTICA - Tous les matins du monde: 25 años no son nada (CNDM)

Segundo concierto de Jordi Savall dentro del ciclo Universo Barroco del CNDM  y diametralmente opuesto al anterior. Del carácter festivo y multicultural que ofreció el pasado mes de marzo con Hespèrion XXI y Tembeque Ensemble Continuo al recogimiento del repertorio francés para viola de gamba. Con motivo de la conmemoración de los veinticinco años del estreno de la película de  Alain Corneau, Tous les matins du monde, Savall propuso un programa basado en gran parte en aquella banda sonora que le valió un César y que dio a conocer al gran público la música del Grand Siècle. Del mítico plantel que grabó en 1991 (Fabio  Biondi, Christophe Coin, Pierre y Jèrôme Hantaï), le acompañaba esta vez sólo Rolf  Lislevand con la tiorba y la guitarra barroca. El violagambista belga Philippe Pierlot y  el clavecinista alemán Michael Behringer, habituales en Hespèrion XXI y Le Concert des Nations completaron la formación de manera muy bien avenida.

Tanto la trama como la música de Tous les matins du monde tenía como ejes centrales las figuras de Monsieur de Sainte Colombe y su alumno Marin Marais  y como aglutinador a Lully, intendente musical de Luis XIV.  En el programa presentado por Savall, manteniendo dichos ejes vertebradores, incluyó también obras de Couperin, Rameau, que aligeraron pero también alejaron el concierto de la gran  la densidad musical y emocional que destilaba la banda sonora originaria.

Abrieron con cuatro  piezas instrumentales pertenecientes a Le Bourgeois Gentilhomme de Lully encabezadas por una  Marcha pour la cérémonie turque en cierta medida decepcionante debido a la muy escuálida instrumentación propuesta y a ciertos desajustes de afinación entre las dos violas. Les siguió una de las fantasías sobre Une jeune fillette de Du Carroy y las  anónimas Muzette Ma mignone y Bourrée d´Avignonez,  más arcaicas y cuyo contrapunto supo realizar magistralmente Behringer con el órgano positivo. Pero donde realmente comenzó a remontar la velada fue a partir del Concert XLI à deux violes égales (Le retour) de Sainte Colombe, Le père y las Pièces de Viole, Livre III de Marais. Sostenidas en ocasiones por el clave, en otras por la tiorba en  un interesante juego de contrastes tímbricos, fueron introduciendo al público anormalmente ruidoso e inquieto para este tipo de conciertos de cámara, en el recogimiento y la nostalgia a través del íntimo diálogo de las dos violas.

La segunda parte del concierto giró en  torno a compositores que cierran el periodo de esplendor musical de la corte del Rey Sol con  varios fragmentos de Les Concerts Royaux de François Couperin “Le Grand” y los Tambourins I y II de tercer Concert de Rameau y La Du Vaucel de Forqueray. Las dos primeras escritas para ser tocadas por “toda clase de instrumentos” y adaptadas con más o menos acierto  para  dos violas y la última más idiomática y compleja técnicamente y que fue precedida por un Prélude de Mr. De Machy. Pero destacaron dos obras con las que la maestría del conjunto, no sólo la de Savall quedó patente: Un Concert XVIV à deux violes égales, doliente “tombeau” donde los armónicos producidos por la séptima cuerda de la viola de Pierlot, una absoluta compenetración con Savall y con un continuo que sabiamente fluctuaba entre la tiorba y el clave, sin saturar, pero redondeando los momentos álgidos dejó a la sala literalmente en suspenso. Y como brillante colofón, de nuevo Marais. Del Livre II,  Les Voix Humaines y Les  Folies (d´Espagne) evidenciaron que en el dominio técnico, la capacidad improvisatoria y el arte de transmitir emociones Savall continúa siendo el maestro.

Con una improvisación sobre los Canarios de Gaspar Sanz como propina y un público finalmente seducido y entregado concluyó el concierto conmemorativo de Tous les matins du monde demostrando que veinticinco años no son nada.

Mercedes García Molina

Michael Behringer, Rolf Lislevand, Philippe Pierlot / Jordi Savall, viola de gamba y dirección. Obras de Lully, Carroy, Sainte-Colombe, Marais, Couperin, Rameau, Machy y Forqueray.
Ciclo Universo Barroco, CNDM. Auditorio Nacional de Música. 

Foto: Jordi Savall, viola de gamba y dirección (foto Molina Visuals).

 

Iván Martín, nuevo director titular de la Orquesta Sinfónica de Burgos

Iván Martín, nuevo director titular de la Orquesta Sinfónica de Burgos

El anuncio coincide con el último concierto de la temporada 2017/2018 en la que él mismo dirigirá y abordará la parte solista.

Será el domingo 27 de mayo a las 20.30 horas en la Sala Rafael Frübeck de Burgos del Fórum Evolución.

Programa:
Miradas al Clasicismo

L. van Beethoven: Concierto para piano y orquesta nº 5 en Mi bemol mayor, op. 73 “Emperador”
F. J. Haydn: Sinfonía nº 1 en Re mayor Hob. I:1
S. Prokofiev: Sinfonía nº 1 en Re mayor, op. 25 “Clásica” 

El lunes 21 de mayo la comisión gestora de la OSBu comunicó al Instituto Municipal de Cultura de Burgos (organismo dependiente del Ayuntamiento y sostenedor de la formación), el compromiso con Iván Martín como director titular durante las temporadas 2018/2018 y 2019/2020, con posibilidad de prórroga.

Tras la despedida de Javier Castro, anterior director titular y miembro fundador de la Orquesta Sinfónica de Burgos hace dos temporadas, el podio había quedado vacío, dando a la formación la oportunidad de colaborar con diferentes directores invitados.

Fruto de una de esas colaboraciones en mayo de 2017, en la que Iván Martín dejó una excelente impresión en el público y profesores, surge ahora este compromiso con el que se afianza la formación y se proyectará al ámbito nacional.

Iván Martín

Nacido en Las Palmas de Gran Canaria (1978), Iván Martín es hoy por hoy reconocido por la crítica y el público como uno de los músicos más brillantes de su generación, dentro y fuera de nuestras fronteras.

Ha colaborado frecuentemente con reconocidos directores, tales como Gerd Albrecht, Elias Grandy, Andrew Gurlay, Pedro Halffter, Günter Herbig, Eliahu Inbal, Lü Jia, Vladimir Jurowsky, Christoph Eschenbach, Christoph König, Jean-Jacques Kantorow, Kirill Karabits, Adrian Leaper, Paul Mann, Juanjo Mena, John Neschling, Josep Pons, Christophe Rousset, Antoni Ros Marbá, George Pehlivanian, Michael Sanderling, Michael Schønwandt, Clemens Schuldt, Dima Slobodeniouk, Georges Tchitchinadze, Krzysztof Urbański, Antoni Wit o Christian Zacharias, con orquestas tales como la Filarmónica de Londres, Berliner Konzerthausorchester, Wiener Kammerorchester, Orquesta de París, Orquesta Filarmónica de Estrasburgo, Orquesta Sinfónica “Giuseppe Verdi” de Milán, Virtuosos de Praga, Orquesta Filarmónica de Helsinki, Orquesta Filarmónica de Zagreb, Polish Chamber Orchestra, Sinfonia Varsovia, Shenzhen Symphony Ordchestra, Macao Symphony Orchestra, Orquesta Sinfónica de Monterey (EE.UU.), Orquesta Sinfónica de Sao Paulo, Filarmónica de Montevideo o la Orquesta Sinfónica de Santiago de Chile, entre otras, además de colaborar asiduamente con la totalidad de las orquestas españolas.

Ha sido repetidamente invitado a participar en marcos tan destacados como “New York International Keyboard Festival” (EE.UU.), “Orford International Music Festival” (Canadá), “Festival International La Roque d’Anthéron” (Francia), “Festival International La Folle Journée” (Francia y España), “Festival Mozart Box” (Italia), “Festival Internacional de Grandes Pianistas” (Chile), “Festival Internacional Cervantino” (México), “Festival Internacional de Macao” (China), “Festival Internacional de Música y Danza de Granada”, “Festival Internacional de Música de Perelada”, “Schubertiada a Vilabetrán” o “Festival Internacional de Música de Canarias”, visitando las salas de concierto más prestigiosas del Mundo como son Berliner Konzerthaus, Berliner Staatsoper, Berliner Philharmonie, Dortmund Konzerthaus, Amsterdam Concertgebouw, Salle Pleyel de París, Carnegie Hall de Nueva York o Beijing National Center for Performing Arts. Colabora también con Patrimonio Nacional de España, ofreciendo conciertos en los Reales Sitios.

Dedicatario de obras de compositores como Joan Albert Amargós, Benet Casablancas, Antón García Abril, Cristóbal Halffter, Pilar Jurado o Ramón Paus, recientemente ha protagonizado en España el estreno mundial de los conciertos para piano y orquesta de Enric Palomar y Michael Nyman. También ha debutado como director junto a las orquestas Real Filharmonía de Santiago, Sinfónica de Castilla y León, Sinfónica de Galicia, Sinfónica de Baleares, Sinfónica de Extremadura, Sinfónica de Burgos, Filarmónica de Gran Canaria, Orquesta Nacional de España y la Orquesta de Cámara de Almada (Portugal), y es fundador y director musical de “Galdós Ensemble”, un versátil grupo orquestal con el fin de explorar principalmente la música del período barroco, clasicismo y primer romanticismo.

Ha grabado numerosos programas de radio y televisión en España, Francia, Italia, Brasil y Estados Unidos. Sus publicaciones discográficas para Warner Music y Sony Classical, han obtenido siempre una calurosa acogida por el público y la crítica considerándose como referencia, así como nominaciones a importantes reconocimientos. Asimismo, en su más reciente disco para el sello Sony Classical, interpretando conciertos de Beethoven -revisión realizada por Iván Martín y publicada bajo el sello editorial The Music Sales- junto a la Orquesta Sinfónica de Galicia, también debuta como director. Iván Martín ha sido artista en residencia de la Orquesta Filarmónica de Gran Canaria y del Centro Cultural Miguel Delibes de Valladolid.

Orquesta Sinfónica de Burgos

La Orquesta Sinfónica de Burgos (OSBu) surgió gracias a la iniciativa de un nutrido grupo de jóvenes músicos burgaleses deseosos de compartir con la ciudad su entusiasmo por la música sinfónica. Desde su concierto inaugural el 1 de noviembre de 2005, dedicado a los compositores del Clasicismo, bajo la dirección de su director titular Javier Castro, la Orquesta ha realizado un recorrido por todos los géneros sinfónicos, convirtiéndose en un referente cultural de la ciudad de Burgos. Su plantilla se ha ido incrementado a los largo de todos estos años y actualmente está compuesta por 45 músicos a los que se unen otros en calidad de refuerzos para los programas que así lo requieran.

