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CRÍTICA - Mediaciones

CRÍTICA - Mediaciones

Only the sound remains en el Teatro Real

La figura de la compositora finesa Kaija Saariaho (1952) ha llegado tarde al mundo de la ópera, pero ha llegado para quedarse. Según sus propias palabras el año que llegó a París tuvo la oportunidad de ver San Francisco de Asís de Olivier Messiaen, 1983, con dirección de Peter Sellars y desde entonces empezó a orientar su labor hacia la composición de óperas, a falta de otro término que pueda evitar la ambigüedad semántica que este ofrece para nombrar tanto al Orfeo de Monteverdi, como Parsifal de Wagner o títulos como el que el Teatro Real de Madrid está poniendo en escena: Only the sound remains. Tras L’amour de loin (2000), Adriana Mater (2005) y Emilie (2008), siempre con dirección escénica de Peter Sellars, llega esta ópera, que en realidad es la suma de dos, Always Strong y Feather Mantle, dos obras de teatro Noh cada una con dos personajes, que son interpretados por dos cantantes, el contratenor Jaroussky como El espíritu de un joven y en la segunda un Ángel, y el barítono norteamericano Davone Tines como Sacerdote en la primera y Pescador en la segunda, a los que se añade una bailarina, Nora Kimball-Mentzos en Feather Mantle.

Ambos obras tienen una relación: el papel de la música y del arte como mediación para el mundo del más allá, de los espíritus. En Always strong, el guerrero-laudista Tsunemasa fallece en el campo de batalla y regresa para reunirse con su laúd; en Feather Mantle, la promesa del Ángel de bailar para el pescador si le devuelve su manto simboliza la danza como punto de encuentro entre el mundo físico y el ámbito espiritual. Para los dos cantantes es una obra de gran dificultad, en primer lugar porque tienen que estar en escena permanentemente y cantando durante los 45’ del primer acto y 48’ del segundo, lo que conlleva un tremendo trabajo actoral –piénsese que un personaje de ópera del s.XIX está en escena unos 30’- 40’ de las dos horas del espectáculo: son más a repartir y además el coro y la música orquestal también cuentan para su descanso-.

Y en segundo lugar porque obviamente en el estilo compositivo de Saariaho no predomina un concepto melódico antiguo. Que Jaroussky está en un momento excepcional tanto de voz como de presencia escénica y madurez, es notorio. ¡Quién nos iba a decir que una voz surgida para intentar representar con la mayor fidelidad histórica posible a los castrati tendría una segunda oportunidad en la música contemporánea! Además la elección por parte de Saariaho de este tipo de voz para representar lo espiritual es un acierto. En cuanto a Davone Tines, justamente merecedor de la fama a la que saltó por este título, realiza un trabajo escénico impresionante, además de poseer una voz flexible y de buen color baritonal. Peter Sellars firma un trabajo excepcional en su simpleza pero plagado de detalles exquisitos, incluyendo una iluminación portentosa donde el juego de sombras amplifica el significado del texto.

El acompañamiento de las voces no es una orquesta al uso, sino que la escritura de Saariaho se ha ido esencializando, destilándose, para con maestría conseguir ser fiel a sus paisajes musicales soñados. En este caso un cuarteto de cuerda, un percusionista que debe tocar hasta doce instrumentos distintos, un cuarteto vocal, una flautista que toca hasta cuatro tipos de flauta -¡qué mejor metáfora del paso de lo terrenal a lo celestial que el uso de la flauta bajo y contralto en el primer acto para pasar en el segundo acto a la flauta habitual y el piccolo!-, y el kantele, instrumento popular de cuerda pulsada de Finlandia, además del uso de la electrónica. Gran parte de la orquestación tenía como objetivo dar forma a la escena, la creación de un paisaje sonoro lleno de reverberaciones; pocas veces se ha podido observar de manera tan clara como la música es espacio: ecos de la última voz del Ángel en la voz de soprano o mezzo del cuarteto, o uso de los altavoces para que el kantele o la percusión se distribuyeran por el espacio. Todo el trabajo es de gran finura e imaginación compositiva. Tanto Meta4, como Theatre of voices y el resto de instrumentistas estuvieron sobresalientes.

El director de la velada fue Ernest Martínez Izquierdo, no el escrito en programa Ivor Bolton, el que cual tuvo que sustituir al Directo Titular del Teatro Real a última hora por cuestiones de salud, el cual afortunadamente conoce la ópera de maravilla por haberla dirigido en París en enero y febrero de este año. Quizá con un exceso de energía en su gesto en el primer acto, que necesita menos tensión pues el tempo es más bien andante y toda la música tiene una dinámica que se sitúa entre el mezzopiano y el pianissimo, probablemente producto de la tensión necesaria en su primera función en este compromiso que significa su debut en el Teatro Real, demostró ser un cómplice ideal para los cantantes en la escena y los músicos en el foso, muy atento a prestarle su ayuda en las entradas con la expresividad de sus manos y fue más que merecedor del aplauso final. Pocos directores se hubieran atrevido a hacer esta sustitución.

Only the sound remains, no es una ópera al uso, sino un espectáculo donde cada nota, cada gesto, cada gradación de la luz tiene un significado, produciendo un resultado final de fascinación. No solo de dramas puccinianos debe vivir un amante de la ópera.

Jerónimo Marín

Only the sound remains de K. Saariaho. Teatro Real, 5/11/18
Philippe Jaroussky, El espíritu de un joven/Ángel. Davone Tines, Sacerdote/ Pescador. Nora Kimball-Mentzos, bailarina. Theatre of Voices. Meta 4 Quartet. Heikki Parviainen, percusión. Eija Kankaanranta, kantele. Camilla Hoitenga, flauta.  Peter Sellars, dirección escénica. Ernest Martínez-Izquierdo, dirección musical.

CRÍTICA - Ciclo de Lied (Teatro de la Zarzuela & CNDM)

CRÍTICA - Ciclo de Lied (Teatro de la Zarzuela & CNDM)

La magnífica solemnidad

No ha sido frecuente la presencia de bajos en el ciclo de lieder del Teatro de la Zarzuela. Hay que remontarse a 1997 a un recital del georgiano Paata Burchuladze, desde entonces solamente hemos escuchado a un cantante de esta cuerda, Franz Josef Selig, primero en un inolvidable concierto a la limón con Markus Schäfer, Christian Elsner y Michael Volle en 2016 y en el que ahora comentamos, en esta ocasión en solitario y acompañado por el extraordinario Gerold Huber al piano.

A Selig le hemos escuchado en el Teatro Real, Arkel de Pelléas et Mélisande, el Rey Marke, de Tristan und Isolde, y el Gurnemaz de Parsifal, siempre con resultados extraordinarios, pero el mundo del lied es otra cosa que el de la ópera, sin embargo, Selig ha demostrado que se desenvuelve en él, con igual o mayor desenvoltura. Su voz posee un bellísimo centro, unos graves rotundos y sonoros, sin perder calidad en la zona más aguda a la que asciende con una naturalidad sorprendente. Si a estos unimos una expresividad contenida, majestuosa, y una capacidad inusitada para el matiz, nos encontramos ante unos de los grandes del lied de nuestros días.

El recital tuvo un programa, sin concesiones, pero bellísimo y perfectamente construido con obras de Carl Loewe, Rudi Stephen y Hugo Wolff.

Decía la gran Christa Ludwig que un recital de lieder siempre debía comenzar con una obra fuerte e intensa, rechazando la idea de que se construyese de menos a más. Siguiendo este principio Selig y Huber comenzaron con la sección dedicada a las composiciones de Carl Loewe, con el arrolador Odin Meeresritt (Odín cabalgando sobre el mar) en la que se nos narra la parada del dios nórdico en la fragua del maestro Oluf para que le repare las herraduras de su caballo,  con el que se dispone a llegar hasta Noruega cabalgando sobre el mar. Un lied de tinte épico, salvaje, majestuoso. Selig y Huber nos hicieron sentir el temor del herrero y la grandeza del dios y  su desaforada carrera sobre el mar seguido por los cuervos.

