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Balance de 2017 ante el pleno del Consejo Estatal de las Artes Escénicas y de la Música

Balance de 2017 ante el pleno del Consejo Estatal de las Artes Escénicas y de la Música

Se consolida el excelente momento de los centros artísticos del INAEM en público y calidad

Los espectadores respaldan la programación con promedios de ocupación que alcanzan el 90% en las unidades artísticas

Este año gran parte de los esfuerzos se han concentrando en la vertebración de la cultura por todo el territorio nacional 

El IX Pleno del Consejo Estatal de las Artes Escénicas y de la Música, el más alto órgano colegiado de asesoramiento y participación del Instituto Nacional de las Artes Escénicas y de la Música (INAEM), se celebró ayer en la sede de la Secretaría de Estado de Cultura. El encuentro contó con más de 60 asistentes, entre los que se encuentran representantes propuestos por los sectores de las artes escénicas y de la música (asociaciones, federaciones y organismos del Sector), los vocales designados por el INAEM, la gran mayoría de los delegados de las distintas Administraciones Públicas con competencias en esta materia –Comunidades Autónomas y ciudades con Estatuto de Autonomía–, un miembro de la Federación Española de Municipios y Provincias, y uno de la Secretaría de Estado de Educación, Formación Profesional y Universidades.

Durante la reunión, la directora general del INAEM, Montserrat Iglesias, ha puesto de manifiesto el buen momento que viven los diferentes centros artísticos del Instituto, avalados por el apoyo creciente del público, que ha respaldado su programación con un incremento del 5% en el número de asistentes a sus sedes y un acumulado de 454.000 espectadores hasta mediados de noviembre de este año.  

La consolidación de los públicos y la calidad de la programación han sido las directrices de este 2017, que ha contado con notables incrementos tanto en el área de teatro, donde se alcanzan 180.000 espectadores en las sedes de la Compañía Nacional de Teatro Clásico (con más del 90% de ocupación en su sede) y del Centro Dramático Nacional (88% de ocupación estimada para todo 2017); como en la música, que crece un 11% respecto al año pasado con un total de 275.000 espectadores. Cifras que también se reflejan en la danza, cuyas unidades (Ballet Nacional de España y Compañía Nacional de Danza) promedian desde enero hasta octubre de 2017 más de un 90% de ocupación en sus espectáculos. Además, el sector ha contado este año con una jornada especial en la que se han debatido sus necesidades y cuyas propuestas ha entregado la Secretaría de Estado de Cultura a la Comisión que redacta el futuro Estatuto del Artista en el Congreso.

Teatro, música y danza por todo el territorio nacional

Asimismo, las unidades del INAEM siguen concentrando gran parte de sus esfuerzos en la vertebración de la cultura por todo el territorio nacional y este año han aumentado el número de giras por nuestro país. El Centro Nacional de Difusión Musical (CNDM) celebró fuera de la capital el 54% de los 199 conciertos con los que contó la temporada 16/17. Por su parte, la Compañía Nacional de Teatro Clásico (CNTC) recorrió cerca de 70 ciudades españolas y el Centro Dramático Nacional (CDN) visitó este año 16 comunidades autónomas con un total de 12 montajes en gira entre producciones propias y coproducciones. En danza, el Ballet Nacional de España suma este año 51 representaciones por una decena de localidades de nuestro país y la Compañía Nacional de Danza ha realizado giras por ciudades como Santander, Murcia, Cartagena, Palma de Mallorca y diversas localidades de la Comunidad de Madrid.

Notable también ha sido la presencia de los centros artísticos del INAEM fuera de nuestras fronteras: la CND realizó un recorrido por diversas ciudades de Corea, Austria y Francia y sumó un total de 28 representaciones internacionales. Por su parte, la Orquesta Nacional de España (ONE) afrontó este año su primera gira europea con David Afkham al frente, el Coro Nacional de España (CNE) visitó la ciudad de Oporto y el CNDM sumó las localidades de Milán, Lyon, Frankfurt, Luxemburgo y Bruselas a sus conciertos internacionales de 2017. También la CNTC sigue exportando el Siglo de Oro Español de la mano del Instituto Cervantes y el proyecto “La voz de nuestros clásicos”, con el que ya han recorrido una veintena de ciudades europeas en sus cuatro ediciones. Y el CDN, en colaboración con Cooperación Española impulsó una nueva edición de Dramatourgia, impartiendo clases formativas en EEUU, El Salvador, Guinea, Guatemala, Honduras, México y Nicaragua.  

IV edición de PLATEA

El Consejo Estatal también ha abordado el balance de la cuarta edición de PLATEA, el programa del INAEM para impulsar la circulación de espectáculos por las entidades locales. El secretario General, Carlos Fernández-Peinado, ha sido el encargado de realizar un recorrido detallado por los datos más relevantes de este año, que ha incrementado un 5% el número de representaciones respecto al año anterior, con un total de 877 funciones. Asimismo, también han aumentado el número de entidades locales participantes (de las 153 del año pasado a las 162 de 2017) y el número de compañías, con un total de 293, la cifra más elevada de las tres últimas ediciones. Además, el número medio de espectadores por función ha ido creciendo de forma progresiva y alcanzó en 2016 una media de 252 espectadores, un 11% más que en 2015 y un 34% que en 2014, donde promediaron, respectivamente, 227 y 188 asistentes por función. Asimismo, continuando con la vertiente didáctica del programa PLATEA, este año se ha celebrado la segunda edición de las Jornadas Formativas, compuestas por conferencias y mesas redondas orientadas a los gestores de teatro municipales.  

Proyectos pedagógicos e impulso de nuevos públicos

La labor divulgativa sigue siendo uno de los objetivos prioritarios de las unidades del INAEM, lo que ha permitido promover la educación y la comprensión de nuestro patrimonio y el acercamiento de la programación a las nuevas generaciones. En este sentido, el Teatro de la Zarzuela ha conseguido incrementar un 30% el número de espectadores jóvenes respecto a 2016, un crecimiento que se ha visto favorecido por el éxito de su programa pedagógico “Proyecto Zarza”, que ha congregado a 12.000 estudiantes en torno al género lírico español. También la OCNE continúa acercando la música clásica a los más pequeños con los programas “Cantamos contigo”, “Conciertos en Familia”, los talleres “Pintasonic” y los conciertos especiales “Descubre...”. Por su parte, el CNDM ha realizado más de 60 actividades educativas en la temporada 16/17 y ha ofrecido 70 conciertos gratuitos. El proyecto didáctico de la Compañía Nacional de Teatro Clásico, #PréstameTusPalabras, alcanza su tercera edición llevando a las aulas la emoción de los textos clásicos y este año ha recorrido más de una decena de institutos de educación secundaria. El CDN continúa también su labor pedagógica con el Laboratorio Rivas Cherif, la Escuela del Espectador y “Los Lunes con Voz”. En danza, los proyectos #MañanaConLaCND, #TalentoEmergente y #PlenaInclusión abren las puertas de la Compañía Nacional de Danza a estudiantes y personas con discapacidad. Por su parte, “Ven y conoce el Ballet Nacional de España” ha acercado los diversos lenguajes de la danza española a alumnos de danza y bachillerato artístico.

Nuevos miembros del Consejo Estatal

Los nuevos miembros que se incorporan al  Consejo Estatal y a los Consejos Artísticos Sectoriales en representación de asociaciones, federaciones y organizaciones del sector son: José Luis Raymond Aldecosía, como vocal representante de la Asociación de Artistas Plásticos Escénicos de España (AAPEE),  María Bayo (música), Eva María López Crevillén (danza), Miguel Ángel Berna (danza), Carlos María Aladro (teatro), María Antonia Osacar Gallego (teatro), Leandro Mendoza (circo) y José Antonio Pascual (circo).

Origen del Consejo Estatal

Creado por Real Decreto 497/2010, de 30 de abril de 2010, el Consejo Estatal de las Artes Escénicas y de la Música tiene como cometido principal en sus distintas configuraciones (Pleno, Comisión Ejecutiva y Consejos Artísticos sectoriales) favorecer la comunicación, cooperación e intercambio de opiniones en el ámbito de las artes escénicas y musicales y canalizar las peticiones y propuestas del sector en sus relaciones con la Administración General del Estado, permitiendo recoger las recomendaciones de los principales agentes y destinatarios de las políticas culturales, y facilitando la definición participativa de las prioridades en estos ámbitos artísticos.