Se recoge así el testigo de la Orquesta Sinfónica de Burgos, de breve existencia, que se constituyó a finales de los años cuarenta y que contó entre sus atriles con figuras tan destacadas del panorama musical español del siglo XX como Rafael Frühbeck de Burgos o Carmelo Alonso Bernaola.

Desde su constitución, la Orquesta ha venido ofreciendo todos los años una temporada regular de conciertos en el Teatro Principal de Burgos, habiendo colaborado con directores invitados de la talla de Lutz Köhler, Philippe Bach o Rubén Gimeno, e instrumentistas de primer nivel como Dinorah Varsi, Claudio Martínez Mehner, José Luis Estellés, Elena Cheah, Susana Yoko-Henkel, David Quiggle, Bruno Schneider, Marieke Schneemann, Lucas Macías y Manuel Blanco, así como con los cantantes Howard Crook y María Espada. A destacar el hito que supuso el estreno absoluto de la ópera de Antonio José, El Mozo de Mulas, en el mes de noviembre de 2017.

http://sinfonicadeburgos.com/

Foto: Iván Martín, nuevo director titular de la Orquesta Sinfónica de Burgos.

CRÍTICA - Die Soldaten (Teatro Real): La jauría humana

CRÍTICA - Die Soldaten (Teatro Real): La jauría humana

Ha hecho falta algo más de medio siglo para que por fin pudiéramos admirar sobre un escenario patrio ese diestro puñetazo en el vientre que supone enfrentarse a Die Soldaten. Exigente e inenarrable experiencia sensorial, que hasta hace poco seguía con el bochornoso sambenito de “irrepresentable” y a la que seguramente Richard Wagner le hubiera etiquetado de Gesamtkunstwerk, pues en su arquitectura integra órganos vitales de otras muchas artes. Aprovechando que este año estamos conmemorando el centenario del nacimiento de su gestor, el renano Bernd Alois Zimmermann, el Teatro Real ha sacado pecho embarcándose en esa descomunal aventura que supone poner en pie este descenso a los infiernos existenciales, que tanto esfuerzo y estudio exige de todos sus partícipes (oyente incluido).

Zimmermann, creyente declarado, se quitó la vida (con apenas 52 años), después de conseguir estrenarla en Colonia bajo los silbidos del escándalo y el manto de la polémica. Hoy esas dosis de reto e incomodidad continúan vivas y candentes. Solo había que ver como cierto sector del público se daba a la fuga durante el descanso. Y es que, pese a las décadas transcurridas, Die Soldaten todavía escuece en ciertos oídos y achicharra ojos de esos que solo ven la paja en lo ajeno.

Los vasos comunicantes de esta obra serial, escurridiza, inflexible, tan alejada de lo convencional, son extensos y variados. El germen surge de la obra teatral del mismo título de Jakob Lenz, uno de los grandes representantes del movimiento Sturm und Drang (en cuya cúspide gobierna Goethe). Su trágico destino (murió desecho mentalmente y comido por la miseria) lo narraría uno de sus más fervientes admiradores, Georg Büchner, en la novela “Lenz”. Éste a su vez homenajearía a su maestro literario en la desoladora “Woyzeck” (texto teatral también de ambiente militar), donde la heroína (otra prostituta de la soldadesca) fue bautizada con el mismo nombre: Marie. Ambos compositores fueron testigos de los espantos bélicos. Los dos sufrieron en carne propia la sin razón y la crueldad de sus ejércitos. Alban Berg, movilizado durante la Gran Guerra, adaptaría la obra de Büchner en la mesiánica “Wozzeck”, la ópera más trascendental del período de entre guerras. Zimmermann, a su vez, fue alistado a la fuerza por los nazis durante la Segunda contienda mundial. Traumática experiencia vital que influirá luego en el trasvase de la pieza de Lenz al teatro musical, convirtiéndola de paso en la partitura operística más importante y eminente de la segunda posguerra. Ambas obras se erigirán en dos odas antibelicistas. De temporalidad circular, “Los Soldados” discurre en el pasado, sucediendo así mismo en nuestro presente y volviendo a repetirse en el futuro. El eterno retorno de Nietzsche.

El siempre controvertible Calixto Bieito, creador dotado de universo y herramienta propia para adentrarse en los laberintos de la violencia física y moral, ve la pieza como una violenta tragedia despojada de poesía. Su lectura (excesiva a veces, fascinante otras) se ampara en una estética cercana a los planteamientos plásticos de “La Naranja Mecánica” kubrickiana (escena de la brutal violación incluida) y al exhibicionismo sanguinario y masoquista de Tarantino. Tras Wozzeck y Carmen en este mismo coso, acierta de lleno en el uso del espacio teatral (¡qué bien distribuye los personajes sobre el vasto escenario!), hilando fino en la continuidad de las escenas.

El estar la orquesta en un andamiaje sobre el propio escenario (el elevado número hace imposible ocupar su habitual entorno), posibilita que los cantantes deambulen por el foso orquestal, provocando un perturbador efecto de proximidad, como si se quisiera hacer copartícipe al público de la acción. Hay gran teatro de estirpe corrosiva brechtiana en su penetrante y perspicaz propuesta, perfecta para retratar el degradado hormiguero deshumanizado de Zimmermann (ese donde campea a sus anchas la violencia y el sexo). Magnífica la dirección actoral, consiguiendo que hasta el último de los extras se deje la piel en forjar algo verdadero y tangible.

Bieito jamás fue hombre pudoroso, ni un fiel seguidor de la sugerencia o la insinuación. Sus planteamientos se rigen por los mandamientos de la explicitud y el realismo más impúdico y crudo, sintiéndose muy cómodo entre la podredumbre humana, el alcantarillado moral y los impulsos más bajos, aunque en su empeño revuelva estómagos. Un esclarecedor ejemplo de su particular estilo, es cuando Desportes se guarda las bragas de Marie como varonil trofeo. Donde otros directores de escena optan porque sea el propio espectador quien imagine libremente el desenlace, Bieito elige revelar la degradación mostrando una felación ante una indiscreta cámara (eyaculación incluida). Para el burgalés, lo que no ve el ojo, no es creíble ni veraz. Atina diferenciando la música orquestal de la escénica (espectacular la salida al tablado de la percusión adicional), pero añade filmaciones (la mayoría vacuas y gratuitas) que complementan poco la acción y extravían del relato al concurrente. En el fallido Apocalipsis conclusivo (hoy el hongo atómico tampoco tendría mucho sentido) opta por lo fácil y rutinario, un desparrame hemoglobínico tipo Carrie de Stephen King. Lástima el tropezón, pues su esmerada labor no merecía ese anárquico broche de oro falso. El cataclismo nunca puede venir provocado por la cantidad de litros de sangre utilizada o los golpes destructores de un mazo.

La segunda de las siete funciones programadas la dirigió el asistente de Pablo Heras-Casado, el ordenado y disciplinado Michael Zlabinger, que no fue capaz de dotar sonoramente a la voluminosa orquesta ni de la ferocidad, ni de esa electricidad de alto voltaje, que exige esta partitura en forma de tela de araña (el memorable y desconcertante Preludio inicial sonó sin tracción ni pegada, pecaminosamente liviano). Aquel que haya escuchado la reciente lectura de François-Xavier Roth en la Ópera de Colonia, entenderá a la primera a qué me estoy refiriendo. Impedido a la hora de crear atmósferas asfixiantes y afiladas, se limitó a no ser un elefante en la cacharrería. Loable su esfuerzo, en una función que (estoy seguro) recordará toda su vida.

Lo mejor y más brillante de la función lo regaló el ejemplar reparto vocal. Sobresaliente y en algunos pasajes gloriosa, la Marie de Susanne Elmark, que se conoce el rol al dedillo. La danesa sale viva de las inhumanas piruetas vocales, así como del derroche interpretativo exigido como diana de todos los masculinos dardos. La gran Hanna Schwarz consigue detener el tiempo en su fabulosa aparición como la anciana Wesener. A sus 74 años, su voz y estampa cala hasta los huesos. Su paseo por el proscenio al final del Segundo Acto es de los que coagulan e impactan. Estupenda la experimentada Iris Vermillion dando vida a la manipuladora madre de un Stolzius cantado, como si la vida le fuera en el empeño, por un expresivo y humano Leigh Melrose. Un torbellino en escena la incestuosa Condesa de la Roche de Noëmi Nadelman y algo ramplona la Charlotte de Julia Riley. De voz blancuzca y angelical (recordando a veces al mismísimo Klaus Florian Vogt), muy cómodo en el agudo, el Desportes de un prominente Uwe Sticker. Firme y efectivo el papá Wesener del veterano Pavel Daniluk.  Con problemas de volumen y dicción el capellán Eisenhardt de Germán Olvera.

Cuando el interminable Re final logra disiparse en el aire tras un interminable diminuendo, uno no puede dejar de acordarse de aquellas últimas palabras de Kurtz en la novela “El corazón de las tinieblas” de Joseph Conrad, que tan admirablemente inspirara el “Apocalypse Now” de Coppola: “El horror, el horror…”. No es música ni dramaturgia para quienes buscan distracción o un pasatiempo con el que hacer hora para cenar.

No dejen de acercarse a ella aquellos que gustan de tomar riesgos y que además piensen que todavía es posible para la ópera penetrar con armas propias y exclusivas en los grandes jeroglíficos de la condición humana, esos que nos hace enmudecer ante estos elocuentes espejos en los que reflejarse durante toda la eternidad.

Javier Extremera

Susanne Elmark, Julia Riley, Iris Vermillion, Hanna Schwarz, Leigh Melrose, Uwe Stickert, Pavel Daniluk, etc. Coro y Orquesta del Teatro Real / Michael Zlabinger. Escena: Calixto Bieito. Die Soldaten, de Zimmermann (función del sábado 19 de mayo).
Teatro Real, Madrid. 

Foto: Die Soldaten, de Zimmermann, en el Teatro Real (Acred: © Javier del Real | Teatro Real).

CRITICA - En consumado acuerdo (CNDM) - Madrid

CRITICA - En consumado acuerdo (CNDM) - Madrid

Un programa de cámara perfectamente ensamblado de menos a más por integrantes, por estética, por pareja ambición, por tonalidad incluso… encaminado a la exaltación de una obra enjundiosa, aunque un tanto primeriza, el ofrecido por Christian Zacharias con el trío de cuerda Vera Martínez Mehner, Andoni Mercero y Adolfo Gutiérrez Arenas en el Auditorio Nacional de Música.