Tras este vinieron el tremendo Edward, con la obsesiva repetición de la exclamación de la madre “Edward, Edward”, después Herr Oluf (El caballero Oluf) con todos los ingredientes de misterio y tragedia de una saga nórdica, el macabro Der Nächtliche Heerschau (El desfile nocturno) grandioso en su tétrica grandeza. Después la versión de Loewe de “Der Erlkönig” (El rey de los alisos), también arrollador en su angustiosa huida del maléfico monarca de los alisos. Majestuosos Selig y Huber de nuevo, en Der Pilgrim vor St. Just, traducido a nuestra lengua como “El peregrino ante San Justo” cuando, refiriéndose a Carlos V, debería haberse traducido como “El peregrino ante el monasterio de Yuste”. Para concluir la primera parte del programa con una interpretación fuera de serie de Archibald Douglas.

La segunda parte comenzó con tres Goethe Lieder de Hugo Wolf, los titulados El arpista I, II y III Donde Selig y Huber, cambiando el registro, nos transportaron a un mundo triste y desolador, en el que el bajo demostró como es capaz de desenvolverse sin problemas en un registro más íntimo.

Después escuchamos dos composiciones del malogrado compositor alemán Rudi Stephan, muerto en la Primera Guerra Mundial con 28 años. La obras seleccionadas Am Abend (Al atardecer) y Memento vivere, son de una desoladora desesperanza. Dos obras oscuras, amargas y magníficas que llevaron al paroxismo la alta tensión que presidió todo el concierto hasta ese momento. 

Después volvimos a Wolf con el meditativo y resignado Grenzen Der Menschheit  (Los límites de lo humano) para concluir con tres Abend Lieder (Paisajes nocturnos) en los que encontramos un remanso de paz, tras un viaje tan profundo como doloroso por la existencia.  Selig y Huber hicieron una verdadera demostración de su inenarrable capacidad para pasar, de un mundo feroz a otro sosegado y melancólico,  con idéntica maestría.

Como única propina, no se podían dar más  tras sesión tan intensa, Frage Nicht (No preguntes) de Hugo Wolf. Magnífico programa y magníficos intérpretes. Que repitan.

Francisco Villalba

Franz Josef Selig, Gerold Huber.
Ciclo de Lied, CNDM. Teatro de la Zarzuela, Madrid.

 

CRÍTICA - Orquesta Filarmónica de Luxemburgo - Ibermúsica

CRÍTICA - Orquesta Filarmónica de Luxemburgo - Ibermúsica

El director ascendente

Ya está en marcha la joya de la corona, el ciclo de Orquestas de Ibermúsica, con la Orquesta de Luxemburgo ofreciendo dos conciertos para las series Arriaga y Barbieri con su director titular, el ascendente Gustavo Gimeno, recién nombrado titular de la Orquesta de Toronto para próximos años, y que se presentara con esta orquesta de la que es titular en este ciclo hace dos años en este mismo mes con una brillante Consagración de la Primavera. Para esta primera velada solamente dos obras: primera parte Concierto de Violín Op.61 de Beethoven, y en la segunda la inmensa en sus emociones Quinta Sinfonía de Tchaikovsky.

Para la primera parte contamos con la noruega Vilde Frang (Oslo, 1986), que debutara en 2016 con Rattle y sus Berliner y desde entonces está siendo reclamada por las grandes orquestas y auditorios. Sus mejores virtudes son un sonido de afinación excelente y un lirismo de buena ley, como bien quedó demostrado en ese Larguetto que fue lo más memorable de su interpretación. De igual manera, el primer movimiento, con ese inconfundible e imaginativo comienzo con cinco golpes de timbal, rasgo propio del Beethoven de la época 1806-1809, fue llevado más al terreno lírico que heroico propio de los primeros movimientos, y se atendió fidedignamente al tempo marcado: Allegro ma non troppo.

Y mayor problema hubo en el balance en el tercer movimiento, Rondo, debido al débil sonido de la solista que hacía que las series de semicorcheas en el 6/8 pasaran casi desapercibidos en el momento en que estaba en el registro medio-grave. La orquesta de Luxemburgo, con una tímbrica distinta a la de otras orquestas en sus vientos por los fagotes y clarinetes, fue una generosa acompañante, y no se puede decir mayor virtud de Gimeno que el ver cómo estuvo atento en todo momento a dejar a Frang frasear y tratar de no sepultarla, obteniendo de ella el mejor de los resultados.

En cuanto a la Sinfonía nº5 en Mim Op.64, con sus cuatro movimientos que toma como modelo a la Quinta de Beethoven con ese programa ‘Per aspera ad astra’ como narración, Gustavo Gimeno encadenó los dos primeros movimientos y también los dos últimos, dejándonos únicamente un respiro a los escuchantes entre el segundo y tercer movimiento. La partitura de Tchaikovski está plagada de anotaciones en cuanto a oscilaciones en los tempi que frecuentemente son inobservadas o exageradas, pero Gustavo Gimeno tuvo el buen gusto y criterio de respetarlas de una manera orgánica, de manera que la sensación de crecimiento y respiración en los fraseos fue excepcional.

Ya desde el ataque con un unísono inmaculado de los dos clarinetes del tema del destino inicial al comienzo del primer movimiento hacía ciertas las expectativas creadas. El solo de trompa fue extraordinario, esa melodía del inicio del segundo movimiento que es la delicia y sueño de todo trompista; y de igual manera la ejecución del vals del tercer movimiento en su parte A marcando a uno, otorgó un fraseo ideal a esa música de ensueño. Únicamente, tras el inicio del Finale bien expuesto, ahora con la victoria del tema en MiM del cuarto movimiento, el Allegro vivace subsiguiente trepidó en demasía, haciendo casi imposibles las escales ascendentes de violas y cellos, y lanzado a la orquesta a una vertiginosa carrera que resolvieron sin problemas por su excelencia técnica, pero un punto menos de velocidad hubiera permitido mejor cincelado en las frases sin haber perdido nada de brillantez.

Ante la ovación imparable del público, la propina, esa joya que es la Polonesa de Eugen Onegin, puso punto final a esa deliciosa tarde musical.

Jerónimo Marín

Orquesta Filarmónica de Luxemburgo. Vilde Frang, violín. Dir: Gustavo Gimeno. Obras de Beethoven y Tchaikovsky. Auditorio Nacional de Madrid, 11-11-18. 

(Fotógrafo: Marco Borggreve)

 

Varduhi Abrahamyan debuta en el Liceu

Varduhi Abrahamyan debuta en el Liceu

La mezzo francoarmenia será la protagonista de L’italiana in Algeri

Después de interpretar a la protagonista de Carmen en París, Palermo, Atlanta, Hong Kong y Zúrich, de ser Olga de Evgeni Onegin en Toronto y de cantar La donna del lago en Marsella, la mezzosoprano francoarmenia Varduhi Abrahamyan debutará en diciembre en el Gran Teatre del Liceu como Isabella, la chispeante protagonista del primer reparto de L’italiana in Algeri, de Rossini, título que en su presentación en Barcelona retoma después de haberlo debutado en 2014 en París.

La joven cantante, que en su amplio repertorio incluye obras barrocas, belcantistas, verdianas, francesas y del siglo XX, cantó en España por primera vez, y con espléndidas críticas, en el Palau de Les Arts de Valencia en 2015 con Norma y Nabucco y al que regresó en enero de 2016 interpretando a Dalila (Samson et Dalila, Saint-Saëns).

“Debutar en el Liceu de Barcelona es como un sueño hecho realidad, ya que se trata de uno de los teatros más importantes del mundo”, afirma Varduhi, “más todavía al hacerlo con una ópera de Rossini. Sé que en el Liceu hay una gran tradición belcantista, un estilo que me encanta y que le va muy bien a mi voz. De Rossini he cantado dos de sus grandes óperas serias, como son Semiramide (en Moscú -junto a Alberto Zedda-, Montpellier y Marsella) y La donna del Lago (en el Festival Rossini de Pésaro y ahora en Marsella), además del Stabat Mater. Ahora vuelvo a interpretar una de sus aclamadas obras bufas”.