Entre sus miembros se encuentran representantes de asociaciones y organizaciones del sector de ámbito estatal, representantes de la administración estatal, autonómica y local y una serie de vocales nombrados directamente por el Ministerio, a propuesta del INAEM, entre personas de reconocido prestigio, experiencia, o especiales conocimientos técnicos.

http://www.mecd.gob.es/portada-mecd/

Foto: Pleno Consejo Estatal 2017.

Leo Nucci ofrece en el Teatro de la Zarzuela el concierto extraordinario del XXIV Ciclo de Lied

Leo Nucci ofrece en el Teatro de la Zarzuela el concierto extraordinario del XXIV Ciclo de Lied

El lunes 18 de diciembre, el Teatro de la Zarzuela, en coproducción con el Centro Nacional de Difusión Musical (CNDM), presenta al mítico barítono Leo Nucci en un concierto extraordinario dentro del XXIV Ciclo de Lied. Nucci regresa al teatro de la calle Jovellanos después de aquel histórico concierto, hace cuatro temporadas, que permanecerá en la memoria de quienes tuvieron la fortuna de vivirlo: 45 minutos de propinas con el público completamente entregado. En esta ocasión, llega acompañado por James Vaughan al piano para ofrecer un programa compuesto por obras de Verdi, Rossini, Puccini, Tosti, Field y Buzzi-Peccia. Las entradas, con un precio general de 8 a 35 euros, ya están a la venta en las taquillas del Teatro de La Zarzuela, teatros del INAEM, www.entradasinaem.es y 902 22 49 49.

Pasada con creces la sesentena, el indestructible barítono todavía está en condiciones de emitir con prestancia, de frasear con sentido, de expresar con pasión. Muy lírico en sus orígenes, aunque siempre dotado de un timbre brillante, comunicativo y de un reconocible metal, además de una considerable extensión, el artista, nacido en una localidad vecina a Bolonia el 16 de abril de 1942, ha ido oscureciendo su color y ampliando su emisión –que realiza mediante curiosas muecas en busca de la más conveniente direccionalidad del aliento– hasta poder acometer los personajes más exigentes. Nucci aún puede dar lecciones a muchos barítonos más jóvenes de cómo ha de estudiarse y componerse un figura operística. Sea la que sea, se mete en su piel de manera casi violenta; se transmuta y deja de ser él para convertirse en otra criatura sin olvidar una línea de canto muy cuidada. Es sorprendente el mordiente que tiene todavía el artista boloñés en la zona aguda: el fa, el sol e incluso el la salen de su garganta a propulsión. Su canto, sincero y entregado, se nos ofrece a través de una actuación actoral de primera.

Nucci: un barítono legendario

Leo Nucci (Castiglione dei Pepoli, Bolonia, 1942) se  presentó por primera vez ante el público en 1967 en el Teatro Sperimentale (Adriano Belli) de Spoleto como Figaro en Il barbiere di Siviglia de Rossini. Estudió con Mario Bigazzi, completando sus estudios en Bolonia con Giuseppe Marchesi. A partir de 1977 canta el famoso título rossiniano en el Teatro alla Scala de Milán. Para este mismo teatro ha grabado Don Carlo, dos ediciones de Aida, Il barbiere di Siviglia, Simon Boccanegra, Il trovatore, Otello, Tosca, Gianni Schicchi, con directores como Claudio Abbado, Riccardo Chailly, Riccardo Muti, Lorin Maazel y Sir Georg Solti, entre otros. Su estrecha relación con esta meca de la ópera quedó registrada en 2007 con un concierto histórico con motivo de los treinta años de carrera en el Teatro alla Scala: Leo Nucci: Trenta alla Scala. Sus habituales actuaciones en el Covent Garden de Londres, la Staatsoper de Viena (donde ha cantado cerca de trescientas representaciones y ha realizado múltiples grabaciones, recibiendo la distinción como "Kammersänger" y "Ehrenmitglied"), y en el Metropolitan de Nueva York comenzaron a finales de los años 70. En  1977  cantó  por  primera vez en la Arena de Verona, donde lleva participando regularmente más de treinta años.

Hay que destacar sus interpretaciones de Rigoletto siendo, probablemente, el único barítono que ha cantado este papel verdiano en todos los teatros más importantes del mundo, con más de quinientas actuaciones oficiales (la número 500, la interpretó hace ya varios años en la Staatsoper de Viena dirigido por Jesús López Cobos). Nucci ha grabado bajo la dirección de Herbert von Karajan, Sir Georg Solti, Riccardo Muti, Claudio Abbado, Carlos Kleiber, Lorin Maazel, Riccardo Chailly, James Levine, Zubin Mehta, Carlo Maria Giulini, Giuseppe Patanè, Nello Santi, Bruno Bartoletti o Daniel Oren, entre otros, compartiendo escenario con los cantantes más improtantes del mundo de la ópera. Recientemente se ha publicado un libro dedicado a él: Leo Nucci, un baritono per caso, de Achille Mascheroni (Parma, Azzali Editore). En las últimas temporadas ha obtenido un gran éxito en el Teatro alla Scala y el Covent Garden de Londres con Nabucco de Verdi, Rigoletto en gira por Japón con la producción del Teatro alla Scala, en Simon Boccanegra e Il trovatore en el Teatro alla Scala y en La traviata en la Ópera de Múnich y el Teatro del Liceo de Barcelona.

http://www.cndm.mcu.es/es/lied/leo-nucci-baritono-james-vaughan-piano/lunes-18-diciembre-2017-2000

http://teatrodelazarzuela.mcu.es/es/temporada/ciclo-de-lied-2017-2018/recital-extraordinario-2017-2018

Foto: El mítico barítono Leo Nucci ofrece en el Teatro de la Zarzuela el concierto extraordinario del XXIV Ciclo de Lied (Copyright de la fotografía: Roberto Ricci). 

 

Josu de Solaun presenta la integral para piano de Enescu grabada en Grand Piano

Josu de Solaun presenta la integral para piano de Enescu grabada en Grand Piano

Junto al crítico Justo Romero y el editor de RITMO, Gonzalo Pérez Chamorro, el pianista Josu de Solaun presentó en La Quinta de Mahler su integral para piano dedicada a George Enescu. Tres discos que han sido recibidos por elogios por toda la crítica.

Josu de Solaun es el ganador del Primer Premio en el XIII Concurso Internacional de Piano George Enescu de Bucarest (2014), cuya lista de ganadores incluye nombres ilustres del pianismo moderno, tales como Radu Lupu y Elisabeth Leonskaja. Se trata del único español ganador del certamen en sus casi 60 años de su existencia.

Asimismo, en 2006, Josu obtuvo el Primer Gran Premio en el XV Concurso Internacional de Piano José Iturbi, siendo de nuevo el único pianista español galardonado en sus más de 30 ediciones.

En 2009, recibió el Primer Premio y Premio del Público en el Primer Concurso de Piano de la Comunidad Europea celebrado en Praga, donde fue elegido como único pianista representante de España, y donde tocó en la final con la Orquesta de la Radio Checa.

Entre sus otros galardones destacan el Helen Cohn Award y el Young Concert Artists de Nueva York, y los concursos Ricardo Viñes y San Sebastián en España.

Ha actuado como solista con orquestas como la del Teatro Mariinsky de San Petersburgo, de Orquesta de Cámara Rudolf Barshai de Moscú, Orquesta de la RTVE,  Orquesta del Teatro La Fenica de Venecia, Filarmónica George Enescu de Bucarest, Orquesta Leos Janacek de la República Checa (Orquesta de la Radio Checa), Monterey Symphony Orchestra de California, Filarmónica Paul Constantinescu de Rumanía, Real Filharmonia de Galicia, Orquesta de Valencia, Sinfónica de Euskadi, Virginia Symphony Orchestra, American Ballet Theater Orchestra de Nueva York, Filarmónica de la Ciudad de México y Orquesta Sinfónica de Bilbao, entre muchas otras.

Es graduado por la Manhattan School of Music de Nueva York, donde estudió durante 12 años bajo la tutela de la pianista rusa Nina Svetlanova y el pianista cubano Horacio Gutièrrez. En España estudió con Ricardo Roca, María Teresa Naranjo y Ana Guijarro.

Actualmente es profesor titular de Piano en la S. Houston State University de Texas (EE.UU.), labor que compagina con su intensa actividad concertística. Reside entre Nueva York y Houston.