Una partitura-objetivo romántica que conjugó su relativa trascendencia musical, no excesiva, su inspiración melódica, notable, con un brillante desempeño técnico, tanto individual como de conjunto. Y es que, el tan versionado Cuarteto con piano nº 1 en sol menor de Johannes Brahms es una pieza lucida que se regodea con pragmatismo en la tradición de la que parte. Una tradición tan rica, personal e intransferible como puede ser la de su amado Schumann, que aquí se sigue escuchando aún, con otra voz, algo más amplificada.

Magnífico desempeño de los citados en esta ocasión propiciada por el ciclo de cámara del CNDM. Una perspicaz visión de conjunto de entereza estética admirable y aparente ligereza, y las virtudes acumuladas bien conocidas de los intérpretes mencionados. Coraje, pulcritud, lirismo y empaque para una obra que no regala nada que no exija antes, pero que, a la postre, sí que devuelve con creces el esfuerzo realizado. Su último movimiento, arrebatado, no se escondió ni anduvo por recovecos cómodos o medrosos, y afrontó su virtuosismo “a la zíngara” tal y como se espera de él.

Fue un contundente colofón a una tarde que había empezado con obras tiernas y lozanas, relativamente también, de sus respectivos catálogos. Una sonata -en el mismo tono del cuarteto, principio y fin de programa, por cierto- de Haydn, ingeniosa y vivaz, propia del autor y de la disposición y hechuras de su intérprete esta noche, Zacharias. Un Trio de cuerdas, en do menor, de un Beethoven que apuntaba maneras, ya desde la propia tonalidad elegida…, pero que aún no las perfilaba con la voluntad disoluta y turbulenta que le ha hecho universal. Obras juveniles, relativamente pues, en un programa interesante de principio a fin, bien pertrechado hasta en lo tonal, con enérgica disposición y savoir-faire en todos sus frentes.

Luis Mazorra Incera

Christian Zacharias, piano; Vera Martínez Mehner, violín; Andoni Mercero, viola; y Adolfo Gutiérrez Arenas, violonchelo. Obras de Beethoven, Brahms y Haydn.
CNDM. Auditorio Nacional de Música. Madrid. 

Foto: Christian Zacharias, piano.

 

CRÍTICA - La viola da gamba de Calia Álvarez

CRÍTICA - La viola da gamba de Calia Álvarez

Ciclo El canto de Polifemo

Bajo el título Aventuras y desventuras de una viola da gamba, la violagambista cubana (afincada en España desde hace años) Calia Álvarez ofreció el sábado 19 de mayo un interesantísimo concierto en la iglesia de las Mercedarias de Góngora de Madrid.

El programa estaba dividido en cuatro partes, correspondientes a cuatro épocas y ámbitos geográficos distintos, que pueden considerarse como sendos capítulos de la procelosa historia del instrumento. Cada parte fue precedida de un texto literario que la propia intérprete recitó, sirviendo de introducción a la atmósfera de las obras que venían a continuación.

En la primera parte «A solas con Bach», Calia Álvarez interpretó una transcripción propia de la Suite nº 1 para violonchelo solo de Johann Sebastian Bach. Como les ocurre a otros de sus colegas (es inevitable acordarse de Paolo Pandolfo, quien incluso defendió en su momento que las seis suites para violonchelo fueron originalmente compuestas para viola da gamba) la intérprete cubana siente una conexión especial con estas obras. Su ejecución dio fe de ello, combinando la hondura y el rigor con un fraseo ágil y elegante.

El segundo capítulo llevaba por título «Historia de un soldado», en alusión a Tobias Hume, mercenario, poeta aficionado y músico diletante de la Inglaterra de la primera mitad del siglo xvii que centró sus intereses musicales en la viola da gamba, en cuyo desarrollo en el país británico representa un capítulo singular: mientras la literatura para viola alcanzó sus más altas cimas en este país en la música para consort, Hume concedió a la viola un papel solista, similar al del laúd, incluyendo en sus composiciones elementos autobiográficos. De este insólito personaje se interpretaron tres obras (A question, An answere y An soldier´s resolution), ejemplos de una música de ritmos muy marcados, tosca por momentos, pero de un indudable atractivo, a la que la intérprete supo sacar jugo resaltando su carácter narrativo y evocador.

Siguiendo el título del concierto, se puede decir que la viola da gamba vivió uno de sus momentos más venturosos en la Francia de Luis XIV. Bajo su largo reinado desarrollaron su obra el enigmático Mr. de Saint Colombe y su ocasional alumno Marin Marais, junto a Antoine Forqueray los mayores virtuosos del instrumento de su tiempo. Del primero Calia Álvarez interpretó «Les pleurs» del concierto Tombeau les regrets. Música de gran hondura y gravedad  que la intérprete dedicó, de forma tan oportuna como emocionante, a las víctimas y las tres mujeres supervivientes del reciente accidente aéreo de La Habana. De Marais ofreció unas versiones abreviadas de L’Arabesque, obra del cuarto libro de piezas para viola, y las famosas Folies d’Espagne, procedente de su segundo libro, donde desplegó todo su virtuosismo.

Tras vivir esta edad de oro la viola da gamba experimentó un rápido declinar en la segunda mitad del siglo xviii, desplazada por el violonchelo y por las nuevas formas de recepción musical, que precisaban más volumen y condenaron a la desaparición, más rápida en unas casos que en otros, a instrumentos de expresión intimista como el laúd, el clave o la propia viola. Fue a partir los años 70 del siglo xx, con el desarrollo del movimiento historicista y el redescubrimiento de la literatura para viola da gamba, cuando el instrumento se recuperó y cobró un nuevo auge, participando en ello intérpretes, luthiers, pero también compositores que se empezaron a interesar en las posibilidades tímbricas y expresivas del instrumento y escribieron obras para él.

Todo esto estuvo de alguna manera presente en la cuarta y última parte del concierto que nos llevó al Nuevo Mundo bajo el título un «Paseo Habanero» y donde la intérprete ofreció la obra Cuatro breves para viola da gamba del compositor cubano Calixto Álvarez. Piezas de ritmos vivos y alegres unas veces, melancólica y ensoñadora otras, digno colofón a un concierto donde Calia Álvarez demostró la amplia paleta de matices y contrastes que puede alcanzar la viola da gamba, desde el susurro a la tempestad, con su precioso instrumento, un bajo de viola de seis cuerdas libremente inspirado en un modelo de Barak Norman de finales del siglo xvii, construido por el luthier sevillano Pablo Fernández Romero.

Como agradecimiento a los calurosos aplausos recibidos, la violagambista cubana ofreció un saltarello, danza italiana del siglo xiv.

Propuesta esencial, intimista, tan arriesgada como atractiva, de ésas a las que ya nos tiene acostumbrado su organizador Paco Quirce, artífice de El canto de Polifemo, que va consolidándose concierto a concierto como uno de los ciclos más interesantes de la escena musical madrileña.

Imanol Temprano Lecuona

Ciclo El canto de Polifemo. Iglesia de las Mercedarias de Góngora, Madrid. «Aventuras y desventuras de una viola da gamba». Obras de J. S. Bach, Tobias Hume, Mr. de Sainte-Colombe, Marin Marais y Calixto Álvarez.

Foto: La viola da gamba de Calia Álvarez en el Ciclo El canto de Polifemo.

 

Antonio Méndez, nuevo director de la Sinfónica de Tenerife

Antonio Méndez, nuevo director de la Sinfónica de Tenerife

El maestro mallorquín considera un honor ponerse al frente de esta orquesta

Antonio Méndez será el próximo director principal de la Orquestas Sinfónica de Tenerife, cargo al que se incorporará el próximo mes de septiembre para hacerse cargo de la temporada 2018-19, según ha anunciado hoy el Cabildo de Tenerife, Administración de la que depende la formación musical.

El nuevo director principal de la Sinfónica de Tenerife considera “un grandísimo honor” ponerse al frente de una orquesta de la calidad de la Sinfónica de Tenerife. Hubo una conexión instantánea la primera vez que trabajamos juntos: su sonido rico y profundo, su energía y su enfoque abierto hacia la música me cautivaron de inmediato”. Así lo avanzó durante su presentación ante los medios en el Cabildo de Tenerife, acompañado por el presidente de la Corporación insular, Carlos Alonso, y el director insular de Cultura y Educación, José Luis Rivero.

Antonio Méndez ha señalado que su objetivo al frente de la Sinfónica de Tenerife es “trabajar juntos para crecer juntos”. “Tengo muchas ganas de continuar compartiendo nuestro amor por la música y creciendo juntos, y estoy encantado de convertirme en el líder de una orquesta con tanto potencial. Estamos preparados para esta nueva aventura y estoy convencido de que la audiencia puede esperar cosas emocionantes en el futuro”.

El presidente del Cabildo de Tenerife, Carlos Alonso, indicó que el proceso de selección del nuevo director del “proyecto cultural más importante de la Isla” se ha hecho “de una manera meticulosa y cuidadosa, contando además con la participación de la propia orquesta”. El maestro balear “toma la batuta de un proyecto artístico que quiere ser estable” y su designación “nos ayuda a hacer mejor proyección nacional e internacional de un organismo vivo, excelente, que tiene grandes capacidades y que con su apoyo va a tener una mejor proyección de esas capacidades”.

José Luis Rivero destacó que “la trayectoria de Antonio Méndez tanto a nivel nacional como internacional desde luego acredita la relación y la simbiosis que puede darse entre nuestra orquesta y su batuta. Por su estilo, por su sonoridad, encaja perfectamente con el trabajo que desarrolla la Sinfónica de Tenerife y, por lo tanto, va a ser un acompañamiento sin duda de crecimeinto y de proyección, en este caso, del proyecto artístico de la propia orquesta”.

Antonio Méndez ha dirigido ya en tres ocasiones a la Sinfónica de Tenerife, una de ellas en la temporada 2016-17 y dos en la presente. Es uno de los directores más consolidados de su generación y está estableciendo estrechos vínculos con las orquestas más importantes de Europa. En los últimos años, el maestro ya ha cosechado grandes éxitos dirigiendo a orquestas como Tonhalle-Orchester Zürich, Symphonieorchester des Bayerischen Rundfunks, Mahler Chamber Orchestra, Rotterdam Philharmonic, Danish National Symphony Orchestra, hr-Sinfonieorchester, Royal Stockholm Philharmonic, Staatskapelle Dresden, Scottish Chamber Orchestra, Los Angeles Philharmonic y Orchestre Philharmonique du Luxembourg.