Varduhi Abrahamyan subirá al escenario del Liceu los días 13, 15, 18, 21 y 23 de diciembre en un montaje de Vittorio Borrelli y bajo la dirección de todo un especialista en el género como es el maestro italiano Riccardo Frizza. Más tarde le esperan Carmen en la Ópera de Oviedo, su primera Princesa de Éboli de Don Carlo en Las Palmas de Gran Canaria, el personaje de Siébel de Faust de Gounod en la Royal Opera del Covent Garden de Londres y su esperado regreso a la Opéra National de París como Preziosilla de La forza del destino, compañía con la que ya ha interpretado Carmen, Evgeni Onegin, Falstaff, Un ballo in maschera, el estreno absoluto de la ópera Anna Akhmatova, La dama de picas, L’incoronazione di Poppea o Giulio Cesare.

https://www.liceubarcelona.cat/ca/temporada-2018-2019/opera/litaliana-algeri 

(Fotógrafo: J. Henry Fair)

Women in Music llega a Madrid tras su éxito en el Lincoln Center de Nueva York

Women in Music llega a Madrid tras su éxito en el Lincoln Center de Nueva York

Presentamos la segunda edición de ‘Mujeres en Música, Women in Music’ anunciando el concierto que  tendrá   lugar  el  21  de  noviembre,   en  el  International  Institute,  a  cargo  de  Anna  Tonna, mezzosoprano  e  Isabel  Pérez  Dobarro,  pianista,  promotoras  del  proyecto,  junto  a  las  artistas invitadas Angelica de la Riva, soprano, y la violinista Mili Fernández.

Tras el éxito de la primera convocatoria de esta propuesta [en Madrid, mayo 2017, y Nueva York, enero 2018], el miércoles 21 de  noviembre de 2018 tendrá lugar en Madrid la segunda  edición de ‘Mujeres en Música, Women in Music’, en el International Institute (calle Miguel Ángel 8, Madrid), a las 18:00 horas*.

Una celebración del pasado y presente de las mujeres compositoras

En esta  ocasión  presentamos una perspectiva  histórica  y multigeneracional  de la creación  femenina  en Estados Unidos y España: un concierto con obras para piano, mezzo-soprano, soprano y violín compuestas por las históricas María Rodrigo, Eugenia  de Osterberger  y Amy Beach, junto a piezas  de reciente  creación,  cuyas autoras,  Anne Phillips, Jing Zhou, Pamela Sklar, Debra Kaye y Kala Pierson pertenecen a la New York Women Composers Association (E.E.U.U.); y a la Asociación de Mujeres en la Música (España) en el caso de Sonia Megías, Reyes Oteo y Amparo Fabra. Además, destacarán las composiciones de dos estudiantes del programa Very Young Composers Program de la Filarmónica de Nueva York, tal y como se hizo en la primera convocatoria de ‘Mujeres en Música, Women in Music’.

La perspectiva intergeneracional, punto clave de este proyecto, es toda una novedad en este tipo de programas, siguiendo el modelo de iniciativas desarrolladas en el ámbito de las matemáticas y las ciencias. Tanto Tonna como Pérez Dobarro consideran que la interacción entre las compositoras más jóvenes y aquellas con una carrera ya consolidada supone una oportunidad única para empoderar  a las más pequeñas,  que las inspirará para desarrollar su carrera creativa.

El  proyecto  Mujeres  en  Música, Women  in Music respaldado  de  nuevo  por  la New York  Women  Composers (Estados Unidos) y la Asociación de Mujeres en la Música (España), mantiene su objetivo de fomentar  el diálogo entre mujeres creadoras en el campo de la música clásica y continúa el esfuerzo por darles el necesario espacio para que sus voces compositivas puedan ser escuchadas a ambos lados del Atlántico.

La promoción de obras de mujeres compositoras en ambos países es extremadamente necesaria, pues existe todavía una importante desigualdad por razón de género  en este  campo.  Este  concierto  ofrece  una  plataforma  para  que  las compositoras  de  España  y Estados Unidos puedan interactuar e intercambiar ideas sobre estética musical y el impacto de sus obras, así como ayudarse mutuamente para conseguir la muy necesitada visibilidad. La presentación de las obras de niñas compositoras busca aportar una perspectiva intergeneracional al proyecto, ofrecer ejemplos positivos y promover la incorporación de las niñas a la composición clásica.

Se trata  una vez más de una colaboración entre  la New York Philharmonic (la orquesta  sinfónica más antigua de EE.UU.), la New York Women Composers, Inc., y la Asociación de Mujeres en la Música de España.

El concierto combina la música de compositoras que realizaron su trabajo  entre  finales del siglo  XIX y la primera mitad del siglo XX, tanto en Estados Unidos como en España. Destaca Amy Beach, poco conocida fuera del ámbito anglosajón. Sonará también la música de Eugenia Osterberger,  interesante figura de la cultura gallega, intelectual, amiga de Pardo Bazan, y la de María Rodrigo, que tan involucrada estuvo en el Lyceum Club, compañera  de María Lejarraga  y Zenobia  Camprubí  en  los principios  del  movimiento  feminista  en  España.  Movimiento  que  dio  sus primeros pasos precisamente en el edificio del presente  International Institute en cuyo salón de actos tendrá lugar este concierto.

Por  otro  lado,  se  recorren  distintas  estéticas  y poéticas  en  la  composición  musical  actual,  a  través  de  las composiciones  de  nueve  autoras  actuales,  españolas  y norteamericanas,  y como  hecho  muy  remarcable,  se presentará la música de dos jovencísimas autoras  que estudian  en el programa  que desarrolla la Filarmónica de Nueva York en apoyo de la igualdad de género en la composición musical.

* entrada libre hasta completar aforo

https://www.iie.es/event/women-in-music-a-cultural-dialogue-between-the-united-states-and-spain/?fbclid=IwAR3Ek8xWDYlT_UxHQRlUBaKizKP-Ep7_k6xc-RAhs_cHswHfymFWmFeouBM

http://www.annatonna.com/

https://www.facebook.com/isabelperezdobarro/

https://angelicadelariva.com/about

https://about.me/mili.fernandez 

El sábado 24 de noviembre arrancará el XXII Festival de Música Antigua de Úbeda y Baeza

El sábado 24 de noviembre arrancará el XXII Festival de Música Antigua de Úbeda y Baeza

Este año el FeMAUB 2018 despega de la mano de un conjunto de coros formado por casi 90 niños (Schola Pueri Cantores de la Catedral de Granada, Escolanía de la Catedral de Jaén, CEMMEC Ensemble y Capilla Musical de los Seises  de  El  Salvador  de  Úbeda) que serán los encargados de romper el hielo, cantando en el concierto inaugural que se celebrará a las 20:30h en la Catedral de Baeza. Sin duda se trata de un momento único en la historia del Festival.

Las voces de los pequeños se unen para proponernos un apasionante viaje por Europa en el que visitaremos cuatro países, correspondientes a la estructura del programa: España, Inglaterra, Alemania e Italia.

Este no es solo un viaje geográfico, sino también en el tiempo.

A lo largo de la noche, se realizarán diferentes paradas para disfrutar primero de la música del Renacimiento, con Morales y Guerrero, y acabar en la era barroca, con grandes obras como   la   cantata   de   Bach Christ   lag   in   Todes   Banden (con una   adaptación   del   texto especialmente preparada para este concierto) o el famosísimo, pero no tan frecuentemente interpretado, Miserere de Allegri, coqueteando incluso con repertorios contemporáneos a su paso por Inglaterra.

Para + Info, haga "clic" aquí.

www.festivalubedaybaeza.com 

Foto: Catedral de Baeza.

CRÍTICA - 27 Semana de Música de Medina del Campo

CRÍTICA - 27 Semana de Música de Medina del Campo

8 Conciertos variados programó esta 27ª edición de la Semana medinense, cuyo ordinal dice ya bastante de su mérito intrínseco. En un nivel general sobresaliente cubierto con llenos en todas sus sesiones, destacamos como estrellas de la Semana al pianista vallisoletano Juan Carlos Fernández Nieto, reciente ganador del Premio del Público en el Internacional de Santander, del 56º de Jaén o triunfador en el Carnegie Hall con la Orquesta de Cámara de NY, con quienes volverá en la próxima temporada. La otra fue el Coro de Jóvenes de Madrid, con Juan Pablo de Juan al frente, que brillaron en la IX Sinfonía de Beethoven, mostrando una excelente preparación vocal que permitió a los 73 componentes presentados, salvar con facilidad los escollos de ataque y tesitura que plantea la partitura, en particular las sopranos.

Juan Carlos mostró más que consolidadas las  virtudes que ya tenía en su juventud y que no le fueron reconocidas, obligándole a exilarse a USA para sobrevivir y labrarse una brillante carrera reconocida y laureada allí, en Londres o Alemania. Su mano izquierda sigue siendo un prodigio de fuerza contenida y exactitud, sobre la que cimenta su pianismo sólido, expresivo, con un sonido fulgente y conocimiento profundo de lo que toca. Señalamos las 3 piezas que presentó del gallego Fernando Buide (1980), compañero suyo en Yale: Pico Sacro (sobre la leyenda del Apóstol), Bocetos (bonitos temas y rítmica y coloreada 2ª sección) y misterioso Preludio (avanzado en su estructura pero perfectamente audible con gusto).