Como recitalista, ha actuado en España, Rumanía, Rusia, Ucrania, Italia, Bulgaria, Japón, China, Taiwán, Estados Unidos, Chile, Suiza, Francia, República Checa, Holanda, Alemania, México, Reino Unido y Canadá, en salas como el Kenneddy Center de Washington, Carnegie Hall, Metropolitan Opera de Nueva York, Athenaeum de Bucharest,  Sala Silvestre Revueltas de México, Teatro Monumental de Madrid, Auditorio Nacional de Música de Madrid, Salle Cortot de París, Southbank Centre de Londres, Schumann Haus de Leipzig, Palau de la Música y Palau de les Arts de Valencia. Ha actuado como solista bajo la batuta de directores como JoAnn Falletta, Bruno Aprea, Justus Frantz, Ovidiu Balan, Alexis Soriano Monstavicius, Ramón Tébar, Max Bragado, Yaron Traub, Miguel Ángel Gómez Martínez, Paul Daniel, Constantine Orbelian y Francisco Valero, entre otros.

Enlace a críticas de la integral Enescu en RITMO:

Vol. 1:
https://www.forumclasico.es/RITMOOnLine/Discosparalahistoria/tabid/118/ID/7618/ENESCU-Obra-para-piano-vol-1-Nocturno-en-re-bemol-mayor-Pieces-impromptues-Op-18-Sonata-n-1-Op-241.aspx

Vols. 2 y 3:
https://www.forumclasico.es/RITMOOnLine/Discosparalahistoria/tabid/118/ID/9936/ENESCU-Obra-para-piano-vol-23.aspx 

Entrevistas en RITMO:

https://www.forumclasico.es/RevistaRITMO/Enportada/tabid/167/ID/7608/Josu-de-Solaun.aspx

https://www.forumclasico.es/RevistaRITMO/Enportada/tabid/167/ID/6453/Josu-de-Solaun.aspx 

Sobre Grand Piano Records:

https://www.forumclasico.es/RITMOOnLine/Connombrepropio/tabid/211/ID/13156/Astrid-Angvik-directora-de-Grand-Piano.aspx

Foto: Josu de Solaun presenta la integral para piano de Enescu grabada en Grand Piano. 

http://www.josudesolaun.com/home.html

http://www.grandpianorecords.com/ 


Electra en danza - Teatro de la Zarzuela

Electra en danza - Teatro de la Zarzuela

Crítica - Madrid

Obra ambiciosa la emprendida por el Ballet Nacional de España con su espectáculo Electra. La absorbente tragedia griega con la que el Ballet, en la era de Antonio Najarro, enfrenta su primera obra argumental completa con la dirección y coreografía de Antonio Ruz. Una apuesta en toda regla, noble y elevada, realizada ya desde los primeros atisbos de luz y plásticas coreografías congeladas de un arranque sugerente, con empaque. Para ello se ha elegido pues, un argumento griego clásico, un argumento luctuoso, lleno de enfrentamientos íntimos, sangre y tragedia, de un perturbador imaginario universal -“… la sangre llama a la sangre…”-, dándole así una visión propia que puede parecer en principio más local y, por ende, más limitada, pero que andando la representación, demuestra que no hace sino potenciar con guiños y obvios paralelismos la trascendencia del original. Al fin y al cabo la fuente mediterránea de toda inspiración, en este contexto geográfico y cultural aún vivo.

Una apuesta coreográfica en la que brillaron con luz propia, también, sus bailarines. Bailarines perfectamente caracterizados, no ya por su presencia y vestuario, sino en su selecta paleta de recursos de la danza puestos en liza, dentro de una trama, si me apuran, quizás más entrelazada y coral de lo habitual. Con un buen número de protagonistas y/o co-protagonistas, sean estos titular de la obra o escena particular, o no, o si quieren, dándolo la vuelta, con sus protagonistas, o potenciales prima-donna, un tanto diluidos por aquel bosquejo trágico. Pero esto es un acierto global que pone el énfasis en lo conceptual, en las sinergias conjuntas, más que en las obvias virtudes y bellezas potenciales que singularmente se fueron sucediendo o se intuyen tras las exigencias del guion.

Tono pues trágico, derivado de su fuente inspiradora y de la letra misma de su respetuoso argumento, que sólo se vio contrarrestado por la escena, llamémosla así, báquica de la representación. Una escena dinámica, en ligero tono cómico, con solista diferenciado, que logró despertar alguna que otra sonrisa y equilibró en cierta medida, la patente densidad de una trama, como comprenderán, y si me permiten el jocoso y “didáctico” dicho publicitario, con pocas bromas… (ninguna, vaya… que para esto los griegos eran tremendos).

La música firmada por Pablo Martín Caminero, Diego Losada y Moisés Sánchez tuvo unidad general en lo estético. Aportando tres visiones convergentes que envolvieron con eficacia la trama, dando a su vez enjundia musical diferenciada a cada escena, y, por supuesto, a la danza respectiva. Una partitura de fácil asimilación, defendida con solvencia por sus intérpretes esta noche. Intérpretes musicales entre los que destacamos, en primer lugar la cantaora Sandra Carrasco, con un extenso rol, eje de esta representación al margen del baile en sí mismo, presentado en todo momento -que fueron abundantes- con autenticidad, ajuste y natural emoción, junto con la Orquesta de la Comunidad de Madrid, dirigidos por Manuel Coves.

Una apuesta valiente y resuelta pues, en la que los aspectos de iluminación y vestuario –especialmente en su arranque y simétrico final, como dije-, se unieron a los anteriormente citados, conformando un sólido amalgama coral tan en línea con la tradición y trascendencia que trasmite el texto original. Un ballet inspirador que exige y se exige, en alentador equilibrio, concertado y concluyente, y que muestra su amplio potencial para nuevos proyectos más escorados en una u otra dirección.

Luis Mazorra Incera

Bailarines: Ballet Nacional de España (Inmaculada Salomón, Eduardo Martínez, Sergio Bernal, José Manuel Benítez, Esther Jurado, Sara Arévalo, Antonio Correderas, Juan Pedro Delgado et al.).
Dirección y coreografía: Antonio Ruz. Colaboración coreográfica: Olga Pericet. Diseño de iluminación: Olga García. Diseño de vestuario: Rosa García Andújar. Guion: Alberto Conejero. Diseño de escenografía: Paco Azorín. Atrezzo: Daniela Presta.
Sandra Carrasco, cantaora; Diego Losada, Enrique y Jonathan Bermúdez y Roberto Vozmediano, guitarras y percusión. Orquesta de la Comunidad de Madrid / Manuel Coves.
Obra (con música) de Pablo Martín Caminero, Diego Losada y Moisés Sánchez.
BNE. Teatro de la Zarzuela. Madrid.
 

http://teatrodelazarzuela.mcu.es/es/temporada/danza-2017-2018/electra-bne-2017-2018 

Foto: Electra en danza.

María José Montiel, Ramón Tebar y Ángel L. Quintana en la gira “A tempo, Il Soldato & Friends”

María José Montiel, Ramón Tebar y Ángel L. Quintana en la gira “A tempo, Il Soldato & Friends”

Salud, cultura e innovación se unen en un concierto para salvar vidas

Concierto inaugural de la gira “A tempo, Il Soldato & Friends”, cuya finalidad es salvar a niños con cáncer y enfermedades raras, utilizando la música como elemento diferencial

La mezzosoprano María José Montiel, el director y pianista Ramón Tébar, y el cellista Ángel Luis Quintana han sido los protagonistas de este acto benéfico

El recital se podrá disfrutar a partir del día 16 de diciembre en la página web de la Fundación Columbus (www.fundacioncolumbus.org) y a través del canal Orbe21, los días 24 y 25 de diciembre

El primer proyecto de la Fundación Columbus es un programa de acceso a la radioterapia de protones para niños, con el que ya colabora el Hospital Universitario Niño Jesús de Madrid

La Fundación Columbus celebró el 11 de diciembre el primer concierto de la gira benéfica “A tempo, Il Soldato & Friends”, donde salud, cultura e innovación se unieron en el Centro Cultural La Beneficencia, en Valencia.

Este primer recital lo protagonizaron la mezzo soprano María José Montiel, premio Nacional de Música 2015, el maestro Ramón Tébar, actual director de la Orquesta Sinfónica de Valencia y de la Ópera de Florida, y el cellista de la Orquesta Nacional de España, Ángel Luis Quintana, con el cello “Il Soldato”. La primera parte del concierto estuvo dedicada a la música española y latinoamericana, mientras que durante la segunda parte los artistas abordaron un selecto programa de música francesa. Todo ello estará disponible en la página web de la Fundación (www.fundacioncolumbus.org) a partir del 16 de diciembre. Asimismo, se podrá disfrutar de este magnífico recital durante los días 24 y 25 en el canal de televisión Orbe21, con motivo de su programación especial de Navidad.