En España mantiene una estrecha relación con la Orquesta Nacional, la cual ha dirigido en todas las temporadas desde su debut en 2014, además de haber realizado una gira por Japón y Corea. También se ha puesto al frente de la Orquesta Sinfónica de Castilla y León y la Sinfónica de Galicia.

En la presente temporada 2017-2018, Antonio Méndez regresó a la Wiener Symphoniker (en el Festival de Bregenz), realizó una gira con Staatskapelle Weimar por España y debutó con la Deutsches Symphonie-Orchester Berlin, Orquesta Tchaikovsky de la Radio de Moscú (en el concierto de clausura del Festival Rostropovich) y la Orchestra del Teatro Comunale di Bologna, además de volver a dirigir a la Seoul Philharmonic.

Algunos compromisos destacados de las próximas temporadas incluyen la Konzerthausorchester Berlin, Orquestra Gulbenkian, Iceland Symphony, Orchestre de Chambre de Paris o KBS de Seúl. En España continuará su relación con la Orquesta Nacional, con la Orquesta Sinfónica de Galicia y con la Orquesta Sinfónica de Castilla y León. En el plano operístico, también debutará en producciones de Madama Butterfly y Ariadne auf Naxos.

La reciente grabación que ha realizado con la Radio-Sinfonieorchester Stuttgart des SWR y el sello discográfico SWR Music (para Berlin Classics) acaba de recibir un Echo Klassik Award. También ha grabado con la Scottish Chamber Orchestra para Linn Records.

Antonio Méndez comenzó sus estudios musicales de piano y violín, luego continuó con los de composición y dirección en el Real Conservatorio Superior de Música de Madrid. Desde 2007 reside en Alemania, donde completó su formación como director en la Universität der Künste Berlin, como miembro del Dirigentenforum (‘Foro de Directores’ del Consejo Musical Alemán) y en la Hochschule für Musik ‘Franz Liszt’ Weimar.

http://sinfonicadetenerife.es/

Foto: el presidente de la Corporación insular, Carlos Alonso, y el director insular de Cultura y Educación, José Luis Rivero, junto a Antonio Méndez. 

CRÍTICA - Clausura de una fiesta académica (Madrid - Ciclo UAM)

CRÍTICA - Clausura de una fiesta académica (Madrid - Ciclo UAM)

Con un Auditorio Nacional abarrotado daba comienzo el último concierto del XLV Ciclo de Grandes Autores e Intérpretes de la Música, perteneciente a la Universidad Autónoma de Madrid, quién se encuentra celebrando su 50 aniversario durante todo este año académico.

Asistimos a un festejo desde el comienzo con la famosa Obertura académica de Brahms, donde pudimos ver la alusión realizada a la pasada celebración en la que el maestro Joaquín Achúcarro fue nombrado Doctor honoris causa por la UAM. Durante la excepcional interpretación de la Orquesta Sinfónica de Euskadi pudimos distinguir los diferentes himnos estudiantiles utilizados en la composición, en la que, sin ninguna duda, se escaparon sonrisas cuando escuchamos su culminación con el himno universitario más representativo, Gaudeamus Igitur.

Lo mejor de la velada fue esa aparición del maestro Achúcarro en el escenario impulsado por los aplausos de un público totalmente volcado. Comenzaba, así, la segunda obra de la primera parte del concierto, en la que la Sinfónica de Euskadi atacaba con fuerza desde un primer momento para darle nacimiento a esa primera frase musical de solo en la que entraba el piano, arropado rápidamente por la orquesta. El Andante con moto representa un diálogo teatralizado entre el solista y las cuerdas, en el que se refleja cierta tensión. Finalmente, el último movimiento fue interpretado por Achúcarro con un carácter romántico intenso hasta llegar a la cadencia en la que irradió toda la Sala Sinfónica.

No hubo mejor manera de bajar la batuta que con la Cuarta de Tchaikovsky donde se refleja una gran personalidad tímbrica y gran riqueza motívica, interpretada con una gran fuerza instrumental por la Sinfónica de Euskadi. Sin ninguna duda, representa a Tchaikovsky en estado puro. Con toda la sala esperando ese momento, la orquesta comenzaba el Andante sostenuto con total rigurosidad y brillantez, interpretando de una manera moderada, siguiendo los suaves movimientos de Gilbert Varga, hasta llegar al Finale totalmente de sorpresa mediante un contraste cautivador y conclusivo. Se interpretaron los cuatro movimientos programáticos de una manera vehemente e impecable.

Clausura así esta fiesta académica y la temporada, rodeados de protagonismo hacia la música sinfónica de un romanticismo europeo, viajando desde la base más beethoveniana hasta la magnificencia que suponen Tchaikovsky y Brahms.

Virginia Camarena Parrondo

XLV Ciclo de Grandes Autores e Intérpretes de la Música. Universidad Autónoma de Madrid. Auditorio Nacional de Música, Madrid. Orquesta Sinfónica de Euskadi. Joaquín Achúcarro, piano. Obertura académica, J. Brahms. Concierto para piano y orquesta nº 4, L. Beethoven. Sinfonía nº 4, P. Tchaikovsky. Dir: Gilbert Varga. 18-05-18. 

Foto: el maestro Joaquín Achúcarro fue nombrado Doctor honoris causa por la UAM.

 

Manos Unidas ofrece un concierto benéfico en Málaga por su LIX aniversario

Manos Unidas ofrece un concierto benéfico en Málaga por su LIX aniversario

Manos Unidas celebrará el próximo 23 de mayo a las 20:00h un concierto benéfico en el Teatro Cervantes de Málaga por su quincuagésimo-noveno aniversario. La música estará a cargo de la Orquesta Sinfónica Provincial de Málaga que estará dirigida por José Luis López-Antón. También contará con la participación de la soprano Alba Chantar. 

José Luis López-Antón dirigirá el próximo miércoles 23 de mayo a la Orquesta Sinfónica Provincial de Málaga un programa benéfico organizado por Manos Unidas. El evento tendrá lugar en el Teatro Cervantes de Málaga a las 20:00. 

La ONG Manos Unidas celebrará su LIX aniversario de fundación ofreciendo como cada año un concierto benéfico en el que se reanudarán fondos para un proyecto de mejora de las infraestructuras sanitarias y educativas en Eloubalir, un pueblo de la región de Casamance (sur de Senegal) donde se construirán aulas educativas para los niños de la zona y un puesto de salud dotado de equipamiento y material sanitario 

El concierto estará presentado por el periodista Domi del Postigo. Dentro de las obras que interpretarán se encuentran la Obertura Italiana en Argel de Rossini y la Sinfonía Nº4 de Mendelssohn, y en la segunda parte del concierto la soprano malagueña Alba Chantar cantará arias de Mozart, Donizetti, Puccini y Verdi.

 

El maestro José Luis López-Antón, que ha regresado recientemente de su gira por México con el proyecto Diabulus in Ópera de Mago de Öz, se encuentra muy sensibilizado con este tipo de proyectos y colabora asiduamente de manera solidaria. En el próximo mes de junio debutará con la OCRTVE en el Teatro Mira con un programa organizado por Juventudes Musicales. 

Las entradas se encuentran ya a la venta a un precio de 5, 7, 9 y 15 euros en la Delegación de Manos Unidas Málaga, aunque se podrán adquirir también en el hall del Teatro Cervantes antes de la representación. 

JOSÉ LUIS LÓPEZ-ANTÓN

José Luis López-Antón es considerado una de las más brillantes y carismáticas promesas de la nueva generación de directores de orquesta en España. Laureado en la “London Conducting Competition” en 2014, y actual director titular y artístico de la Orquesta Sinfónica de Ávila (OSAV), en muy poco tiempo su carrera está teniendo un gran ascenso.

En la Temporada 2017/18 se ha presentado en España con la Orquesta Sinfónica de Castilla y León (OSCyL) en el Otoño Musical Soriano, en el Festival de Música Española de León y en el Auditorio Fórum Evolución de Burgos,  con la Orquesta Clásica Santa Cecilia en el Auditorio Kursaal de San Sebastián y con la Joven Orquesta Sinfónica de Castellón en el Auditori de Castellón . También destacan sus presentaciones en México con la Orquesta Filarmónica Ciudad de México (OFCM) en el Centro Cultural Ollin Yoliztli, y con la Orquesta Sinfónica Nacional de México (OSN) en el Palacio de Bellas Artes. 

Próximos compromisos incluyen a la Orquesta Sinfónica de Radio Televisión Española (ORTVE), Orquesta Sinfónica de Castilla y León (OSCyL), Orquesta Sinfónica de Málaga, Orquesta Clásica Santa Cecilia, Orquesta de la Universidad Autónoma de Nuevo León (México), Orquesta Filarmónica de Jalisco (México), Orquesta Sinfonietta de México, Orquesta Sinfónica Nacional de Bolivia, además de su actividad regular con la Orquesta Sinfónica de Ávila. 

Ha dirigido, entre otras, a la Orquesta Sinfónica de Castilla y León (OSCyL) en repetidas ocasiones, y a la Orquesta Sinfónica del Principado de Asturias (OSPA), la Orquesta Sinfonietta de México, la London Classical Soloists, el Ensemble de Música Contemporánea del COSCyL, y la Orquesta infantil “In Crescendo” del proyecto socioeducativo de la OSCyL. 

Nacido en 1.990, realiza sus estudios superiores en el Conservatorio Superior de Salamanca, obteniendo Matrícula de Honor y Premio Extraordinario Fin de Carrera. Durante tres cursos consecutivos obtuvo la Beca para alumnos con Excelente Aprovechamiento Académico de la Junta de Castilla y León como premio a su expediente. Destacan en su formación los maestros Miguel Romea, Andrés Salado, Achim Holub, y Andrew Gourlay, actual director titular de la Orquesta Sinfónica de Castilla y León, del que ha sido director asistente en diversas producciones. También ha sido asistente de los maestros Vasily Petrenko y Gordan Nikolic.

Además, fue seleccionado para la bolsa de directores jóvenes de la Joven Orquesta Nacional de España (JONDE) y de la Orquesta Joven de Extremadura (OJEX), dirigiendo ensayos seccionales a la primera de ellas. Asimismo, fue director asistente de la Orquesta de la Universidad Alfonso X “El Sabio” en Madrid. 