Además hizo las 5 Escenas del Carnaval de Viena, op. 26 de Schumann, como su autor definió: “imágenes de fantasía”, cerradas con el alocado final vivacísimo arrebatador en Si b. M. como eje global. De Saint-Saëns ofreció los Valses op. 120 y op. 104, “Lánguido” y “Linda”, de ambiente Cairota, ligero y transparente el 1º y con mucha finura el 2º; y las 6 Bagatelas, op. 3, exigentes de técnica servidas sin fisuras y con detalle. Debussy se presentó con Jardines bajo la lluvia, 3ª de sus Estampas, virtuosa con sus ecos de canciones infantiles francesas. Deslumbrante final con la equilibrada, matizada y explosiva a la vez, versión de la Polonesa “Heroica”, op. 53 de Chopin donde exhibió su amplia panoplia de recursos, sabiamente utilizados, que hizo estallar la Sala.

Iñigo Pírfano, de memoria y con entusiasmo, condujo a una profesional OSCyL que colaboró en sacar adelante la “9ª” por excelencia, librando caídas de tensión en el pulso o problemas de equilibrio sonoro; hubo buenos momentos en el Adagio y demasiado pianísimo de cellos en el inicio de un Final, que afortunadamente contó con un Coro que estuvo muy acertado, como ya se ha dicho, y con un cuarteto solista justito para tal menester. Afortunadamente, la obra casi se sostiene sola y el público la pudo disfrutar braveando a los Jóvenes.

José María Morate Moyano

27ª Semana Internacional de la Música. J. C. Fernández Nieto, piano / OSCyL, Coro de Jóvenes de Madrid, J. Pablo de Juan; Friedhoff, Olabarría, Cantolla, Villoria; Íñigo Pírfano.
Auditorio Municipal de Medina del Campo (Valladolid). 

Foto: Juan Carlos Fernández Nieto, piano.

CRÍTICA - Imágenes para “La consagración”

CRÍTICA - Imágenes para “La consagración”

(Madrid - Naves del Matadero)

Estrenado en París en 2013 con motivo de la celebración del centenario del estreno de la partitura, la propuesta La consagración de la primavera - una ilustración incidental, supone un espléndido diálogo entre la música de Stravinsky y las ilustraciones del dibujante de cómics aragonés Sagar Forniés. En el paradigma eminentemente audiovisual que domina estas primeras décadas del siglo XXI se hacen necesarias intervenciones que formulen declinaciones creativas de un encuentro que siempre parece ganado –de los videojuegos a los espectáculos de la música comercial– por la lógica perversa del capital. Propuestas como ésta suponen una alternativa que, a la vez que pueden estimular la creación de nuevos públicos –ésta era sin duda una inmejorable oportunidad de acceder a la creación stravinskyana para un público infantil y juvenil– sirven para repensar los modos de encuentro entre las artes plásticas y la música.

Uno de los grandes aciertos de esta iniciativa era, precisamente, eludir toda espectacularidad a favor de una resolución técnica en las que la huella manual que el trazado, a la vez sintético y detallado, del dibujante Sagar, era paralela a una proyección contínua muy similar a los panoramas móviles del siglo XIX. Esta suerte de guiño a la arqueología de los media permitía así una recepción reposada, que no anulaba ni se imponía a la dimensión sonora ¡y sin duda también visual, por mucho que el público habitual esté acostumbrado a ello! de una gran orquesta interpretando una obra de la entidad de La consagración de la primavera.

La proyección estaba concebida como un recorrido desde el inicio de la vida en la tierra –evidente en ese sentido la herencia de Fantasía de Disney– hasta el apocalipsis y la catástrofe ecológica derivados de la sobreexplotación humana de los recursos naturales. Una breve imagen final que recuperaba la del inicio apuntaba un ritmo cíclico y, con ello, una mínima esperanza de continuidad. Al frente de la Orquesta del Teatro Real, Nacho de Paz, un director cuya presencia debería ser más frecuente en los escenarios españoles, planteó una versión contundente, de enorme vigor rítmico e inmediatez expresiva, perfectamente planificada y que no se intimidó ante las evidentes dificultades acústicas del espacio sino que, por el contrario, supo aprovecharlas: las sonoridades al borde de la saturación se aliaban con el escenario industrial de las Naves del Matadero para acentuar la singularidad del concierto.

David Cortés Santamarta

Naves del Matadero, Madrid.
La consagración de la primavera, de Igor Stravinsky.
Ilustración incidental: Sagar.
Orquesta del Teatro Real, Madrid. Dir: Nacho de Paz21-10-18. 

La casa de Bernarda Alba, en el Teatro de la Zarzuela

La casa de Bernarda Alba, en el Teatro de la Zarzuela

Porque el Teatro de La Zarzuela tiene amplitud de miras para apoyar el patrimonio musical vocal español en toda su variedad, el próximo estreno que presenta al público es el estreno de la versión camerística de la ópera La casa de Bernarda Alba, de Miquel Ortega.

mbre hasta el 22 de noviembre (8 funciones) el espectador podrá entrar en esa casa cerrada, opresiva y trágica que ideó Lorca para hablar de unos conflictos familiares universales, que superan las barreras de lo local o testimonial para transformarse en arquetipos, en mitos hechos teatro, y en esta ocasión, transformados en voces que cantan una tragedia aún no superada.

Miquel Ortega, músico con larga trayectoria como director de orquesta, especialmente en repertorios operísticos, es también un compositor reconocido desde hace tiempo. Autor de obras de cámara, sinfónicas, de canciones y óperas, su interés por la obra de Lorca se despertó a muy temprana edad, cuando ya en el instituto tuvo la certera idea de que dentro de La casa de Bernarda Alba se escondía una ópera.

La prueba de ello es que esta pieza dramática ha tenido 10 versiones anteriores volcada en pentagramas, siendo la más conocida la de A. Reimann en 2000. Pero la obra de M. Ortega es la primera en lengua castellana. Si bien el compositor escribió y estrenó esta ópera en Rumanía (2007) para orquesta sinfónica, desde los inicios de su composición pensó en una versión camerística, que es la que finalmente se estrena por primera vez en el Teatro de La Zarzuela. ‘Me gusta la versión camerística porque le da un aire expresionista cercano a la escuela alemana del siglo XX que le va muy bien a esta historia’ comenta el propio Ortega, quien reconoce la influencia de Britten y sus óperas de cámara (con su capacidad a la hora de plasmar todos los colores de la orquesta) a la hora de orquestar esta versión reducida. El compositor está convencido de que la tonalidad y la melodía no han muerto y reivindica esta creencia desde sus obras.

El libreto corre a cargo del desaparecido Julio Ramos, y, aunque con ligeras modificaciones, se mantiene fiel al texto de Federico García Lorca. De la dirección musical se encarga el propio compositor, con la inestimable colaboración del pianista Rubén Fernández Aguirre, mientras que de la dirección artística es responsable Bárbara Lluch, nieta de Nuria Espert (dato relevante, por cuanto, en palabras de la propia Lluch ‘Lorca ha sido siempre un invitado invisible en la casa de mi familia’); la escenografía corre a cargo de Ezio Frigerio y los figurines de Franca Squarcipiano, en una nueva colaboración de ambos profesionales con el Teatro de La Zarzuela tras La tabernera del puerto de la temporada pasada.

Catorce solistas de la Orquesta de la Comunidad de Madrid y miembros del Coro Titular del Teatro de la Zarzuela acompañarán el siguiente reparto de voces: Nancy Fabiola Herrera (Bernarda), Carmen Romeu (Adela), Carol García (Martirio), Marifé Nogales (Amelia), Belén Elvira (Magdalena), Berna Perlas (Angustias) y Milagros Martín (criada). Luis Cansino (barítono) como Poncia será la octava ‘mujer’ en este drama, una arriesgada decisión artística que cobra pleno sentido por el carácter del personaje, el único que se enfrenta a Bernarda de frente. La novena mujer que sufre y pena entre las paredes de la casa de Bernarda será interpretada por la actriz Julieta Serrano, último Premio Nacional de Teatro, quien se mete en la piel de María Josefa, madre de Bernarda, único personaje que no canta en la ópera de Ortega.