La finalidad de este concierto era dar a conocer la labor de la Fundación Columbus y, a su vez, recaudar fondos para conseguir financiar el acceso a tratamientos innovadores a niños con cáncer y enfermedades raras. Para ello, cuentan con el apoyo de Global Omnium – Fundación Aguas de Valencia, la Obra Social La Caixa y Andersen Tax & Legal, que han sido los patrocinadores principales de este evento, y con quienes comparten valores y objetivos sociales.

Entre los asistentes al evento, se encontraban diferentes personalidades relacionadas con los ámbitos de la salud, la innovación y la cultura, como el Profesor Don Santiago Grisolía, presidente del Consell Valencià de Cultura; Manuel Colonques, presidente de Porcelanosa y distinguidos invitados del mundo empresarial valenciano, como Mercedes y Celia Calabuig; además de otros asistentes del ámbito cultural y musical de la provincia.

Protonterapia para niños con cáncer

En este contexto, la Fundación presentó el primer proyecto que va a llevar a cabo, que tiene como fin facilitar el acceso a la radioterapia con protones a niños enfermos de cáncer. La protonterapia es un tipo de radioterapia que tiene la ventaja de reducir considerablemente los efectos secundarios producidos por la convencional (de fotones). A pesar de ser un tratamiento ampliamente desarrollado en el resto del mundo, España no cuenta aún con centros que ofrezcan esta solución, clave en niños por su vulnerabilidad a padecer efectos adversos en sus tejidos y órganos, que se encuentran en pleno desarrollo.

La directora general de la Fundación Columbus, Ana Gómez, explicó que el primer proyecto piloto en el que están trabajando, conjuntamente con el Hospital Niño Jesús, "está dirigido a niños con tumores cerebrales y tiene como objetivo facilitar que, en los casos indicados por los especialistas, los pequeños puedan acceder al tratamiento con protones en centros europeos”. En este sentido, añadió: “La urgencia con la que estos niños deben tratarse es trascendental, ya que existe una ventana de tiempo muy determinada para que puedan obtenerse buenos resultados, y nuestra misión como fundación es la de conseguir que puedan recibir el tratamiento adecuado a tiempo”.

Sobre este proyecto, la Embajadora de la Fundación Columbus, María José Montiel, destacó: “Este es el programa benéfico más emocionante en el que he participado en toda mi vida, y supone un gran privilegio poder alzar mi voz dando amor y entrega a niños que lo necesitan”. Además, señaló: “Cantar en Valencia tiene para mí un sentido especial por los grandes amigos que tengo y que hacen que sienta esta tierra como mía”.

Por su parte, el fundador y patrono de la Fundación Columbus, Javier García, afirmó: “Para nosotros es un honor contar con artistas de la talla de María José Montiel, Ramón Tebar y Ángel Luis Quintana para este concierto. Rara vez se puede ver tanto talento musical y generosidad juntos sobre un escenario. El programa que han preparado es único y digno de las grandes salas de conciertos del mundo. Tenemos la suerte de disfrutarlo en la Beneficencia y de poder transmitirlo para que sea visto por millones de personas a través de Orbe 21 y de nuestra página web”.

Los próximos conciertos tendrán lugar en Barcelona (Casa Batlló), en la primavera del 2018; y en noviembre del mismo año en la Universidad de Georgetown, en Washington DC, este último con los mismos artistas del concierto inaugural.

Sobre la Fundación Columbus

El objetivo de la Fundación Columbus es contribuir al desarrollo de la sociedad, promoviendo y difundiendo cultura y ciencia e impulsando iniciativas sociales que permitan que tratamientos avanzados puedan ser accesibles a todas las personas que lo necesiten y, en particular, a la población infantil. Es una fundación sin ánimo de lucro, con sede social en Valencia, constituida en el Registro General de fundaciones de competencia estatal, con número de registro 1930.

www.fundacioncolumbus.org

Foto: María José Montiel, Ramón Tebar y Ángel L. Quintana en el concierto inaugural de la gira “A tempo, Il Soldato & Friends”.

Orquesta Sinfónica de Euskadi - Vuelta a la rutina

Orquesta Sinfónica de Euskadi - Vuelta a la rutina

Crítica

Después de días convulsos que se tradujeron en la huelga de la Orquesta en coincidencia con las funciones operísticas de Bilbao (Don Pasquale) la Sinfónica de Euskadi volvió a la actividad ordinaria en coincidencia con la recuperación de los conciertos de abono. El tercero de los mismos, bajo la batuta de José Miguel Pérez-Sierra tenía como elementos vertebradotes uno claro, el mar, y otro más difuso, el impresionismo pues difícilmente puede incluirse dentro de esta categoría a la obra que abría el concierto, la obertura de Der fliegende Holländer, de Richard Wagner.

Esta tuvo un inicio vibrante y un desarrollo plausible donde quizás falto algo de magia. La segunda obra, el Poema del amor y del mar, op. 19. de Ernest Chausson nos dio la oportunidad de disfrutar de la voz de la más que emergente soprano Miren Urbieta-Vega. Esta obra, que bebe de la influencia wagneriana, sirve de puente a la estética impresionista y exige a la soprano una zona grave contundente y sonora pues la partitura viaja por ella con frecuencia. Cabe decir que la soprano guipuzcoana supo mostrar una voz bien proyectada, sonora en todas sus franjas y con adecuación estilística.

La mer, de Claude Debussy cerró un breve programa (apenas sesenta minutos de música) con una exposición que no terminó de levantar vuelo; la batuta de Pérez-Sierra se esforzó pero se apreció falta de poesía en la evolución de la cuasi sinfonía debussyana. A los oyentes nos quedará la duda de las influencias que los últimos acontecimientos hayan tenido en la adecuada preparación de este concierto. El público, que casi llenaba el auditorio, dio tibia recepción al trabajo de la agrupación sinfónica, siendo más generoso con la soprano.

Enrique Bert

Auditorio Baluarte, de Pamplona. Orquesta Sinfónica de Euskadi, Obras de R. Wagner, E. Chausson y C. Debussy, con Miren Urbieta-Vega (soprano). Dirección musical: José Miguel Pérez-Sierra. 

Foto: Miren Urbieta-Vega (soprano).

 

Concierto de clausura del ciclo “Música para el Tercer Milenio” por el Sax-Ensemble

Concierto de clausura del ciclo “Música para el Tercer Milenio” por el Sax-Ensemble

El 16 de diciembre a las 12.00 y en el Salón de Actos de la Real Academia de Bellas Artes de San Fernando de Madrid, tendrá lugar el concierto de clausura del ciclo “Música para el Tercer Milenio”, programado por la Fundación Sax-Ensemble y organizado conjuntamente por la Academia y el INAEM. Interpretado por la formación íntegra del Sax-Ensemble (cuarteto de saxofones, violín, violonchelo, contrabajo, flauta, clarinete, piano y percusión), el concierto cierra la temporada del ciclo en 2017, año que el que se conmemora el 30 aniversario de la formación del grupo.

Para este importante acontecimiento, el grupo estrenará mundialmente la “Sonata  a Seis” de David del Puerto, obra dedicada al Sax-Ensemble para su 30 aniversario, así como hará el estreno en España de “Music for a Liquid Theatre” de César Camarero, obra que el Sax-Ensemble estrenó mundialmente en Oporto el mes de julio pasado, en ocasión del Congreso Europeo del saxofón. También recuperará obras de su amplísimo repertorio como son “Transverberaciones” de Juan Cruz Guevara, “Mad-Sax” de Pilar Jurado que se estrenó mundialmente en Madrid el pasado mes de octubre y “La Muerte del Héroe” de José  Nieto  para  voz  y  ensemble,  con  textos  de  poetas  árabes  antiguos,  con  la colaboración especial de la soprano Pilar Jurado.