PROGRAMA
ORQUESTA SINFÓNICA PROVINCIAL DE MÁLAGA
Director, José Luis López-Antón
Soprano, Alba Chantar 

Parte 1
- Obertura Italiana en Argel - G.Rossini
- Sinfonía N°4 - F.Mendelssohn
Parte 2
- Deh vieni non tardar (Le Nozze di Figaro) - W. A.  Mozart
- Regnava nel silenzio (Lucia de Lammermoor) - G. Donizetti
- Oh mio Babbino Caro (Gianni Schichi) - G- Puccini
-Quando m'en vo (vals de mussetta-La Bohéme) - G. Puccini
- Sempre libera (Traviata) - G. Verdi 

http://www.manosunidas.org/ 

Foto: Cartel del concierto.

Temporada 2018/19 del Teatro de la Zarzuela, con el resurgir del género como una realidad

Temporada 2018/19 del Teatro de la Zarzuela, con el resurgir del género como una realidad

Se mantiene el número máximo posible de funciones, que alcanzan las 158

Se presentarán 8 títulos líricos: cinco nuevas producciones –incluida una obra de un autor vivo y una coproducción con el Gran Teatre del Liceu y la Opera de Laussane–, una reposición propia y la recuperación de dos zarzuelas –‘María del Pilar’ de Giménez y ‘El sueño de una noche de verano’ de Gaztambide–

El ya consolidado Proyecto Zarza –zarzuela hecha por jóvenes para jóvenes– volverá a ser una de las joyas de la temporada, y los Proyectos didácticos suponen más del 23% de la programación

El ciclo de conciertos incrementa su oferta con 10 funciones de algunas de las más destacadas voces de la lírica, el flamenco o el pop

Crecen también los recitales del ciclo ‘Notas del ambigú’, que continúa vendiendo todas las entradas, y que alcanzará un total de 12 recitales, más del doble que en su primera edición la pasada temporada

Volverá el Teatro Musical de Cámara con la Fundación Juan March y el espectáculo ‘Una noche en el Prado’ se representará en el Ambigú del Teatro y en el Museo del Prado para celebrar sus 200 años

El ciclo Lied, en coproducción con el CNDM, cumplirá un cuarto de siglo con 10 recitales

Se han alcanzado las 800 Tarjetas Jóvenes para usuarios de hasta 35 años, y en solo dos temporadas ha descendido en 9 años la edad media del público

Se mantienen los precios populares (4 a 50€), e importantes descuentos (entre el 20 y el 60 % del PVP) para jóvenes, mayores, desempleados, familias numerosas, grupos, último minuto y compra de abonos

El Teatro de la Zarzuela presenta la Temporada 2018/2019, con la satisfacción de haber dado un primer paso de gigante para que el resurgir del género comience a ser ya una realidad. La necesidad de tender la mano a todos los públicos anunciada en la presentación de la presente temporada como reivindicación de su condición de teatro plural, ha obtenido sus frutos y cada vez son más jóvenes y público de nuevo cuño quienes se acercan sin prejuicios a este género que forma parte de nuestro ADN, que es parte ineludible del patrimonio cultural español.

Y así lo manifiesta Daniel Bianco, director del Teatro, al afirmar que el Teatro de la Zarzuela “nos pertenece a todos, como también nos pertenece el género lírico español. Todos en esta casa –asegura–  trabajamos para que siga sintiéndose como uno de nuestros patrimonios culturales de mayor arraigo y siga siendo signo identificativo de cada uno de nosotros.”

“Por ello, esta temporada no sólo está llena de intenciones, deseos y sueños –prosigue Bianco–. Es una temporada de felices realidades en la que recuperamos dos títulos olvidados de la lírica española, acogemos la obra de un autor vivo y consolidamos tres de las obras más relevantes de nuestro repertorio, una de ellas – dentro de nuestro Proyecto Zarza– dirigida especialmente a los jóvenes.”

El director explica al respecto que “todo lo que ofrecemos lo llevamos a cabo con el mismo espíritu que nos hace avanzar cada día. El de un teatro que ya es plural, que es un lugar de encuentro, un espacio donde se abren las puertas de los sentidos para que un aire nuevo y fresco circule del escenario al patio de butacas y viceversa.

Este es el espíritu con el que se presenta esta nueva temporada de La Zarzuela: manteniendo el número máximo posible de funciones en un total de 158, que supone un incremento del 41% desde la llegada de Daniel Bianco al Teatro de la Zarzuela.

Así, la Temporada 2018/2019, cuyo primer título lírico se presentará el 4 de octubre y se extenderá hasta el 12 de julio, presenta ocho títulos líricos: cinco nuevas producciones –incluida una obra de un autor vivo: ‘La casa de Bernarda Alba’ de Miquel Ortega, en una nueva versión para orquesta de cámara–, una reposición propia, una zarzuela rescatada en versión concierto y más funciones abiertas a todos los públicos del Proyecto Zarza (zarzuela hecha por jóvenes para jóvenes).

Y este último dato no es baladí, ya que no solo se han alcanzado las 800 Tarjetas Jóvenes para usuarios de hasta 35 años, sino que en solo dos temporadas la edad del público del Teatro de la Zarzuela ha descendido en 9 años.

LÍRICA

Comenzará la temporada con 14 funciones de la opereta ‘Katiuska’ de Pablo Sorozábal coproducida por el Teatro Arriaga de Bilbao, el Campoamor de Oviedo y el Teatro Calderón de Valladolid. Firmada por Emilio Sagi, con Guillermo García Calvo en la dirección musical, escenografía de Daniel Bianco, vestuario de Pepa Ojanguren y un elenco encabezado por Ainhoa Arteta, Carlos Álvarez o Jorge de León, estará en cartel del 4 al 21 de octubre.

Tras este inicio, será el turno para la ópera española con ‘La casa de Bernarda Alba’ de Miquel Ortega. Esta ópera en tres actos, con libreto de Julio Ramos basado en la obra original de Federico García Lorca, se presentará en una inédita versión para orquesta de cámara, tal y como la ideó originalmente el compositor. La escena de esta nueva producción del Teatro de la Zarzuela estará dirigida por Bárbara Lluch, y se han programado ocho funciones del 10 al 22 de noviembre; con Rubén Fernández Aguirre como director musical, el reparto contará, entre otros, con Nancy Fabiola Herrera, Carmen Romeu, Luis Cansino, Carol García o Marifé Nogales, y tendrá a la veterana actriz Julieta Serrano como uno de sus muchos atractivos, entre los que también se incluyen la escenografía de Ezio Frigerio y el vestuario de Franca Squarciapino.

El 30 de noviembre y el 2 de diciembre el público podrá disfrutar de ‘María del Pilar’, zarzuela en tres actos de Gerónimo Giménez rescatada para la ocasión y dedicada a la memoria del recordado maestro Jesús López-Cobos, quien en principio iba a encargarse de la dirección, que ahora asumirá Óliver Díaz, director musical del Teatro. El reparto estará integrado por Carmen Solís, la polaca Iwona Sobotka,Andeka Gorrotxategi, Rubén Amoretti, Damián del Castillo, David Sánchez, Jorge Rodríguez-Norton, Marina Rodríguez-Cusí, y contará como narrador con Mario Gas. Se ofrecerá en versión de concierto con una en una adaptación del libreto original de Francisco Flores García y Gabriel Briones realizada por la joven dramaturga Maria Velasco.

A continuación, será la ópera cómica la que ocupe el escenario de la calle Jovellanos con la también recuperada  ‘El sueño de una noche de verano’ de Joaquín Gaztambide, dirigida  musicalmente por Miguel Ángel Gómez-Martínez. Para la puesta en escena de esta nueva producción del Teatro de la Zarzuela, Daniel Bianco pensó en Gustavo Tambascio, hombre de teatro puro e irremediablemente al margen de cualquier convencionalismo, a la memoria de quien están dedicadas las funciones. Finalmente será Marco Carniti quien lleve a cabo la dirección de escena de esta recuperación de la obra de Gaztambide, junto a los diseñadores que desde el principio colaboraron con Tambascio en el proyecto: Nicolás Boni (escenografía) y Jesús Ruiz (vestuario). Raquel Lojendio, María Rey-Joly, Luis Cansino, Valeriano Lanchas, Beatriz Díaz, Sandra Ferrández, Santiago Ballerini, Antoni Literes, Javier Franco, Toni Marsol o Pablo López integrarán el reparto de este título ambientado en la Roma de la Dolce vita cuyas 13 funciones irán del 25 de enero al 10 de febrero.

Uno de los títulos ineludibles de zarzuela, ‘El barberillo de Lavapiés’ de Francisco Asenjo Barbieri, llegará al escenario en otra nueva producción del coliseo. Estará dirigida en lo musical por José Miguel Pérez-Sierra, con Alfredo Sanzol, uno de nuestros más destacados dramaturgos y directores, Premio Nacional de Literatura Dramática en 2017, como creador de la puesta en escena; la escenografía y el vestuario serán de Alejandro Andújar. Borja Quiza, David Oller, Cristina Faus, Ana Cristina Marco, María Miró, Cristina Toledo, Javier Tomé, Francisco Corujo y David Sánchez compondrán el elenco en las 14 funciones que irán del 28 de marzo al 14 de abril.

La zarzuela grande estará también presente con otro de sus títulos emblemáticos: ‘Doña Francisquita’ de Amadeo Vives, y muchos son sus atractivos. El primero, que se trata de una coproducción internacional entre el Teatro de la Zarzuela, el Gran Teatre del Liceu y la Opera de Laussane, por supuesto, y como decimos, la propia obra en sí, su director de escena, Lluís Pasqual, el director musical, Óliver Díaz, el responsable de la adaptación del librero, el dramaturgo Borja Ortiz de Gondra (dos veces premio Nacional de Literatura Dramática) y los grandes nombres que conforman el doble reparto como los de Sabina Puértolas, Elena Sancho-Péreg, Ismael Jordi, José Luis Sola, Ana Ibarra o Lorena Valero. Cada una de las 15 funciones, del 14 de mayo al 2 de junio, promete ser una experiencia sublime.

La temporada concluirá con la reposición de la producción propia ‘Zarzuela en danza’, que reúne en el escenario las principales piezas dancísticas concebidas en las partituras de las zarzuelas. La obra transcurre a través de conocidas músicas de compositores geniales como Bretón, Chapí, Chueca, Barbieri, Vives, Giménez, Soutullo o Vert, y en base a un libreto firmado por el reconocido dramaturgo, poeta y actor Álvaro Tato. La dirección de escena y la coreografía pertenece a una clásica de nuestra danza como es Nuria Castejón, y el poliédrico maestro Arturo Díez-Boscovich ocupará el foso del Teatro de la Zarzuela al frente de la orquesta titular y de los cantantes Ana Cristina Marco,  Germán Olvera y Néstor Losán. Se ofrecerán 11 funciones del 25 de junio al 7 de julio.