Un reparto formado por voces en su mayoría graves, una decisión compositiva que tomó Ortega desde que comenzó a idear la música para esta obra, a principios de los años 90. Ortega es un compositor que conoce a la perfección un instrumento tan delicado como la voz, y cada una de sus protagonistas (todas lo son en esta ópera) tienen líneas musicales adecuadas a su rango vocal, en ocasiones llevadas a su límite, pero sin sobrepasar lo imposible.

La casa de Bernarda Alba es una de las obras más importantes, no solo del teatro de García Lorca, sino del teatro español del siglo XX, y posiblemente, de todas las épocas. El drama que se desarrolla en el angosto ámbito de ese gineceo que Lorca acierta de describir con su genio, permite una multiplicidad de lecturas, que van de lo local a lo universal. Ortega ha intentado en su aproximación musical ofrecer una Bernarda lo más cercana posible a la mujer que retrata García Lorca, quien señaló que ‘estos tres actos tienen la intención de un documental fotográfico’. En esa línea el compositor intenta crear una especie de banda sonora y recrea una Bernarda (y los demás personajes) muy dramática, casi trágica, con una música que enfatiza esa tragedia. Rubén Fernández Aguirre, que fue el destinado a dirigir este estreno hasta que por honestidad profesional dio un paso atrás para que la dirigiera Ortega, destaca que, en su opinión, lo más importante de esta producción es lo que sucede en el foso de la orquesta, la música instrumental de esta ópera como décimo personaje de la obra, en el que se recrean todos los personajes y la propia ambientación, narrando continuamente la acción dramática.

La función del día 18 será retransmitida por Facebook Live, iniciativa que ya ha tenido un gran apoyo en las dos anteriores ocasiones en que se hizo (24 horas mintiendo y Katiuska).

por Blanca Gutiérrez

Autor - Federico García Lorca
Adaptación - Julio Ramos
Música - Miquel Ortega
Dirección musical – Miquel Ortega
Dirección de escena - Bárbara Lluch
Escenografía - Ezio Frigeri
Vestuario - Franca Squarciapino
Iluminación - Vinicio Chei
Orquesta – Solistas de la Orquesta de la Comunidad de Madrid
Coro -Miembros del Coro Titular del Teatro de la Zarzuela

Reparto:

Bernarda Alba - Nancy Fabiola Herrera
Adela - Carmen Romeu
Poncia- Luis Cansino
Martirio - Carol García
Amelia - Marifé Nogales
Magdalena - Belén Elvira
Angustias - Berna Perles
Criada - Milagros Martín
María Josefa - Julieta Serrano

http://teatrodelazarzuela.mcu.es/es/temporada/lirica-2018-2019/la-casa-de-bernarda-alba-2018-2019 

La Orquesta de Cadaqués interpretará la Sinfonía n. 9 de Beethoven en la temporada 49 de Ibermúsica

La Orquesta de Cadaqués interpretará la Sinfonía n. 9 de Beethoven en la temporada 49 de Ibermúsica

La Orquesta de Cadaqués interpretará la Novena Sinfonía de Beethoven junto a Antoni Wit y el Coro Estatal de Letonia el próximo 20 de noviembre en la temporada 49 de Ibermúsica

El violinista Ray Chen se presenta en el ciclo con el Concierto para violín y orquesta de Mendelssohn y el cuarteto solista en la obra de Beethoven estará integrado por Christiane Libor, Olesya Petrova, Timothy Richards y Stephan Klemm

El concierto comenzará a las 19.30h en la Sala Sinfónica del Auditorio Nacional de Música de Madrid con la interpretación solista de Ray Chen del Concierto para violín de Mendelssohn.

Ganador de dos de los concursos más importantes para violín del mundo: Yehudi Menuhin y Reina Elisabeth, Chen redefine la concepción del intérprete de música clásica en el siglo 21. Su manera de inspirar e implicar al público no sólo a través de sus conciertos sino por medio de las redes sociales hace que tenga miles de seguidores en todo el mundo. Para debut con la Orquesta de Cadaqués, que es también su presentación en Ibermúsica, el violinista taiwanés-australiano ha seleccionado el concierto que le llevaría a ganar el Concurso Reina Elisabeth en 2009 y que grabaría en su presentación discográfica como solista con orquesta 3 años más tarde.

En la segunda parte, podremos escuchar a la Orquesta de Cadaqués, cuya gira europea junto a Vladimir Ashkenazy el pasado mes de octubre resultó todo un éxito, interpretando la colosal Sinfonía núm. 9 de Beethoven junto al Coro Estatal de Letonia y bajo la dirección de Antoni Wit. El cuarteto de voces solistas no se queda atrás y estará formado por la soprano Christiane Libor, la mezzo Olesya Petrova, el tenor Timothy Richards y el bajo Stephan Klemm.  El concierto cuenta con el patrocinio de la Fundación Santander.

INFORMACIÓN PRÁCTICA

MARTES, 20 DE NOVIEMBRE
Auditorio Nacional de Música, Sala Sinfónica, 19:30 

INTÉRPRETES
Orquesta de Cadaqués
Coro Estatal de Letonia
Dir. Antoni Wit
Ray Chen, violin
Christiane Libor, soprano
Olesya Petrova, mezzo
Timothy Richards, tenor
Stephan Klemm, bajo 

PROGRAMA 

F. Mendelssohn - Concierto para violín en mi menor op. 64
L. v Beethoven - Sinfonía núm. 9 en re menor op. 125 

Concierto patrocinado por Fundación Santander 

Últimas entradas a la venta en www.entradasinaem.es ; 902 22 49 49 o directamente en las taquillas del Auditorio Nacional de Música. Desde 45 €. 

ORQUESTA DE CADAQUÉS

Se formó en 1988 a partir de un grupo de jóvenes músicos españoles y de otros países de Europa que tenían unos objetivos claros como formación orquestal: trabajar de cerca con los compositores contemporáneos vivos, recuperar un legado de música española que había sido injustamente olvidada e impulsar la carrera de solistas, compositores y directores emergentes.

A fin de promover y difundir la música contemporánea, creó el Ensemble Orquesta de Cadaqués y la figura del compositor residente. Gianandrea Noseda es director titular y principal de la Orquesta de Cadaqués desde 1998, y Jaime Martín, uno de los músicos fundadores de la orquesta ocupa desde 2011 el cargo de director principal. 

Cuenta con decenas de grabaciones de la mano de sus directores principales, Sir Neville Marriner, Gianandrea Noseda y Jaime Martín, editadas por Tritó y Philips, y ha creado la colección de música clásica para niños: “Solfa la redonda”. 

En sus 30 años de trayectoria ha realizado giras por el sudeste asiático, Estados Unidos y Japón, y ha participado en el Festival de Santo Domingo. 

Desde su fundación ha trabajado con grandes directores, entre los que destacan Sir Neville Marriner, Gennady Rozhdestvensky, Philippe Entremont, Christian Zacharias, Vasily Petrenko, Pablo González, Alberto Zedda o Michal Nesterowicz. 

En 2016, en colaboración con Ibermúsica y Tritó, ha puesto en marcha el Ciclo BCN Classics en el Palau de la Música de Barcelona 

Gracias a esta capacidad por transmitir el repertorio al más alto nivel ha conseguido ser la orquesta sinfónica española con mayor proyección internacional y en los próximos meses realizará conciertos en Alemania, Austria, Suiza, los Países Bajos, Italia, Polonia, Chequia, Francia, Luxemburgo, Croacia y Eslovenia. 

CORO ESTATAL DE LETONIA

Es una de las principales insignias del panorama cultural letón; elogiado ampliamente por su brillo musical y su cálida y refinada instrumentación de la cultura vocal, imbuida del sonido propio de la tradición coral letona. Además, es el mayor coro profesional de los Estados Bálticos, muy solicitado para acompañar las más prestigiosas orquestas y directores internacionales. 

Desde 1997, Māris Sirmais es su director artístico y titular, y Māris Ošlejs, su director y en 2017, celebró su 75º aniversario. 

Ha colaborado con orquestas como la Royal Concertgebouw Orchestra de Ámsterdam, Sinfonieorchester des Bayerischen Rundfunks, London Philharmonic Orchestra, Berliner Philharmoniker, Israel Philharmonic Orchestra y la Orquesta de Cámara Gustav Mahler. Y ha sido dirigido por los más destacados directores. 