Los intérpretes de este concierto serán: 

Santiago Serrate                 director musical
Pilar Jurado                          soprano
Francisco Martínez             director artístico y saxofón soprano
Francisco Herrero               saxofón alto
Pilar Montejano                 saxofón tenor
Rafael Fernández López    saxofón tenor
Miriam Castellanos           saxofón barítono
Emilio Robles                        violín
Pilar Serrano                        violonchelo
Germán Muñoz                    contrabajo
Maite Raga                          flauta
Luis Miguel Torres              clarinete
Duncan Gifford                    piano
Jaime Fernández                percusión
Carlos Jiménez                    percusión 

Grupo Sax Ensemble, 30 años 1987-2017 

El grupo Sax-Ensemble surge en 1987 con el objetivo de potenciar la creación y difusión de música contemporánea. Se trata de un grupo de cámara flexible integrado como base, por flauta, clarinete, violín, violonchelo, cuarteto de saxofones, piano, percusión y música electroacústica, pero que cuenta en los casos necesarios, con la participación de otros instrumentos de viento, cuerda y la voz, en muchas de sus actuaciones. En su amplio repertorio, junto a las obras tradicionales, figuran principalmente partituras de autores contemporáneos, tanto españoles como extranjeros. Su primera aparición pública tuvo lugar en el Salón Azul del Ayuntamiento de Alicante, en el concierto de presentación de los II Encuentros Europeos del Saxofón, dentro del marco del III Festival de Música Contemporánea de Alicante. Desde entonces de sus actuaciones cabe destacar las realizadas en el Centro de Arte Reina Sofía, Círculo de Bellas Artes de Madrid, Auditorio Nacional de Música, Teatro Monumental de Madrid, Teatro de la Zarzuela, V Festival de Música Contemporánea de Alicante, Festival de Música del Siglo XX de Salamanca, Festival de Música Española de León, Jornadas de Música Contemporánea de Granada, Festival Internacional de Música y Danza de Granada, Palau de la Música de Valencia, Festivales de Segovia, Málaga, Ávila, Cádiz... En Francia: “Saxophonies de Angers”, Universidad de Gap, Conservatorio de París, el Centro Georges Pompidou, y en el Centro Andre Malraux de Burdeos... En Bélgica: Jornadas Europeas del Saxofón de Dinant..., en Italia, Teatro la Fenice de Venecia, Pesaro, Ortona y Celano ... en Inglaterra Instituto de Arte Contemporáneo de Londres y Universidad de Surrey... en Canadá en la Universidad de Quebec en Montreal.

La creación y promoción de la música de nuestro tiempo, tanto para la formación inicial del grupo, que era una formación inexistente hasta entonces (cuarteto de saxofones, piano y percusión), como en múltiples plantillas con otros instrumentos, con música electroacústica, con grupos orquestales, y para la actual plantilla con 14 intérpretes, ha sido el motor de la continuidad del grupo en estos veintidós años. En 1997 fue galardonado con el Premio Nacional de Música de Interpretación, principalmente por su aportación a la música española y sus diez años de existencia en aquel momento, siendo la única vez por el momento que este premio es concedido a un grupo de cámara.

Son numerosos los autores que les han dedicado su música, e incluso algunos de ellos varias partituras, los cuales es imprescindible nombrar: Luis de Pablo, Franco Donatoni, Tomas Marco, Roman Alís, Zulema de la Cruz, María Escribano, Carlos Cruz de Castro, Manuel Seco, Jose María García Laborda, Consuelo Diez, Agustín González de Acílu, Luis Blanes, Roque Baños, Adolfo Núñez, Joseba Torre, Pilar Jurado, Enrique Muñoz, Salomé Díaz, Francisco Villarrubia, Marisa Manchado, Pedro Iturralde, Rafael Díaz, Agustín Charles, Jesús Mula, Alejandro Civilotti, Jose Manuel Berenguer, Javier Jacinto, Juan Medina, Jacobo Durán-Loriga, Carmelo Bernaola, Jesús Rueda, José Susi, Cesar Camarero, Jesús Torres, Ramón Lazcano, José M. Sánchez Verdú, Gabriel Fernández Alvez, José García Román, Manuel Angulo, Claudio Prieto, Gabriel Erkoreka, Mercedes Zavala, Sergio Blardony, José Nieto etc.. Hasta ciento treinta estrenos mundiales. Además también el Sax-Ensemble ha efectuado estrenos en España de obras de Karlheinz Stockhausen, Edison Denisov, Sofía Gubaidulina, Georges Crumb, Henri Pousser, Luis de Pablo, Cristóbal Halfter, Christian Lauba, Paul Mefano, Jean Claude Risset, Bruno Maderna, Franco Donatoni, Philip Glass...

El catálogo de discos del Grupo Sax-Ensemble tiene doce títulos en la actualidad, de autores españoles y europeos, entre los cuales cabe destacar el primer “monográfico de obras para saxofón” de autores como Edison Denisov o de Zulema de la Cruz, junto con otros monográficos de Tomas Marco, Cristóbal Halffter, Luis de Pablo, Carlos Cruz de Castro y el último que se publicara a finales de este año dedicado a Claudio Prieto. En

1993 este grupo instituyo la FUNDACIÓN SAX-ENSEMBLE gracias al apoyo y decisión de

un grupo de compositores, músicos y melómanos, con el objetivo de incentivar los encargos a compositores españoles y extranjeros y las actividades pedagógicas de alto nivel.

http://www.sax-ensemble.com/sax/

http://www.sax-ensemble.com/sax/333-concierto-de-aniversario-30-anos-del-sax-ensemble.html

Foto: El Grupo Sax Ensemble en un concierto con Luis de Pablo.

 

Gala-Concierto 25-40 y otras celebraciones del 40 aniversario de La Folía

Gala-Concierto 25-40 y otras celebraciones del 40 aniversario de La Folía

El Grupo de música barroca “La Folía” es en la actualidad la formación española de más larga trayectoria continuada  en nuestro  país dedicada  a la interpretación  histórica  (aquella  que aplica  criterios  filológicos  al empleo de instrumentos musicales en su forma de época), y también una de las más veteranas del panorama internacional.

El  pasado  21  de  noviembre  tuvo  lugar  en  el  Auditorio  Caja  de  Música  de  CentroCentro  Cibeles  del Ayuntamiento de Madrid una Gala-Concierto de 25-40 aniversario, 25 aniversario de la grabación del disco “Madrid Barroco”-Madrid  Capital Europea de la Cultura 1992, del que en su día fueron distribuidos 50.000 ejemplares, y 40 aniversario de la fundación e inicio de las actividades del grupo, en noviembre de 1977.

Con un lleno total, la Gala fue patrocinada por AIE (Artistas, Intérpretes o Ejecutantes) y grabada por Radio Clásica-RNE, actuando en ella como presentador el crítico, musicólogo y Académico de Bellas Artes José Luis García del Busto. En su contenido  musical ocupó un lugar relevante la interpretación  de obras del repertorio barroco hispano, tanto peninsular como de los virreinatos españoles de Italia y América.

Entre los autores interpretados, cabe destacar a Alessandro Scarlatti, Andrea Falconiero, José Marín, Juan Hidalgo, Gaspar Sanz, Rodríguez de Hita, Martínez Compañón y Rafael Castellanos, además de una pieza compuesta en 2010 por David del Puerto (Premio Nacional de Música 2005), contando La Folía en su elenco con Pedro Bonet (miembro  fundador,  flautas de pico y dirección),  Celia Alcedo (soprano),  Belén González Castaño (flautas de pico y percusión), Belén Bonet (violín), Aurora Martínez (viola de gamba), Pedro Bonet González (violonchelo barroco), Juan Carlos de Mulder (guitarra barroca) y Jorge López Escribano (clave).

Este  evento  marca  el comienzo  de las celebraciones  del 40 aniversario  de la fundación  del grupo,  que  se extenderán  al  resto  de  la  Temporada  2017-2018.  Entre  las  actuaciones  programadas  próximamente,  cabe destacar el programa instrumental “La Navidad en el Barroco”, que interpretará el grupo el 16 de diciembre en el Real Coliseo de Carlos III de San Lorenzo de El Escorial, así como otro concierto navideño con adición de solista vocal, “¡Tú, mi Dios entre pajas!’ (Música  hispana  para la Navidad)”,  el 19 del mismo mes en el Museo de Historia de Madrid, mientras que el 21 de marzo de 2018 La Folía actuará en la capital en el ciclo “Oriente y la música occidental” de la Fundación Juan March.

Más adelante en 2018, entre otras actuaciones, el grupo tiene prevista la realización de una gira por Italia, con un programa en torno a la música de los reinados de Carlos III en Italia y España, y otra por diversas localidades de  Japón,  con  el programa  “Namban  Ongaku”  [Música  de  los  Bárbaros  del  Sur]  (Música  de  las  rutas ibéricas hacia la India, el sureste asiático y Japón) [Más información en www.lafolia.es].