Con la presentación de todos estos títulos el teatro seguirá siendo escaparate único de nuestra lírica, fértil y heterogénea a un tiempo.

CONCIERTOS: SALA PRINCIPAL, ‘NOTAS DEL AMBIGÚ’, CICLO LIED

Tras el éxito obtenido en las dos primeras temporadas, el CICLO DE CONCIERTOS en la sala principal incrementa su oferta, y propone 10 conciertos con algunas de las más destacadas voces de la lírica, la canción popular, el flamenco y el pop: Paco de Lucía Project, reúne al grupo que tocó con el maestro de Algeciras durante los últimos 15 años de su vida (16 de noviembre); la cantante-cantaora de duende personal e intransferible Concha Buika (1 de diciembre); Carlos Álvarez, uno de los grandes barítonos internacionales de los últimos lustros, acompañado por el maestro pianista Rubén Fernández Aguirre y con la colaboración especial de la soprano Leonor Bonilla (17 de diciembre); el tradicional Concierto de Navidad, con el Maestro Ramón Tebar como director musical, a quien acompañarán la soprano Virginia Tola, la mezzosoprano María José Montiel y el barítono Juan Jesús Rodríguez (29 de diciembre); Rosana, una de las artistas más reconocidas nacional e internacionalmente, con más de 10 millones de discos vendidos en todo el mundo (29 de enero); la pianista Rosa Torres-Pardo, reciente Premio Nacional de la Música, presentará ‘Música entre amigas’, un concierto en el que se irán sucediendo recuerdos junto con las cantantes Ana Belén, Marina Pardo o Ruth Rosique, la violinista Leticia Moreno, la cantaora Rocío Márquez, la bailaora Patricia Guerrero o la también cantante Clara Muñiz (5 de febrero); la mezzosoprano norteamericana Vivica Genaux abordará ‘Memoria de Farinelli’ junto a Les musiciens du Louvre dirigidos por Thibault Noally (9 de abril); Casa Limón and Friends, Javier Limón presentará una banda de all stars con algunos de los grandes músicos que han formado parte de esta aventura de dos décadas: Jorge Drexler, Mariza, Ainhoa Arteta, Antonio Serrano, Alain Perez, Tonina o Nella (7 y 8 de junio); el ciclo lo cerrará el guitarrista flamenco Tomatito junto a la Orquesta d la Comunidad de Madrid dirigida por su titular Víctor Pablo Pérez y con un repertorio de lujo: ‘Canciones y danzas de Dulcinea’ de Antón García Abril, ‘El amor brujo’ de Manuel de Falla y ‘Concierto de Aranjuez’ de Joaquín Rodrigo (12 de julio).

El hecho de haber colgado una temporada más el cartel de ‘localidades agotadas’ en todos los conciertos del CICLO ‘NOTAS DEL AMBIGÚ’, ha originado un nuevo incremento de los conciertos que lo componen hasta llegar a 12, más del doble que en su primera edición la pasada temporada: en esta ocasión los protagonistas serán la soprano Marina Monzó y el pianista Rubén Fernández Aguirre con ‘Manuel García’ (9 de octubre), el bajo Rubén Amoretti con ‘Tangos’ (16 de octubre), Capella de Ministrers con ‘Claroscuro’ (21 de noviembre), el pianista Ramón Grau con ‘España en un piano’ (18 de diciembre), el cantante y actor Ángel Ruiz con ‘Boleros’ (21 de enero), el espectáculo de Enrique Viana ‘Una noche en el Prado’, que se representará dos veces en el ambigú del Teatro (14 y 15 de febrero) y una en el Auditorio de la Pinacoteca (22 de febrero), el Trío Arbós con la segunda entrega de ‘Música de cámara’ (1 de abril), el barítono Joan Martín-Royo con ‘Felipe Pedrell’ (28 de mayo), la soprano Sonia de Munck con ‘Antonio Machado’ (24 de junio) y la cantante y actriz Sylvia Parejo con ‘Musicales Dorados’ (1 de julio).

Por otra parte, el CICLO DE LIED, en coproducción con el Centro Nacional de Difusión Musical (CNDM), cumplirá su cuarto de siglo de vida. Esta XXV edición ofrecerá 10 recitales: El barítono Christian Gerhaher (11 de septiembre), la mezzosoprano Ekaterina Semenchuck (8 de octubre), el bajo Franz-Josef Selig (12 de noviembre), la soprano Ainhoa Arteta (10 de diciembre), la soprano Adrianne Pieczonka (28 de enero), la soprano Dorothea Röschmann (25 de febrero), la mezzosoprano Sarah Connolly (11 de marzo), el barítono André Schuen (22 de abril), la mezzosoprano Bernarda Fink (20 de mayo) y el recitador Thomas Quasthoff, el tenor Michael Schade y el barítono Florian Boesch (3 de junio), completarán la propuesta de la nueva temporada.

PROYECTOS DIDÁCTICOS. PROYECTO ZARZA. CLASES MAGISTRALES

El Teatro de la Zarzuela continúa dando una importancia muy especial a la formación y la información para ese amplio público joven al que corresponderá llenar la sala de este teatro en el futuro y que a su vez deberá formar a la generación que le tome el relevo. “Tenemos la obligación de seducirlos y hacerles asequible la zarzuela en este siglo que nos toca”, asevera Daniel Bianco, quien lleva a la práctica su intención como muestra el hecho de que el 23% de la programación del Teatro esté dedicada a los proyectos didácticos.

El PROYECTO ZARZA, que promueve la zarzuela hecha por jóvenes para jóvenes y que tan importante éxito ha alcanzado en las dos temporadas predecesoras registrando miles de espectadores entre ‘La revoltosa’ y ‘El dúo de La Africana’, vuelve con fuerza en la nueva temporada con ‘La verbena de la Paloma’ de Tomás Bretón. Con dirección de escena del director y dramaturgo Pablo Messiez y musical de Óliver Díaz, esta nueva producción del Teatro estará representada, tal como ocurriera con los anteriores títulos del proyecto, por un grupo de jóvenes cantantes y actores elegidos tras un proceso de audiciones y acompañados por un conjunto musical de cámara. Las 14 funciones (dos más que el presente año), 7 de ellas abiertas al público general (4 más que en esta temporada), se ofrecerán del 26 de febrero al 3 de marzo de 2019.

En este punto es importante añadir que ‘La revoltosa’ de Chapí en versión libre de Guillem Clua y dirección de escena de José Luis Arellano, y ‘El dúo de La Africana’ de Fernández Caballero en versión libre y con dirección de escena de Susana Gómez, que tantos elogios vienen recibiendo, seguirán de gira por distintas ciudades españolas.

Los proyectos didácticos también destacan este año porque, gracias a ellos, el Ambigú del Teatro vuelve a tener la función de espacio de espectáculos. Tras recorrer en 2018 escenarios de toda España, volverá a nuestro Ambigú el teatro de títeres con música en directo ‘Perdida en el Bosco’, producción del Teatro de la Zarzuela en coproducción con la Compañía Claroscvro con la que en la presente temporada pasaron por el teatro más de 1.200 niños entre 6 y 9 años en solo una semana. Serán 12 funciones del 14 al 20 de enero.

Y en la nueva temporada se pondrá en marcha un concierto didáctico con el que el escenario del Teatro de la Zarzuela estará una vez más a disposición de los más jóvenes. Óliver Díaz acercará a alumnos de Primaria y Secundaria una de las obras fundamentales de la música española como es ‘El amor brujo’. Durante cuatro sesiones que se repartirán entre el 7 y el 8 de febrero, la obra de Manuel de Falla servirá de excusa no solo para conocer la joya que compuso, sino también para descubrir todos los secretos que guarda el funcionamiento de una orquesta o los entresijos de una partitura.

También enmarcado en los proyectos didácticos, la mezzosoprano Teresa Berganza,  sinónimo de historia indispensable de la lírica de este país, y de la lírica universal, ofrecerá clases magistrales a jóvenes cantantes del 13 al 19 de noviembre. La última sesión se realizará abierta al público en la sala principal del Teatro.

DANZA

En la temporada próxima la danza será protagonista a través del Ballet Nacional de España. La compañía que dirige Antonio Najarro presentará una Gala para celebrar su 40 aniversario. Esta gala estará integrada por un programa especial con varias de las coreografías más emblemáticas, o extractos de las mismas, creadas por grandes figuras de varias generaciones que han marcado la evolución de la Danza Española. Serán doce funciones del 8 al 23 de diciembre.

TEATRO MUSICAL DE CÁMARA

Otro de los ciclos que continúan y permanecen plenos de salud es el de Teatro Musical de Cámara en colaboración con la Fundación Juan March. Del 6 al 13 de mayo se presentará ‘Il Finto Sordo’ de Manuel García en una nueva coproducción entre ambas instituciones. La dirección musical de esta opera di salotto será dirigida e interpretada desde el piano por Rubén Fernández Aguirre, experto en la música del compositor y cantante sevillano que vivió a caballo entre el siglo XVIII y XIX. La dirección de escena será de Paco Azorín y el privilegiado reparto estará formado por Cristina Toledo, Gerardo Bullón, César San Martín, Carol García y Damián del Castillo. Como es habitual las representaciones serán en la Fundación Juan March.

http://teatrodelazarzuela.mcu.es/es/

Foto: El Teatro de la Zarzuela presenta su temporada 2018/2019 con el resurgir del género como una realidad. 

Se presentan el XVIII Encuentro de Santander y el XIX Concurso Internacional de Piano de Santander

Se presentan el XVIII Encuentro de Santander y el XIX Concurso Internacional de Piano de Santander

Bajo la presidencia de Rosa Eva Díaz Tezanos, Vicepresidenta de Cantabria, se ha presentado en el Palacio de Festivales la programación musical de la Fundación Albéniz para el verano de 2018 en Santander. Asistieron a la rueda de prensa, además de la Vicepresidenta del Gobierno de Cantabria: Paloma O´Shea, Presidenta-Fundadora del Concurso Internacional de Piano de Santander y de la Escuela Superior de Música Reina Sofía; Gema Igual, Alcaldesa de Santander; Francisco Fernández Mañanes, Consejero de Educación, Cultura y Deporte del Gobierno de Cantabria; el Maestro Péter Csaba, Director Artístico del Encuentro; Julia Sánchez, Directora General de la Escuela Superior de Música Reina Sofía y Miriam Díaz, Concejala de Cultura y Turismo del Ayuntamiento de Santander.