ANTONI WIT

Ganador en 1971 del primer premio en el Concurso Internacional de Dirección Herbert von Karajan, fue su ayudante en el Festival de Pascua de Salzburgo. Durante doce años, asumió el cargo de director general y artístico de la Filarmónica de Varsovia y es uno de los directores más destacados de Polonia. 

Antoni Wit ha disfrutado de una larga carrera internacional dirigiendo importantes orquestas entre las que destaca, la Dresdner Philharmonie, la WDR Sinfonieorchester Köln, la Tonhalle-Orchester Zürich, la Filarmonica della Scala, la Orchestre Symphonique de Montreal, la Royal Philharmonic Orchestra, BBC Symphony, Berliner Philharmoniker, Radio-Sinfonieorchester Stuttgart, Budapest Festival Orchestra, Filarmónica de Helsinki, Accademia Nazionale di Santa Cecilia, Orchestre National de Lyon, Orquesta Sinfónica de Barcelona, Filarmónica de San Petersburgo, NDR Radiophilharmonie Hannover, Orquesta Sinfónica de la Radio Danesa, Orquesta Nacional de España, Staatskapelle Dresden y Cleveland Orchestra.

Siete veces nominado a los Premio Grammy, Antoni Wit ha registrado más de doscientas grabaciones para los sellos EMI, Sony y Naxos. Ha vendido más de cinco millones de discos en Naxos siendo galardonado por la aclamada versión de los conciertos para piano de Prokofiev con el Diapason d'Or, por su Stabat Mater de Szymanowski y con el Premio Cannes Classical por su grabación de la Sinfonía Turangalila de Messiaen.

Su primer lanzamiento en DVD incluye las sinfonías Tercera y Cuarta de Szymanowski con la Orquesta Filarmónica de Varsovia. En 2012 grabó junto a la misma orquesta, para Naxos, el estreno mundial de la obra de Gorecki Concierto-Cantata recibiendo un Premio Choc.

RAY CHEN

Es la redefinición del violinista clásico en el siglo XXI. Su presencia mediática llega a millones de personas, transmitiendo así su brillante musicalidad a un enorme público global, actuando con las más célebres orquestas y en las salas más importantes del mundo.

Desde que se diera a conocer en los Concursos Yehudi Menuhin (2008) y Reina Elisabeth (2009), en los que ganó el primer premio, se ha consolidado como solista de primer nivel y es artista exclusivo de Decca Classics desde 2017.

Su reconocimiento y popularidad crece cada día: figura en la lista Forbes de los 30 asiáticos menores de 30 años más influentes del mundo; actuó como invitado en la serie de televisión Mozart in the Jungle, de Amazon; participó en la celebración en televisión del Día de la Bastilla de Francia; y en el concierto con ocasión de la entrega de los Premios Nobel, en Estocolmo.

Toca el Stradivarius “Joachim” de 1715, cedido por la Nippon Music Foundation y que fuera propiedad del violinista húngaro Joseph Joachim (1831-1907).

http://www.ibermusica.es/es/conciertos/la-novena-sinfonia-de-beethoven-antoni-wit-y-ray-chen/72

 

CRÍTICA * - Only the sound remains (Teatro Real)

CRÍTICA * - Only the sound remains (Teatro Real)

La figura de la compositora finesa Kaija Saariaho (1952) ha llegado tarde al mundo de la ópera, pero ha llegado para quedarse. Según sus propias palabras el año que llegó a París tuvo la oportunidad de ver San Francisco de Asís de Olivier Messiaen, 1983, con dirección de Peter Sellars y desde entonces empezó a orientar su labor hacia la composición de óperas,  a falta de otro término que pueda evitar la ambigüedad semántica que este ofrece para nombrar tanto al Orfeo de Monteverdi, como Parsifal de Wagner o títulos como el que el Teatro Real de Madrid está poniendo en escena: Only the sound remains. Tras L’amour de loin (2000), Adriana Mater (2005) y Emilie (2008), siempre con dirección escénica de Peter Sellars, llega esta ópera, que en realidad es la suma de dos, Always Strong y Feather Mantle, dos obras de teatro Noh cada una con dos personajes, que son interpretados por dos cantantes, el contratenor Jaroussky como El espíritu de un joven y en la segunda un Ángel, y el barítono norteamericano Davone Tines como Sacerdote en la primera y Pescador en la segunda, a los que se añade una bailarina, Nora Kimball-Mentzos en Feather Mantle.

Ambas obras tienen una relación: el papel de la música y del arte como mediación para el mundo del más allá, de los espíritus. En Always strong, el guerrero-laudista Tsunemasa fallece en el campo de batalla y regresa para reunirse con su laúd; en Feather Mantle, la promesa del Ángel de bailar para el pescador si le devuelve su manto simboliza la danza como punto de encuentro entre el mundo físico y el ámbito espiritual. Para los dos cantantes es una obra de gran dificultad, en primer lugar porque tienen que estar en escena permanentemente y cantando durante los 45’ del primer acto y 48’ del segundo, lo que conlleva un tremendo trabajo actoral –piénsese que un personaje de ópera del s.XIX está en escena unos 30’- 40’ de las dos horas del espectáculo: son más a repartir y además el coro y la música orquestal también cuentan para su descanso-.

Y en segundo lugar porque obviamente en el estilo compositivo de Saariaho no predomina un concepto melódico antiguo. Que Jaroussky está en un momento excepcional tanto de voz como de presencia escénica y madurez, es notorio. ¡Quién nos iba a decir que una voz surgida para intentar representar con la mayor fidelidad histórica posible a los castrati tendría una segunda oportunidad en la música contemporánea! Además la elección por parte de Saariaho de este tipo de voz para representar lo espiritual es un acierto. En cuanto a Davone Tines, justamente merecedor de la fama a la que saltó por este título, realiza un trabajo escénico impresionante, además de poseer una voz flexible y de buen color baritonal. Peter Sellars firma un trabajo excepcional en su simpleza pero plagado de detalles exquisitos, incluyendo una iluminación portentosa donde el juego de sombras amplifica el significado del texto.

El acompañamiento de las voces no es una orquesta al uso, sino que la escritura de Saariaho se ha ido esencializando, destilándose, para con maestría conseguir ser fiel a sus paisajes musicales soñados. En este caso un cuarteto de cuerda, un percusionista que debe tocar hasta doce instrumentos distintos, un cuarteto vocal, una flautista que toca hasta cuatro tipos de flauta -¡qué mejor metáfora del paso de lo terrenal a lo celestial que el uso de la flauta bajo y contralto en el primer acto para pasar en el segundo acto a la flauta habitual y el piccolo!-, y el kantele, instrumento popular de cuerda pulsada de Finlandia, además del uso de la electrónica. Gran parte de la orquestación tenía como objetivo dar forma a la escena, la creación de un paisaje sonoro lleno de reverberaciones; pocas veces se ha podido observar de manera tan clara como la música es espacio: ecos de la última voz del Ángel en la voz de soprano o mezzo del cuarteto, o uso de los altavoces para que el kantele o la percusión se distribuyeran por el espacio. Todo el trabajo es de gran finura e imaginación compositiva. Tanto Meta4, como Theatre of voices y el resto de instrumentistas estuvieron sobresalientes.

El director de la velada fue Ernest Martínez Izquierdo, no el escrito en programa Ivor Bolton. Con un exceso de energía en su gesto en el primer acto, que necesita menos tensión pues el tempo es más bien andante y toda la música tiene una dinámica que se sitúa entre el mezzopiano y el pianissimo, probablemente producto de la tensión necesaria en su primera función, demostró ser un cómplice ideal para los cantantes en la escena y los músicos en el foso, muy atento a prestarle su ayuda en las entradas con la expresividad de sus manos y fue merecedor del aplauso final.

Si tiene la oportunidad de asistir, no espere una ópera al uso, sino un espectáculo donde cada nota, cada gesto, cada gradación de la luz tiene un significado, produciendo un resultado final de fascinación. No solo de dramas puccinianos debe vivir un amante de la ópera.

por Jerónimo Marín

* También podrá leerse la crítica a esta ópera en el número de diciembre de la Revista RITMO, firmado en esta ocasión por Francisco Villalba. 