Próximos conciertos:

Sábado 16 de diciembre de 2017, 19’30

Real Coliseo de Carlos III. San Lorenzo de El Escorial (Madrid)
Concierto de Navidad

La Navidad en el Barroco

Grupo de música barroca “La Folía”
(Director: Pedro Bonet)
Pedro Bonet, flautas de pico
Belén González Castaño, flautas de pico
Aurora Martínez, viola de gamba
Juan Carlos de Mulder, archilaúd
Jorge López Escribano, clave
Obras de Corelli, Falconiero, De Visée, Delalande, Rodríguez de Hita, Nebra, Bach 

Martes 19 de diciembre de 2017, 19’00

Capilla del Museo de Historia de Madrid
(c/ Fuencarral, 78) 

Ciclo de conciertos de Navidad

“¡Tú mi Dios entre pajas!”
(Música hispana para la Navidad)
Grupo de música barroca “La Folía”
(Director: Pedro Bonet)
Celia Alcedo, soprano
Pedro Bonet, flautas de pico
Belén González Castaño, flautas de pico
Pedro Bonet González, violonchelo barroco
Jorge López Escribano, clave
Obras de Iribarren, Salas, Vaquedano, Illana, Martín, Zipoli, Salazar, Castellanos 

Miércoles 21 de marzo de 2018, 19’30

Fundación Juan March

(Retransmitido en directo por Radio Clásica-RNE)

Ciclo “Oriente y la música occidental” 

Descubriendo Oriente: misiones y embajadas
Grupo de música barroca “La Folía”
(Director: Pedro Bonet)
Pedro Bonet, flautas de pico
Belén González Castaño, flautas de pico
Calia Álvarez Dotres, viola de gamba
Jorge López Escribano, clave
Obras de Rossi, Ortiz, Cerone, Falconiero, Delalande, Destouches-Blavet, Rameau-Blavet, Couperin, Haendel, Pedrini, Corelli-Forrest, Marais, Bird, Anónimo Japón, Maral 

www.lafolia.es

Foto: Gala-Concierto 25-40 (Foto de Ángeles Filgueira)

La Revista RITMO de diciembre

La Revista RITMO de diciembre

Entrevistamos al Ministro de Educación, Cultura y Deporte, Íñigo Méndez de Vigo.

Con la navidad a la vuelta de la esquina, la revista RITMO de diciembre de 2017 ya está disponible en su número 913 (#Ritmo913), cuyo editorial del mes, Independientes y de casa, analiza los sellos discográficos independientes de música clásica en España, presenta en portada a Elena Mikhailova, “la zarina de la música”, con un espectacular reportaje gráfico firmado por Juan Carlos Vega. Destaca también la entrevista en exclusiva a Íñigo Méndez de Vigo, Ministro de Educación, Cultura y Deporte: “El talento no entiende de ideologías”.

Igualmente entrevistamos a la soprano Anita Hartig, Mimì de La Bohème en el Teatro Real, y a la soprano sudafricana Pretty Yende. Profundizamos en contenidos como el piano de última época de Brahms y el compositor Arthur Honegger.

En nuestra sección de crítica, incluimos tres secciones: conciertos, con la actualidad nacional e internacional; ópera, desde los coliseos más importantes del mundo y españoles; y crítica de discos, en pequeño y amplio formato. Nuestros discos recomendados del mes incluyen nombres como Bernstein, Thielemann o Leonskaja, entre otros.

Todos estos contenidos, además de reportajes y pequeñas entrevistas, secciones de opinión en “La gran Ilusión”, “Mesa para 4”, que invita a cuatro comensales a elegir “finales de infarto” operísticos y la tribuna libre, firmada por Ana Vega Toscano, y la sección especial dedicada a Twitter, todo, firmado por prestigiosos críticos nacionales e internacionales, forma parte del completo número navideño de diciembre de RITMO. ¡¡¡Feliz Navidad!!!

www.ritmo.es

Ángeles Blancas debuta en Bruselas con dos títulos operísticos

Ángeles Blancas debuta en Bruselas con dos títulos operísticos

La soprano madrileña empezará el año en La Monnaie con dos de las óperas más complejas del siglo XX en un doble programa: Il Prigioniero, de Dallappicola, y Das Gehege, de Rihm

Artista poliédrica y de sólida personalidad, la soprano española Ángeles Blancas se siente estimulada ante los retos difíciles. Prueba de ello es haber afrontado en los últimos años algunas de las obras maestras más complejas del siglo XX.

El repertorio centroeuropeo ha marcado su carrera en las pasadas temporadas, algo bastante inusual para un intérprete latino, siendo cada vez más solicitada internacionalmente para obras de autores como Janáček (su Kostelnička en Jenůfa dejó recientemente sin aliento al público del Teatro Massimo de Palermo) sin olvidar otras de Richard Strauss o incluso de Richard Wagner, autores que ensanchan su repertorio de cabecera.

Ahora es el turno de dos pesos pesados de la música contemporánea que asumirá en un doble programa en La Monnaie de Bruselas. Il Prigioniero, del italiano Luigi Dallappicola, y Das Dehege, del alemán Wolfgang Rihm, óperas de extrema dificultad y programadas en la misma sesión, tendrán como protagonista absoluta a Ángeles Blancas los días 16, 18, 19, 21, 23, 25 y 27 de enero de 2018. “Me he encerrado –literalmente– durante semanas para asimilar técnica y orgánicamente ambas obras, de muchísima dificultad, tanto en la parte rítmico-musical como vocal”, afirma la intérprete. En la obra de Dallappicola, uno de los primeros compositores italianos en abrazar la dodecafonía, la soprano española se meterá en el papel de La Madre; se trata de una ópera de un solo acto de gran intensidad dramática, cuya acción se desarrolla en una prisión en Zaragoza durante la época de la Inquisición. Estrenada en Italia en 1949, en España no vio la luz hasta el año 2010; Blancas lo debutó en 2014 de la mano de Antonio Pappano.

En la segunda parte de la velada se representará Das Gehege, de Rihm (1952), un compositor clave en la escena musical europea. “He descubierto con esta obra que mis límites estaban más lejos de lo que creía”, afirma la cantante; “mi personaje, Anita, es de una complejidad arrolladora y metérmelo en la piel ha sido todo una prueba de fuego; es muy exigente en todo sentido –musical y escénico¬– ya que el peso dramático recae sobre él –no hay otros roles que te permitan dar un respiro– y por eso mismo me apasiona y conmueve”, sentencia.

En La Monnaie Ángeles Blancas estará dirigida musicalmente en ambas óperas por Franck Ollu, en una puesta en escena que lleva la firma de Andrea Breth, quien para Blancas es “una directora que trabaja de un modo minucioso, muy construido y elaborado, dando sentido a cada detalle; su visión de Das Gehege es interesantísima: la psicología del personaje es de grandes contrastes y Breth saca punta tanto a su lado dramático como al cómico. En esta historia, Anita libera un águila de su jaula antes de matarla, para lo que Breth se ha inspirado en Une semaine de bonté, una serie de dibujos potentísima creada por Marx Ernst, artista fundamental del movimiento dadá y del surrealismo. En cualquier caso, ambas obras forman un díptico que explora la relación compleja y ambivalente entre una víctima y su verdugo, un tema de rabiosa actualidad”. Se trata de una coproducción entre el coliseo belga y la Ópera de Stuttgart, teatro en el que también se representarán varias funciones de este díptico durante la primavera, siempre con la artista madrileña como protagonista.

www.angeles-blancas.com

https://www.lamonnaie.be/en/program/428-il-prigioniero-das-gehege

Foto: Ángeles Blancas (© Ricardo Ríos). 

Más de 9.000 espectadores en las 8 funciones de ‘El gato montés’ en el Teatro de la Zarzuela

Más de 9.000 espectadores en las 8 funciones de ‘El gato montés’ en el Teatro de la Zarzuela

Después del éxito arrollador que supuso ‘El cantor de México’, la opereta de Francis Lopez con la que el Teatro de la Zarzuela abrió el pasado mes de octubre la temporada, el coliseo de la calle Jovellanos vuelve a estar de enhorabuena gracias a la beneplácito del público que ha permitido colgar el cartel de entradas agotadas en prácticamente todas las funciones de ‘El gato montés’.