Rosa Eva Díaz Tezanos, que reiteró el apoyo del Gobierno de Cantabria a las actividades del Encuentro de Santander y el Concurso Internacional de Piano, destacó "el papel de la música como elemento de unión entre generaciones" puntualizando el hecho de que "los jóvenes talentos del Encuentro de Santander puedan trabajar diferentes disciplinas". 

Tezanos subrayó la importancia de la música "como lenguaje universal, toda una expresión de unidad, paz y convivencia que fomenta la cultura".

Por su parte, la Alcaldesa de Santander, Gema Igual destacó los muchos años en los que se ha desarrollado en la ciudad estas dos grandes citas musicales, “engrandeciendo así el panorama cultural de Santander durante los meses de verano y, en las últimas ediciones, con una colaboración que incluye también a una de nuestras puntas de lanza como es el Festival Internacional de Santander”.

El Encuentro de Santander Música y Academia, organizado por el Gobierno de Cantabria y la Escuela Superior de Música Reina Sofía, y el Concurso Internacional de Piano de Santander ofrecerán, en apenas dos meses, un centenar de conciertos en los escenarios más significativos de Santander, como son el Palacio de Festivales, el Palacio de la Magdalena, la Iglesia de Santa Lucía, el Centro Botín, y 21 localidades de la Región. El Encuentro y el Concurso, sumados a la programación del 67 Festival Internacional de Santander, contribuirán a convertir la capital cántabra en una de las citas culturales europeas imprescindible del verano de 2018.

El ENCUENTRO DE SANTANDER MÚSICA Y ACADEMIA se desarrollará entre el 1 y el 23 de julio y alcanza este año su decimoctava edición. Es una actividad docente y artística pionera en España que combina la organización de clases magistrales a cargo de importantes maestros de instrumento y música de cámara con la celebración de conciertos en toda Cantabria. Este año los 66 jóvenes músicos seleccionados para participar en el Encuentro provienen de importantes instituciones ubicadas en ciudades tales como Berlín, Bruselas, Budapest,  Helsinki, Londres, Madrid y París.

El Conservatorio Jesús de Monasterio de Santander albergará en sus aulas las Lecciones Magistrales de músicos de máximo nivel: Zakhar Bron y Mihaela Martin (violines); Nobuko Imai (viola); Frans Helmerson (violonchelo); Felix Renggli (flauta); Hansjörg Schellenberger (oboe); y Galina Eguiazarova y Márta Gulyás (pianos). Por primera vez, estarán Pascal Gallois (fagot), David Guerrier (trompa-trompeta) y Francisco Araiza (canto). Péter Csaba, Director Artístico del Encuentro, dirigirá la orquesta de cámara, Fabián Panisello el “ensemble” que se forme durante el Encuentro, y Juanjo Mena, por primera vez, hará lo propio con la orquesta sinfónica en el concierto de inauguración que se celebrará el 7 de julio en la Sala Argenta.

Por primera vez, el Centro Botín acogerá una de las citas del Encuentro. El concierto "Música para un espacio de Renzo Piano" tendrá lugar el domingo 22 de julio a las 20.30 horas en los exteriores del Centro, bajo el volumen este. El Ensemble del Encuentro, dirigido por el maestro Fabián Panisello, interpretará obras de Boulez y Schönberg y las célebres Folksongs, canciones populares, de Berio, una de las obras contemporáneas más queridas por el público. El concierto será al aire libre y estará abierto a todo el que quiera acercarse a oírlo.

Asimismo, y por segundo año consecutivo, el Encuentro celebrará un concierto en la Iglesia de Santa Lucía, un enclave en el que se conmemorará los 150 años de su parroquia.

La programación del Encuentro, de la que es responsable su Director Artístico, abordará, como siempre, el gran repertorio internacional teniendo en cuenta la efeméride de los 100 años de la muerte de Claude Debussy.

"El programa de este año presenta una agenda rica y variada en contenidos, haciendo posible el buen y delicado equilibrio en esencia entre jóvenes y los artistas-profesores que comparten escenario".  Para Csaba "el equilibrio es esencial" en este festival donde "el aprendizaje de los jóvenes músicos es la clave principal". Sobre los participantes de este año ha destacado "su elevado nivel" que será incrementado con el claustro de 14 grandes profesores de prestigio internacional. Ese conjunto de promesas y reconocidos artistas protagonizan el lema del Encuentro de Santander que hace posible que jóvenes músicos puedan llegar a compartir clases magistrales, ensayos y conciertos. Según sus palabras "el festival hace posible un aprendizaje único en una ciudad como Santander y en un región convertida en un auténtico punto de encuentro internacional".

Consulta del Dossier de Prensa del XVIII Encuentro de Santander:
http://www.encuentrodesantander.es/Documentos/Encuentro/DosierPrensaEncuentro2018.pdf

El XIX CONCURSO INTERNACIONAL DE PIANO DE SANTANDER, tendrá lugar entre el 25 de julio y el 5 de agosto en el Palacio de Festivales de Cantabria. Veinte jóvenes pianistas de doce nacionalidades, formados en escuelas y centros pedagógicos internacionales de gran prestigio, fueron seleccionados de entre las 241 inscripciones que se recibieron, y se darán cita desde el 25 de julio en la Primera Fase del Concurso. A partir del 29 de julio le seguirá la Semifinal que contará con la actuación del Cuarteto Quiroga. Por último, la Final los días 3 y 4 de agosto, dentro del marco del 67 Festival Internacional de Santander, contará con los seis últimos pianistas seleccionados, que, acompañados por la Orquesta Sinfónica de Radiotelevisión Española bajo la dirección del maestro titular Miguel Ángel Gómez Martínez, tocarán un gran concierto romántico o moderno. Todas las fases del Concurso se verán en directo en rtve.es. Asimismo, tanto la Final como la Gala de Entrega de Premios se retransmitirán por La 2 de TVE.

Como novedad de esta XIX edición, los seis participantes que no superen la fase Semifinal tendrán la oportunidad los días 2 y 3 de agosto de recibir clases magistrales de piano impartidas por el Profesor Dmitri Bashkirov, considerado por Paloma O’Shea “el mejor profesor de piano del mundo”.

En su exposición sobre el Jurado, Doña Paloma hizo un breve pero intenso recordatorio de quien hubiera sido el Presidente, Jesús López Cobos, fallecido este año. “Jesús fue uno de los músicos más grandes que ha dado España. Vino tres veces como director de la final del Concurso y, hace algunos años, dirigió una impresionante Novena de Mahler a los jóvenes músicos del Encuentro, que estoy segura recuerdan aún los aficionados a la música de Santander. Hemos sentido mucho su desaparición. Pero me consuela saber que el jurado del Concurso queda en las mejores manos. Nada menos que el gran pianista Joaquín Achúcarro quien será su presidente”. Otros integrantes serán: Samuel Holland y Jian Li (vicepresidentes); Dimitri Alexeev, Akiko Ebi, Márta Gulyás, Claudio Martínez-Mehner, Arie Vardi, Ian Yungwook Yoo y Marco Zuccarini.

El Concurso de Santander está dotado con importantes premios en metálico -cerca de 90.000 euros, a repartir entre Primero, Segundo y Tercer Premio, el Gran Premio de Santander, el premio del Público, premios de Laureado y Diplomas- y ofrece al ganador y a los finalistas una serie de actuaciones por prestigiosas salas de todo el mundo. Por su número y relevancia, estas actuaciones sobrepasan con mucho la noción de un trampolín de inicio y constituyen todo un primer tramo de carrera profesional.

El Encuentro y el Concurso de Piano cuentan con la colaboración de numerosas entidades públicas y privadas a las que Paloma O’Shea agradeció su presencia y apoyo. “Para nosotros es un verdadero privilegio poder trabajar codo con codo con la Administración en favor de la juventud y de la cultura musical. Me siento muy orgullosa de que hayamos podido captar el interés de empresas y particulares que, edición tras edición, se suman a la tarea”.

Consulta del Dossier de Prensa del XIX Concurso Internacional de Piano de Santander
http://www.concursodepianodesantander.com/documentos/DosierPrensaConcurso2018.pdf

www.encuentrodesantander.es

www.concursodepianodesantander.com

www.facebook.com/ConcursodePianodeSantander 

Foto: Autoridades durante la presentación.

CRÍTICA - Quinteto Ricercata de EY “Pinceladas humorísticas”

CRÍTICA - Quinteto Ricercata de EY “Pinceladas humorísticas”

V Ciclo de Música de Cámara
Ciudades Patrimonio de la Humanidad 

Concierto dentro del V Ciclo de Música de Cámara, en las Ciudades Patrimonio de la Humanidad de España, a cargo del Quinteto Ricercata de EY, formación integrada en los grupos de la Escuela Superior de Música Reina Sofía. Son el grupo, el flautista Juan Cossío, el oboísta Jesús Torres, el clarinetista José Prieto, el fagotista Miguel García y la trompista Jessica Rueda. Del programa, la Kleine Kammermusik Op. 24 nº 2 (Pequeña música de cámara), para quinteto de vientos, de Paul Hindemith, como obras más conocida, con sus tiempos caracterizados por un humorismo distendido y resuelto, desde el divertido Lustig. Mässig schell viertel, al vals de tintes politonales, Walser. Durchweg sehr leise. En contraposición, la serenidad del Ruhig und einfach. Achtel- Im gleicher ruhigen Zeitmass, o el brevísimo Schnelle Viertel, para concluir con el balanceo del Sehr Lebhaft.

De Arnold Malcom escuchamos las Three Shanties (Tres canciones marineras): Allegro con brío, Allegro semplice y Allegro Vivace, que destacan en su apartado camerístico, al lado del Divertimento for flute, clarinet and Oboe, o la Sonatina for clarinet and piano Op. 29, dedicada  para su amigo el clarinetista inglés Jack Thruston, en la que asoman claras influencias del jazz tradicional. La tónica general de la sesión, se mantuvo en esos parámetros, reafirmados en el Quinteto en Sol m. de Claude- Paul Taffanel, flautista y director, e interesado en repertorio camerístico. Había que adivinar los aspectos comunes entre ambos compositores sin aparente relación artística.

Julio Medaglia con Belle-Epoque en Sud-America: El porsche negro, Vals paulista y Chorinho Walter´s requinta maluca, obra dedicada al Blásserquintet de la O.F. de Berlin, que haría popular la obra. Medaglia estudió en Alemania en la Muzikhochschule Freiburg antes de volver a su país en donde realizará una importante carrera como arreglista, autor de obras para el cine y el teatro. El porche negro, un tango en sus devaneos cara al Brasil de las otras dos piezas: el Vals paulista, y el sorprendente Chorinho Walter´s Reqinta maluca, dentro de adornados virtuosismos subidos de tono, pieza que parece perfectamente ajustada para conciliar este programa en el que los músicos dan rienda suelta a sus tentaciones para lucir un excelente nivel interpretativo y técnico.    