Only the sound remains de Kaija Saariaho. Teatro Real, 5/11/18
Philippe Jaroussky, El espíritu de un joven/Ángel. Davone Tines, Sacerdote/ Pescador. Nora Kimball-Mentzos, bailarina. Theatre of Voices. Meta 4 Quartet. Heikki Parviainen, percusión. Eija Kankaanranta, kantele. Camilla Hoitenga, flauta. 
Peter Sellars, dirección escénica.
Ernest Martínez-Izquierdo, dirección musical.
 

 

Raúl Miguel Rodríguez dirige la HBSO Symphony Orchestra

Raúl Miguel Rodríguez dirige la HBSO Symphony Orchestra

El próximo 29 de Noviembre, el director español Raúl Miguel Rodríguez dirigirá una de las más prestigiosas orquestas del oriente asiático.

En un programa conformado por piezas de música española del repertorio universal unidas a obras de estreno de compositores jóvenes españoles, Raúl Miguel sigue apostando por la internacionalización de la cultura y la música española fuera de nuestras fronteras.

PROGRAMA

ILUMINADA PÉREZ TROYA
Elegía (a Ana Belén Ruiz) *

MANUEL DE FALLA
Noches en los Jardines de España
Piano: Hilario Segovia Badia


CLAUDE DEBUSSY
Prélude à l'après-midi d'un faune

CLAUDE DEBUSSY
La Mer

* Estreno mundial 

29 Noviembre 20,00 hrs.
The Opera House of Saigon
Vietnam

Raúl Miguel Rodríguez, director

"...Raúl Miguel Rodríguez, uno de los más pujantes directores que presenta la actualidad musical española..." Diario Hoy, enero de 2018

Galardonado con el 2º premio del Concurso Internacional de Dirección de Orquesta de Londres, organizado por la London Classical Soloists Orchestra. Su formación como director ha ido de la mano del prestigioso director George Pehlivanian habiendo recibido consejos de maestros como Jorma Panula, André Waignein, José Rafael Pascual Vilaplana, Octav Calleya, Lorenzo Ramos o Achim Holub.

Ha colaborado con orquestas como la Orquesta Nacional de España, Orquesta de Cámara Reina Sofía, Orquesta Staatskapelle de Berlín, Deuscht Oper, Mahler Chamber Orchestra y Filarmónica Arturo Toscanini, bajo la dirección de maestros como Daniel Barenboim, Zubin Metha, Christian Thielemann, Marc Minosky, Rafael Frubeck de Burgos, George Pehlivanian, Eliau Inbal, etc.

Trompetista destacado, alumno de Martín Baeza y Jose Maria Ortí, ha participado becado en el primer encuentro de Puebla Instrumenta en México, colaborando con la Orquesta del Festival y con el grupo de metales German Brass. Ha sido primer trompeta de varias orquestas, entre ellas: Joven Orquesta Sinfónica Fundación Coca-Cola y Orquestas de Cámara, Sinfónica y de Música Contemporánea del Real Conservatorio Superior de Música de Madrid, Filarmónica de Madrid y Orquesta Filarmonía de España.

Ha realizado numerosas colaboraciones con diferentes artistas, destacando la grabación de "Historia del Soldado" de Igor Stravinsky junto a Paquito D'Rivera, con el que ha sido galardonado con un Grammy latino al mejor disco de música clásica

Su preocupación por una formación humanística le lleva a realizar los estudios de Doctorado en la Universidad Autónoma de Madrid

Ha dirigido numerosas formaciones, destacando su colaboración como director asistente en la JONDE, JORCAM (Grupo de Metales y percusión), London Classical Soloists, Orquesta Sinfónica de la ESMUC, la Orquesta de Extremadura, Banda Sinfónica del Conservatorio de Música Profesional de Getafe, Banda Sinfónica Complutense de Alcalá de Henares, Banda de Conciertos de San José (Costa Rica), Banda de conciertos de Heredia, European Soloists Orchestra, la orquesta del Festival de Almansa, Krasnoyarsk Chamber Orchestra (Rusia), Orquesta Nacional de Guatemala, Orquesta de Camerata de Castilla la Mancha. Ha dirigido a solistas de la talla como Reinhold Friedrich, Manuel Blanco, James Ackley, Eriko Takezawa….

Sus proyectos más inmediatos esta misma temporada incluyen dirigir las Orquestas Sinfónica de Heredia (Costa Rica) y diferentes orquestas en México, Colombia y Argentina en 2019.

https://www.raulmiguelrodriguez.com/

CRÍTICA - Del Haydn concertante y algunos rellenos

CRÍTICA - Del Haydn concertante y algunos rellenos

Las Palmas de Gran Canaria

La orquesta Metamorphosen Berlín es un conjunto de 15 cuerdas, solistas de diferentes orquestas alemanas, que en su concierto para la Sociedad Filarmónica de Las Palmas no terminaron de desplegar sus muchas capacidades debido a la poca enjundia del programa elegido que daba escaso margen de lucimiento del grupo.

Su eje central fue el Haydn concertante: Concierto para piano Hob. XVIII: 11, con Iván Martín delicadísimo en la pulsación y refinado en su fraseo en lo que fue la más destacada interpretación de la noche, y el Concierto para cello nº 1 en apropiada interpretación a cargo de Wolfgang Schmidt, director del conjunto.

La conocida Serenata de Elgar y Capriol Suite de Peter Warlock, recopilación escasamente imaginativa de danzas renacentistas, estuvieron correctamente interpretadas, completando así una velada algo desangelada, que no terminó de enganchar.

Juan Francisco Román Rodríguez

Iván Martín, piano. Metamorphosen Berlin, Wolfgang Emanuel Schmidt, violonchelo y director. Obras de Elgar, Haydn y P. Warlock.   
Sociedad Filarmónica de Las Palmas. Teatro Pérez Galdós. Las Palmas de Gran Canaria. 

Foto: Iván Martín, piano.

 

El bajo Franz-Josef Selig regresa al Ciclo de Lied

El bajo Franz-Josef Selig regresa al Ciclo de Lied

El lunes 12 de noviembre, el Centro Nacional de Difusión Musical (CNDM) en coproducción con el Teatro de La Zarzuela, presenta al bajo Franz-Josef Selig en su segunda visita al Ciclo de Lied. Selig llega acompañado por Gerold Huber al piano para ofrecer un programa formado por baladas de Carl Loewe, Hugo Wolf y Rudi Stephan. Las entradas, con un precio general de 8 a 35 euros, están a la venta en las taquillas del Teatro de La Zarzuela, teatros del INAEM, www.entradasinaem.es y 902 22 49 49.

La elegante profundidad del bajo  

Según la musicóloga Isabel García Adánez: "Franz-Joseph Selig es uno de los bajos de mayor renombre en la actualidad, y su voz, tan imponente como delicada y llena de matices, ha dado vida a numerosos personajes de ópera igualmente imponentes y llenos de matices desde Monteverdi y Mozart hasta Wagner (ha interpretado al gigante Fasolt del Das Rheingold y al Rey Marke de Tristan und Isolde). No es menor el éxito que ha alcanzado más allá de la ópera, por ejemplo, en el Requiem de Mozart o las Szenen aus Goethes Faust de Schumann, y tiene grabado un magnífico disco de lieder sobre Prometeo, con textos de Goethe y las versiones que hicieron de ellos Schubert, Strauss y Hugo Wolf, acompañado al piano por Gerold Huber, a quien ya hemos tenido el placer de escuchar en diversos recitales de este Ciclo de Lied.

La prestancia de un gran bajo de ópera invita a su identificación con los numerosos personajes de gran envergadura dramática que protagonizan los textos de las baladas de esta noche: Archibald Douglas, el Gran Emperador, el sanguinario Edward, el caballero Oluf, el arpista ambulante del Wilhelm Meister de Goethe o el mismo el dios Odín dispuesto para la batalla. A diferencia de otros programas, más en la línea del Liederabend entendido como velada íntima para cantar en torno al piano, el de esta noche sugiere la tradición de reunirse para contar cuentos o representar escenas de teatro, puesto que casi todo son baladas, cuya característica principal es el elemento narrativo.

Esta tradición de narrar una hilera de cuentos o novellas a partir de un marco es bien conocida desde los inicios de la historia de la literatura: pensemos en Las mil y una noches o el Decamerón y, ya en la época de los lieder, en los ciclos de Novellen del Romanticismo alemán, por ejemplo, de E.T.A. Hoffmann. Como curiosidad, en alemán, selig significa «feliz, enormemente dichoso, bienaventurado» y es una palabra que aparece con frecuencia en los cuentos. Gracias a esta voz, propia de Odín, encarnando tantas historias maravillosas, la dicha será para nuestros oídos."