Un total de 9.080 personas ha podido disfrutar de las 8 funciones con las que desde el 23 de noviembre y hasta el 2 de diciembre el Teatro ha celebrado los 100 años de la obra compuesta y escrita por Manuel Penella con dirección de escena de José Carlos Plaza y musical de Ramón Tebar, coreografía de Cristina Hoyos, vestuario de Pedro Moreno y dos elencos de altos vuelos: Nicola Beller Carbone, Carmen Solís, Andeka Gorrotxategi, Alejandro Roy, Juan Jesús Rodríguez y César San Martín.

http://teatrodelazarzuela.mcu.es/es/

Foto: Una escena de ‘El gato montés’ en el Teatro de la Zarzuela (foto de Javier del Real)

Sigue en directo el XII Concurso Internacional de Dirección de la Orquesta de Cadaqués

Sigue en directo el XII Concurso Internacional de Dirección de la Orquesta de Cadaqués

El XII Concurso Internacional de Dirección de la Orquesta de Cadaqués, que se celebrará entre el 11 y el 18 de diciembre, pretende llegar en esta edición al mayor número de espectadores posibles. Así, además de abrir al público y medios de comunicación todas sus pruebas en Cadaqués y Barcelona, contará con un servicio de streaming que retransmitirá en directo todas las jornadas del certamen.

El concurso, que premiará al director joven más talentoso del centenar de candidatos, es uno de los más prestigiosos del mundo. El jurado estará presidido por primera vez por Gianandrea Noseda, actual director principal de la Orquesta de Cadaqués y ganador del primer premio del certamen en 1994. Formarán parte también del jurado de esta duodécima edición: Annette Mangold, directora de planificación artística de la Filarmónica de Berlín; Nicholas Kenyon, consejero delegado de Barbican Centre; Lutz Köhler, director de orquesta; Jaime Martín, director titular de  la Orquesta de Cadaqués y de la Gävle Symfoniorkester; y Jun-ichi Nihei, presidente COO de Japan Arts Corporation. Asimismo, la Orquesta de Cadaqués integra el jurado con dos votos.

El periodo de solicitudes se cerró el pasado mes de septiembre con 301 postulantes procedentes de 50 países de todo el mundo. Un total de 47 de aspirantes han sido seleccionados directamente para la fase final y otros 52 concurrirán en la ronda preliminar, donde 10 de ellos serán elegidos para concursar. Entre los 99 candidatos hay 11 mujeres y están representadas 42 nacionalidades. El primer premio único consiste en dirigir al menos un concierto con las 38 orquestas colaboradoras a lo largo de las temporadas 2017/18, 2018/19 y 2019/20. Asimismo, el ganador estará asesorado durante un año por Alfonso Aijón, promotor musical de larga trayectoria y fundador del ciclo Ibermúsica.

El Concurso de Dirección de la Orquesta de Cadaqués se articula en cinco fases, además de la preliminar (12 y 13 de diciembre). En la primera ronda (14 y 15 de diciembre) se seleccionarán a 20 candidatos; en la segunda (sábado 16), pasarán siete concursantes; en la tercera (domingo 17, en horario matutino) el jurado tendrá que decidirse por tres aspirantes que se verán las caras en la semifinal (domingo 17, por la tarde). El duelo final tendrá lugar el lunes 18 en L’Auditori de Barcelona. Los candidatos dirigirán desde el Ensemble hasta la Orquesta de Cadaqués.  

Entre los ganadores de anteriores ediciones se encuentran, además de Noseda, Opera Awards Director del año 2016, director principal invitado de la London Symphony Orchestra y director titular de la Orquesta de Cadaqués; Vasily Petrenko (2004), actual director titular de la Royal Liverpool Philharmonic Orchestra, de la Oslo Philharmonic Orchestra y de la European Union Youth Orchestra; Michal Nesterowicz (2008), director titular de la Orquesta Sinfónica de Tenerife hasta 2017 y principal invitado de la Sinfonieorchester Basel; Lorenzo Viotti (2013), que prepara proyectos junto a la Orquesta Filarmónica Real de Londres o la Gustav Mahler Jugendorchester, entre otras producciones; Pablo González (2006), director titular de la Orquestra Simfònica de Barcelona i Nacional de Catalunya del 2010 al 2015; y Andrew Gourlay (2010), actual director titular de la Orquesta Sinfónica de Castilla y León.

Se trata de un certamen de carácter bienal, cuya primera edición tuvo lugar en 1992. En 2015 las dificultades económicas obligaron a suspender la XII edición, que se retoma en este 2017. Entre sus principales características destaca el lugar primordial que se reserva a la música contemporánea. En cada edición se ha encargado y estrenado una obra. Este año, el compositor al que se ha hecho el encargo es Gabriel Erkoreka, que ha escrito la obra Tramuntana. Entre los artistas que han participado en ediciones anteriores se encuentran Héctor Parra, Ramón Lazkano, Jesús Torres, Jesús Rueda, Xavier Montsalvatge o Cristóbal Halffter.

La Orquesta de Cadaqués, fundada en 1988, es un caso único entre las orquestas europeas y la agrupación española de mayor impacto internacional. Dispone de un sello discográfico y editorial, Tritó Ediciones. Es la única Orquesta Residente del Ciclo Ibermúsica y cuenta con un ciclo propio en el Palau de la Música Catalana, BCN Clàssics. Entre los compromisos de la Orquesta de Cadaqués más destacados de esta temporada se encuentran tres conciertos en el Großes Festspielhaus de Salzburg el pasado mes de octubre, una gira con Gianandrea Noseda en diciembre por España y Portugal y con Vladimir Ashkenazy en mayo de 2018, además de su regreso a Austria y Eslovaquia en 2019, entre otros.

http://www.orquestradecadaques.com/es/5/concurso-internacional-direccion-orquesta-cadaques

Foto: Orquesta de Cadaqués.

Josep Bros - Veinticinco aniversario en el Liceu

Josep Bros - Veinticinco aniversario en el Liceu

Crítica - Barcelona

Josep Bros quiso celebrar por todo lo alto sus veinticinco años cantando en el Liceu desde que el teatro le dio la primera oportunidad  al sustituir a un colega en Anna Bolena, al lado de la gran Edita Gruberova, pero el resultado no fue lo que todos esperábamos, ya que le pudo la emoción y la tensión de los días precedentes, y la voz no acabó de responder a los deseos del tenor. No vamos a descubrir ahora sus grandes virtudes: profesionalidad a toda prueba, canto sensitivo, técnica cuidada, fraseo expresivo, musicalidad y por encima de todo una devoción por su función artística.

El programa estaba muy bien estructurado alternando canciones italianas y catalanas con arias de ópera, L’elisir d’amore, que tuvo que interrumpir, Luisa Miller, L’arlesiana, y  romanzas de zarzuela, El último romántico, El huésped del sevillano y La tabernera del puerto, que cerraban el programa previsto, del que solo anuló Werther, sustituyéndolo por una partitura de Eduard Toldrà. Hay que agradecer a Bros su esfuerzo, pero no podemos olvidar que el cantante tiene su instrumento en la garganta, y por ello cualquier situación física  y sobre todo emocional puede afectar a su rendimiento. Felicidades Josep por todas noches inolvidables que hemos pasado oyéndote y que continúes con tu carrera, pensando que no se puede preveer lo impredecible y que circunstancias así las han pasado todos los grandes artistas.

Albert Vilardell

Josep Bros, Marco Evangelisti. Obras de Tosti, Donizetti, Gastaldon, Verdi, Denza, Cilea, Massenet, Toldrà, Soutullo y Vert, Guerrero y Sorozábal.
Gran Teatre del Liceu. Barcelona.
 

Foto: Josep Bros. 

Orquesta Freixenet / András Schiff - Un buen comienzo

Orquesta Freixenet / András Schiff - Un buen comienzo

Crítica - Madrid

El pasado jueves 27 de noviembre tuvo lugar la inauguración del actual Curso Académico de la Escuela Superior de Música Reina Sofía en el Auditorio Nacional de Música. En esta ocasión, la jornada tuvo como invitado estelar al gran maestro András Shift que, en su faceta de director, condujo a la Orquesta Freixenet con la participación de Mohamed Hiber al violín y Anastasia Vorotnaya como solista de piano, abordando un repertorio muy a la medida de este excepcional pianista y director húngaro.