Ramón García Balado

V Ciclo Música de Cámara- Escuela Superior de Música Reina Sofía.
Quinteto Ricercata de EY. Obras de P. Hindemith, M.Arnold, Claude-Paul Taffanel y J.Medaglia.
Claustro de San Martiño Pinario, Santiago de Compostela. 

Foto: Monasterio de San Martiño Pinario. 

Juan Diego Flórez ofrecerá un recital único en Madrid el próximo 23 de mayo

Juan Diego Flórez ofrecerá un recital único en Madrid el próximo 23 de mayo

El afamado tenor peruano presenta un completo programa que incluye algunas de las arias operísticas más famosas acompañado por el pianista Vincenzo Scalera en un concierto promocionado por Juventudes Musicales de Madrid y organizado por Ibermúsica.

El esperado recital de Flórez, que ha colgado el cartel de entradas agotadas hace días, presenta un programa variado que recorre algunas de las arias y canciones más representativas de los siglos XVIII y XIX en Europa, de Gluck a Fauré pasando por Mozart, Donizetti, Verdi y Massenet.

Juan Diego Flórez es considerado como el tenor belcantista de referencia hoy en día y uno de los tenores más influyentes en la historia de la lírica.

Su canto fluido y expresivo junto con su asombroso virtuosismo y puesta en escena aúnan el éxito en cualquiera de sus intervenciones.

El tenor ha sido galardonado con numerosos premios entre los que cabe destacar el Premio Abbiati, el Rossini d’Oro, el Bellini d’Oro, Aureliano Pertile, L’Opera Award, además de recibir el prestigioso título "Kammersänger", un galardón que en su época concedía la corte de los Habsburgo y que hoy día el Gobierno de Austria sigue entregando sólo a las mejores voces. En su país de origen fue distinguido con la Gran Cruz de la Orden El Sol del Perú, por su destacada participación en el mundo de la lírica.

Incluso el afamado Plácido Domingo declaró su admiración por Juan Diego Flórez, al decir que “es el más grande tenor ligero de todos los tiempos, máximo en su categoría”.

El concierto, promocionado por Juventudes Musicales de Madrid y organizado por Ibermúsica, supone la primera colaboración entre las dos organizaciones musicales. Además, este recital será en beneficio de las becas impulsadas por Juventudes Musicales de Madrid hace más de 25 años, un programa para ayudar a los jóvenes músicos españoles a continuar sus estudios en el extranjero.

Floréz estará acompañado por Vincenzo Scalera, miembro de la Academia de Arte y Mestieri de Milán de Teatro alla Scala. Ambos artistas se presentan por primera vez en Ibermúsica.

Miércoles, 23 de mayo de 2018, 19.30h

Sala Sinfónica, Auditorio Nacional  

INTÉRPRETES
Juan Diego Flórez, tenor
Vincenzo Scalera, piano 

PROGRAMA
W.A. Mozart
"Dies Bildnis ist bezaubernd schön", de La flauta mágica
"Si spande al sole in faccia", de Il re pastore

C.W. Gluck
"J'ai perdu mon Eurydice", de Orfeo y Eurydice
"L'espoir renaît dans mon âme", de Orfeo y Eurydice

G. Donizetti
"Vals para piano en Do Mayor"
“L’amor funesto”
“Me voglio fa na’ casa”
"Allegro io son", de Rita

G. Fauré
"Après un rêve”

J. Massenet
"Ouvre tes yeux bleus”

C. Gounod
"Salut! demeure chaste et pure”, de Fausto

J. Massenet
"Ah, fuyez douce image", de Manon

G. Verdi
"Questa o quella", de Rigoletto
"Parmi veder le lagrime", de Rigoletto
"Mercè diletti amici… Come rugiada al cespite", de Ernani 

http://www.ibermusica.es/es/conciertos/juan-diego-florez/60 

Foto: Juan Diego Flórez ofrecerá un recital único en Madrid el próximo 23 de mayo.

ABAO-OLBE cierra la 66ª temporada de ópera de Bilbao con Norma de Bellini

ABAO-OLBE cierra la 66ª temporada de ópera de Bilbao con Norma de Bellini

En el trío protagonista: Anna Pirozzi, Silvia Tro Santafé y Gregory Kunde

En escena, una coproducción de ABAO-OLBE, el Teatro Real y el Palau Les Arts ideada por Davide Livermore

En el foso la Bilbao Orkestra Sinfonikoa bajo la batuta del Maestro Pietro Rizzo

La función del 27 de mayo constituye una nueva edición de Opera Berri

ABAO-OLBE (Asociación Bilbaína de Amigos de la Ópera) clausura su 66ª Temporada de ópera con Norma, obra de madurez de Bellini y título emblemático en la historia de la lírica. Los próximos días 19, 22, 25, 27 -Opera Berri - y 28 de mayo, con el patrocinio de la Fundación BBVA, patrocinador principal de ABAO-OLBE, sube a escena este título, fusión extraordinaria de melodía sublime, desafío vocal y poder dramático. 

Esta tragedia, compendio de ritos ancestrales, conflictos, lealtades y costumbres arcanas, cuenta la historia imperecedera de una poderosa mujer que compromete sus ideales por amor para finalmente encontrarse traicionada por su amante. Para dar vida a los protagonistas de esta ópera, ABAO-OLBE ha reunido un elenco encabezado por la soprano napolitana Anna Pirozzi, quien regresa a Bilbao para debutar el papel de ‘Norma’, uno de los personajes más difíciles de interpretar en el repertorio belcantista que exige poder vocal dramático combinado con la agilidad y la técnica de una cantante de coloratura. A su lado el tenor Gregory Kunde como el romano ‘Pollione’ y la mezzosoprano Silvia Tro Santafé como ‘Adalgisa’ cierran el trío protagonista. Junto a ellos completan el cartel el bajo Roberto Tagliavini como ‘Oroveso’, la mezzosoprano Itxaro Mentxaka como ‘Clotilde’ y el tenor Vicenç Esteve como ‘Flavio’.

La parte musical está a cargo del joven maestro italiano Pietro Rizzo, quien regresa a Bilbao para al frente de la Bilbao Orkestra Sinfonikoa dirigir una partitura con enorme carga emotiva y riqueza melódica que constituye uno de los grandes legados del bel canto. La parte coral es una vez más tarea del Coro de Ópera de Bilbao, con Boris Dujin al frente.

En el escenario una coproducción de ABAO-OLBE con el Teatro Real y  el Palau de Les Arts de Valencia concebida por Davide Livermore. La acción se desarrolla en un universo atemporal, el elemento central de la escenografía es un árbol concebido como inspiración de las leyendas nórdicas del “Yggdrasil”, el árbol de la vida. Una estética épica de druidas y sacerdotisas se mueve a ritmo cinematográfico a su alrededor convirtiéndolo en el testigo de los acontecimientos que se desarrollan en la trama. Apenas provista de elementos escénicos para acentuar la teatralidad de la historia, utiliza las videoproyecciones para ofrecer una visión más profunda de los personajes y sus relaciones.

Opera Berri

La representación de Norma del 27 de mayo, conforma la duodécima edición de Opera Berri, iniciativa que ABAO-OLBE desarrolla para acercar la ópera a nuevos públicos con títulos muy conocidos y entradas que rondan el 50% de su precio habitual. En esta función retornan a Bilbao la soprano Diana Axentii como ‘Norma’ y el tenor Alejandro Roy como ‘Pollione’ y debuta la mezzosoprano Nazomi Kato como ‘Adalgisa’. El resto del cartel (dirección musical, orquesta, coro y dirección escénica) se mantiene. La función de Opera Berri comienza a las 18:00 h.

Conferencia sobre “Norma”

Con el fin de analizar, con carácter previo al estreno, los aspectos más relevantes de esta ópera de Bellini, ABAO-OLBE ha organizado una conferencia, de entrada libre hasta completar aforo, para el viernes 18 de mayo en el Auditorio del Museo de Bellas Artes (entrada por la puerta Chillida) a las 19.15 horas. En esta ocasión será Rubén Amón,  uno de los periodistas más mediáticos y reconocidos actualmente, que trabaja en el diario El País y participa habitualmente en diferentes medios radiofónicos y audiovisuales como Onda Cero, Antena3 y La Sexta. Ha publicado varios libros de diferentes temáticas como una investigación sobre Los secretos del Prado (temas de Hoy 1997), la biografía de Plácido Domingo, Un coloso en el teatro del mundo (Planeta 2012) o El triunvirato: Carreras, Domingo y Pavarotti, cuando la ópera llena estadios (Temas de Hoy 1996).

Fundación BBVA: un amplio programa para acercar al público la mejor música

La Fundación BBVA, cuyo rasgo diferencial es el impulso al conocimiento científico y la creación cultural, articula su programa de Música como un recorrido completo por las distintas formas en que la sociedad puede beneficiarse y disfrutar de esta manifestación artística, con un espacio propio en la web www.contrapunto-fbbva.es . Así, promueve la creación de obra nueva con encargos de composición y hace posible su preservación y difusión por medio de grabaciones en colaboración con sellos e intérpretes de primera línea. Fomenta la música en directo a través de ciclos de conciertos que, de forma gratuita, ponen al alcance del público ensembles y solistas de referencia en el repertorio contemporáneo. Organiza ciclos de conferencias y edita publicaciones para comprender mejor el trabajo de ciertos autores o sumergirse en el estudio de determinados períodos compositivos y lleva a la práctica proyectos de investigación y creación altamente innovadores con las Becas Leonardo en Música y Ópera.

Organiza simposios especializados sobre gestión de orquestas, colabora con formaciones musicales y teatros de todo el país —desde el Teatro Real y el Teatro de la Maestranza al Gran Teatro del Liceu, pasando por la Asociación Bilbaína de Amigos de la Ópera y la Orquesta Sinfónica de Madrid— y reconoce la excelencia a través del Premio Fronteras del Conocimiento en Música Contemporánea y el Premio de Composición Asociación Española de Orquestas Sinfónicas-Fundación BBVA.

Las representaciones de ‘Norma’ están patrocinadas por la Fundación BBVA, principal patrocinador de ABAO-OLBE y de esta ópera, que contribuye de esta manera a fomentar la cultura operística y a disfrutar de espectáculos de la máxima calidad.

http://www.abao.org/es/%C3%93pera/leer%20m%C3%A1s/114/Norma.html

Foto: ABAO-OLBE cierra la 66ª temporada de ópera de Bilbao con Norma de Bellini.

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