Franz-Josef Selig se ha establecido en la escena internacional como uno de los bajos más conocidos. Habitualmente canta los roles de Gurnemanz, el Rey Marke, Sarastro, Rocco, Osmin, Daland, Fiesco y Fasolt en los principales teatros operísticos del mundo como la Ópera Estatal de Viena, la Ópera Estatal de Baviera, el Teatro Scala de Milán, el Teatro Real de Madrid, las óperas parisinas o el Metropolitan Opera de Nueva York, y en prestigiosos festivales como: Bayreuth, el Festival de Salzburgo y el Festival d'Aix-en-Provence. Las producciones operísticas y su actividad concertística le lleva a colaborar con orquestas y directores como James Levine, Christian Thielemann, Sir Simon Rattle, Marek Janowski, Semyon Bychkov, Riccardo Muti, Yannick NezétSéguin, Antonio Pappano, Phillipe Jordan, Zubin Mehta, entre otros. 

Además de sus numerosos compromisos operísticos y actuaciones en conciertos, dedica una importante parte de su tiempo a los recitales de lied. Recientemente ha cantado en solitario junto al pianista Gerold Huber en Katowice, Colonia y Frankfurt, y junto a Markus Schäfer, Christian Elsner, Michael Volle en conciertos del Liedertafel (acompañados también por Gerold Huber al piano) en Stuttgart, Schaffhausen y Madrid.

Selig estudió música sacra en el Staatliche Hochschule für Musik en Colonia antes de empezar a tomar clases Canto con Claudio Nicolai. Al inicio de su carrera fue miembro del Teatro Aalto en Essen. Desde entonces ha sido un cantante independiente. Durante la pasada temporada 2017-2018 ha destacado en los siguientes roles operísticos: King Arkel (Pelléas et Mélisande) en Bochum y París, Séneca en una nueva producción de L'incoronazione di Poppea de Monteverdi en la Ópera Estatal de Berlín, Daland (The flying dutchman) en la Ópera Estatal de Múnich, Gurnemanz (Parsifal) con la Filarmónica de Berlín bajo la dirección de Sir Simon Rattle y Sarastro (Die Zauberflöte) con la Orquesta de Cámara de Europa y Yannick Nézet-Séguin en el Festival de Baden Baden. En ámbito concertístico Franz-Josef Selig ha cantado la Missa Solemnis de Beethoven con Thielemann y Rattle y la ópera Parsifal, en versión concierto, en la Filarmónica de Berlín.

Sus numerosas grabaciones en CD y DVD van desde la Pasión según San Mateo de Bach hasta Die Zauberflöte de Mozart (The Royal Opera, Londres / Sir Colin Davis) pasando por Don Giovanni (Ópera Estatal de Viena / Riccardo Muti), Le nozze di Figaro (Festival de Salzburgo / Nikolaus Harnoncourt), y Die Entführung aus dem Serail (Gran Teatre del Liceu / Ivor Bolton / Christoph Loy), así como L'incoronazione di Poppea (Gran Teatre del Liceu / David Alden / Harry Bicket). Ha grabado el rol de Gurnemanz en la ópera Parsifal (Wagner) bajo la batuta de Christian Thielemann (Ópera Estatal de Viena / Deutsche Grammophon) y con Marek Janowski y la Orquesta Sinfónica de la Radio de Berlín (Pentatone).

El DVD Der Ring des Nibelungen (DG, Metropolitan Opera de Nueva York, 2010) donde Selig cantó el papel de Fasolt, recibió un ‘Premio Grammy’ en 2013. Este mismo año se lanzó el DVD de Der Fliegende Holländer del Festival de Bayreuth (Thielemann / Gloger). En junio de 2014 salió a la luz su primer CD de lied acompañado al piano por Gerold Huber. Bajo el título Prometheus (AVI) reúne canciones de Schubert, Wolf y Strauss. En julio de 2015 Deutsche Grammophon lanzó una nueva grabación de Die Entführung aus dem Serail de Mozart (producción del Festival de Baden-Baden, 2014).

http://www.cndm.mcu.es/es/lied/franz-josef-selig-bajo-gerold-huber-piano/lunes-12-noviembre-2018-2000

(foto de © Marion Köll)

CRÍTICA - Quijotismo intercultural (UAM)

CRÍTICA - Quijotismo intercultural (UAM)

Como espero que puedan comprobar pronto, no era fácil escribir esta crítica y creo que, honestamente, debería parecerse más a una reflexión de fondo, que al sufrido empeño de lupa y bisturí, natural en este oficio.

Porque no es fácil separar la expectación ante lo exótico o novedoso, ligado aquí a un anhelo transcultural -más en lo teatral, literario o simbólico que en lo musical propiamente dicho-, con criterios más objetivos, comunes con otros espectáculos parejos.

Tampoco me parece correcto a priori, hacer un juicio somero e indulgente del valor de una propuesta, al margen de su efecto, del encuentro/desencuentro de sus concepciones dramáticas o sus universos culturales… ni tampoco, a la inversa, ampararme en el despliegue vistoso y cromático de un vestuario ciertamente deslumbrante, o en el, siempre encomiable, entendimiento mutuo entre pueblos y culturas. Creo que mi deber es esquivar, en la medida de lo posible, estos aspectos, cualquiera que sea la obviedad o nobleza de su trascendencia.

Tras el estreno de esta misma obra, Kijote Kathakali, con música de la Compañía Margi Kathakali de Trivandrum, en el Festival de Almagro de este año, este espectáculo, realizado aquí bajo el auspicio de la Universidad Autónoma, con dramaturgia y coreografía de Dr. P. Venugopalan y dirección de Ignacio García -dirección asociada de Mónica de la Fuente-, gozó en la sala de cámara del Auditorio Nacional madrileño, de la espontánea expectación de un público interesado, que guardó cola pacientemente, hasta el último instante, antes de entrar a la sala, llenó el recinto y, a la postre, recompensó con una calurosa ovación a todos, sobre las tablas y fuera de ellas -como, por citar un ejemplo, la voz en off de José Sacristán-.

La música de tradición hindú envolvió con su magia, de cabo a rabo, una estampa, dramaturgia y coreografía destinadas a dioses y diosas… trufadas aquí con ingredientes del teatro, llamémosle así, “occidental”. Y creo que la experiencia satisfizo a todos, por muchas de las razones citadas y otras más puntuales que podríamos aducir ahora, pero que, al igual que con la naturaleza heroica de las novelas de caballerías que llevaron al lúcido desatino de nuestro protagonista -Alonso Quijano-, este, digamos que, “endiosamiento extático, místico o… parmenidiano”, no encaja bien con un personaje que basa su entidad, su universalidad, su “heroicidad grotesca” -o su “profana santidad”, si ustedes quieren verlo así en un contexto divinizado-, precisamente en la paródica humildad de su origen y definición, de su itinerante desempeño y de su común desenlace.

He de decir que motivó, que interesó y que gustó a todos, incluido al que suscribe, pero que, como muchas de las experiencias que se hacen, con mejor o peor fortuna, a veces con criterios combinatorios “bienintencionados”, haciendo converger estéticas, culturas, repertorios, intérpretes, gremios… dejan más cuestiones planteadas sin responder, que las que resuelven.

Me quedo con la sensación de entusiasmo que despertó ya desde un principio… con la interculturalidad -más que transculturalidad- y con todas las cualidades que distinguen, por separado, ambas entidades, la literaria y simbólica de nuestro Quijote, y la de la inefable música y dramaturgia hindúes… Ambas permanecieron incólumes, con cuidadoso respeto mutuo, un plástico desenlace y el cerrado aplauso consecuente.

Que se repita, pues, con otras variantes, más arriesgadas en su desarrollo y realización concretos, y, al andar y hacer camino, progresen así por la difícil senda que se abra… sin forzar.

Luis Mazorra Incera

Compañía Margi Kathakali de Trivandrum. Composición musical de la Compañía Margi. Dramaturgia y coreografía del Dr. P. Venugopalan; dirección y dramaturgia de Ignacio García; Mónica de la Fuente, directora asociada y coreografía; y José Sacristán, voz en off.
Coproducción del Festival Internacional de Teatro Clásico de Almagro y la compañía india Margi Kathakali.
Kijote Kathakali.
UAM. Auditorio Nacional de Música. Madrid.

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