    La velada dio comienzo con la interpretación del Concierto para violín Nº 5 de Mozart, conocido también como el Concierto turco. El joven violinista francés afrontó con seguridad y brío esta partitura ofreciendo una lectura clara, sonido preciso y ágil articulación a pesar de ciertos desajustes con la orquesta al inicio del primer movimiento (Allegro aperto). La Cadenza fue muy bien resuelta en los pasajes fluidos de escalas, en las dobles cuerdas y por la variedad de matices, si bien el rubato planteado por el solista a lo largo de toda la obra dio como resultado una versión algo fuera de estilo. El Adagio resultó algo rápido en tempo y el Rondeau: Tempo di Menuetto-Allegro adoleció de cierta gracilidad en la articulación rítmica y el fraseo, aunque muy acertado en su sección central. András Shift mostró en todo momento una dirección clara en contrastes dinámicos y gestualidad.

    Continuó el concierto con la Sinfonía Nº 88 de Haydn. Shift logró mejores resultados con la formación orquestal en la lectura de esta obra, mucho más ajustada, dinámica y contrastante. En el Adagio-Allegro la flauta y los oboes mostraron claridad y elegancia en el fraseo, al igual que las cuerdas en la exposición temática. El Largo discurrió con adecuado tempo siendo destacables las intervenciones del oboe con el violonchelo, así como una muy apropiada actuación de las maderas y cuerdas en cuanto a la respiración melódica. En el Minueto-Allegretto quedaron muy bien expuestas las diferentes estructuras de sus secciones, con la participación remarcable del timbal. El tema “rústico” del trío se mostró algo desdibujado por ciertas imprecisiones de afinación en las trompas y fagotes. El Finale: Allegro con spirito dio el impulso rítmico y brillantez adecuados al cierre de la primera parte de este evento, siendo muy aplaudidos director y formación por tan elocuente versión de la sinfonía del maestro austríaco.

   Continuó la velada inaugural con el Concierto para piano Nº 3 de Beethoven. Anastasia Vorotnaya atacó los primeros compases de la parte de piano del Allegro con brio con asertividad y resolución, dando empuje vital a la interpretación. La joven pianista rusa mostró una gran seguridad de ejecución, encontrando el empaste idóneo con director y orquesta a través de  una técnica muy depurada de gran  fluidez en la ejecución, suma delicadeza y energía cuando eran requeridas y precisión en los picados y las cambiantes articulaciones. Los arpegios de la Cadenza sonaron siempre equilibrados y cristalinos debido al uso muy eficiente del pedal, así como los trinos, que no perdieron en ningún momento pulso ni limpieza. La joven solista marcó desde el inicio del segundo movimiento (Largo) su carácter inequívocamente beethoveniano, con una gran sutileza de matices en la exposición. Merece resaltar la inspirada y activa intervención de la flauta solista, arropada en todo momento por las cuerdas. Finalmente, el Rondo: Allegro dio un brillante cierre al concierto, mostrando el mismo empuje vital que en sus dos movimientos precedentes y un perfecto entendimiento entre solista, formación y director.

   Como colofón a esta tan grata sesión musical de encuentros, el bis ofrecido fue la Marcha Militar de Schubert, con el mismo András Shift y Anastasia Vorotnaya en dueto al piano, y que hicieron las delicias del público. Sin duda, un maestro de lujo que los jóvenes solistas y miembros de la orquesta no olvidarán fácilmente por tan acertados resultados en esta colaboración.

Juan Manuel Ruiz

Mohamed Hiber, Anastasia Vorotnaya. Orquesta Freixenet / András Schiff. Obras de Mozart, Haydn y Beethoven.
Escuela Superior de Música Reina Sofía. Auditorio Nacional de Música, Madrid.

Foto: András Schiff en su faceta de director.

El País Vasco será el centro mundial del acordeón del 8 al 10 de diciembre

El País Vasco será el centro mundial del acordeón del 8 al 10 de diciembre

El Certamen internacional de acordeón de Arrasare cumple un cuarto de siglo

Más de 350 acordeonistas se darán cita en la localidad guipuzcoana de Arrasate para participar en tres certámenes: el XXV Certamen Internacional “Arrasate Hiria”, el XXXVIII Certamen Gipuzkoa de Acordeón y el XXX Festival Gipuzkoa de Acordeón 

Entre los días 8 y 10 de diciembre el acordeón será el protagonista absoluto en la localidad guipuzcoana de Arrasate. Allí se darán cita más de 350 acordeonistas de todo el mundo, desde los más jóvenes con tan sólo 7 años hasta algunos de los más prestigiosos profesionales del instrumento. 

Participantes de todas las edades (el 48% tienen menos de 12 años y el 7,5% son mayores de 18) y con un claro predominio de las acordeonistas, con un 62% frente al 28% de los participantes masculinos, tomarán parte, como concursantes, como concertistas o como jurado en las actividades musicales de tres certámenes con una larga historia: la XXV edición del Certamen Internacional “Arrasate Hiria”, el XXXVIII Certamen Gipuzkoa de Acordeón y XXX Festival Gipuzkoa, organizados por Hauspoz, la asociación vasca del acordeón. 

La edición de este año del Certamen Internacional “Arrasate Hiria” es especial, ya que celebra sus 25 años de existencia. A lo largo de este tiempo, se ha convertido en un referente mundial para los profesionales del acordeón. Han participado en él en torno a 500 músicos de China, Rusia, Francia, Dinamarca, Grecia, Portugal, Eslovenia, Eslovaquia, Polonia, Lituania, Serbia, Alemania, Finlandia, Inglaterra, Noruega, Italia, Kazajstán, Ucrania, Letonia, Bielorrusia, Croacia, Estonia, España, Hungría, Austria, Suecia, Cataluña, Suiza y Euskadi. Y han recibido el máximo galardón músicos de 10 nacionalidades, suponiendo un importante impulso para los intérpretes premiados. 

En la presente edición, un jurado internacional formado por prestigiosos acordeonistas entre los que se encuentran el alemán Stefan Hussong, el finlandés Mati Rantanen o el vasco Iñaki Alberdi, será el encargado de otorgar los premios entre los 15 participantes de Bielorrusia, Serbia, Rusia, Finlandia, Eslovenia, Eslovaquia, Polonia, Francia, China y España. Por primera vez en la historia del certamen tres acordeonistas españolas lucharán por los premios. 

Para celebrar el cuarto de siglo de historia de este Certamen se presenta también en esta edición el CD “Hauspoz, Accordion contemporary”, editado por el sello discográfico IBS Classical, con composiciones premiadas en otro de los concursos impulsado por Hauspoz, el de composición para acordeón Maestro Escudero, e interpretado por tres jóvenes músicos premiados en alguno de los certámenes: María Zubimendi, Ander Tellería y Olga Morral.

El XXXVIII Certamen Gipuzkoa de Acordeón contará con 27 participantes de Navarra, Aragón, País Vasco, Cataluña, Galicia, Madrid, La Rioja, Murcia, Castilla León y Cantabria, en sus tres categorías: infantil (con participantes de entre 7 años, el más joven, hasta 14 años), junior (de 14-17 años) y senior (mayores de 18 años). 

Por último, el XXX Festival Gipuzkoa de Acordeón, con un carácter formativo y no competitivo, acogerá a solistas y agrupaciones de cámara, en once categorías en función de edades y conocimientos, complementa la pedagogía básica que se imparte en las Escuelas de Música y reúne en esta edición a más de 300 participantes. 

Como complemento a los certámenes tendrán lugar otras actividades que tienen también al acordeón como protagonista, como los conciertos que acordeonista china Jianan Tian, ganadora del Certamen internacional del pasado año, ofrecerá en varios lugares de Euskadi, Aragón y Cataluña y el acordeonista ruso Friedrich Lips, una de las más grandes figuras mundiales de este instrumento, impartirá clases magistrales. 

Para Aitor Furundarena, presidente de Hauspoz “la estructura piramidal de los concursos de acordeón de Arrasate y la filosofía del concurso internacional de fomento del repertorio original y actual son factores que diferencian a Arrasate del resto de concursos a nivel internacional”.

Por su parte, el acordeonista Iñaki Alberdi, miembro del jurado del Certamen internacional, subrayó el extraordinario nivel que los participantes de este año, que han tenido que preparar como obra obligatoria del concurso una obra de un compositor español joven, Francisco José Domínguez, y cómo muchos de los premiados en ediciones anteriores están desarrollando brillantes carreras internacionales, a las que el premio en el Certámen “Arrasate Hiria” ha contribuido de forma decisiva. 

http://www.hauspoz.org/index.php/es_ES/home/INTERNACIONAL-2017 

Foto: Rueda de prensa Certámenes de acordeón Arrasate.

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