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Crítica - Pléyade de solistas

Crítica - Pléyade de solistas

Publicado: abril 2017

Sevilla - ROSS

Dos asturianos han pasado por el podio de la ROSS recientemente. A Pablo González empezamos oyéndole una Pulcinella demasiado amable, incluso para el neoclasicismo que la perfuma; luego se empleó a conciencia en el seguimiento del Concertstück, para cuatro trompas de Schumann con solistas de la ROSS. Sin embargo, su Octava puede que sea uno de los Beethoven más impresionantes que hayamos escuchado nunca en directo, lo que nos dice su conocimiento del estilo y la capacidad para transmitirlo a la orquesta, por respetar la intención de la obra y su autor.

La siguiente apuesta volvía a congregar a un grupo de destacados solistas de la ROSS, empezando por la empatía –musical y personal- entre el solista de los segundos Dmitrienco y el de contrabajos, Ciorata. Como casi estas obras suelen quedar al servicio del virtuosismo de los solistas, que éstos aprovecharon con la altura que tienen, que es mucha: Dmitrenco, animador natural de la ROSS, mostró su dominio del instrumento y musicalidad, lo mismo que Ciorata, con un instrumento más pequeño y delicado que el habitual (Bottesini). Qué decir del flautista Juan Ronda, de sonido cada vez más delicado, articulado y expresivo, junto al oboe de José Manuel González, otro gran solista (Desserman y Berthélemy). Todavía quedaba otro dúo “natural”: el de clarinetes Domínguez y Szymyslik para bordar el Konzerstück de Mendelssohn. La dirección de Nacho de Paz resultó funcional en esta primera mitad, y muy desigual en las vibrantes obras de la segunda parte.

En esta línea de aprovechar el gran nivel de los solistas de la orquesta llegaba Onofri, que cambiaba la OBS por la ROSS. Indudablemente se esforzó por acompañar el difícil Concierto de tuba de Vaughan Williams a cargo de Pérez Calleja, que estuvo francamente bien, al igual que Rosario Vega en el trombón sobre el concierto de Tomasi, ambos autores de estéticas convergentes y que aún coincidieron en todo en la propina para trombón y tuba del cordobés Antonio Moreno. Pero en lo que estuvo Onofri inmenso fue en el repertorio afín: Las siete últimas palabras de Cristo en la cruz de Haydn, apropiadas para el preludio de la Semana Santa y a la proximidad geográfica del Oratorio de la Santa Cueva gaditano, para el que fue compuesto. Lectura nívea, límpida, maravillosamente articulada, destacando tanto ese carácter de recogimiento inherente a las palabras sobre las que se medita como a la alegría esperanzada (y criticada en su momento) que recoge alguno de sus movimientos. De nuevo el concertino invitado Eric Crambes fue el único que llevó el paso en la orquesta, porque todos los directores y compañeros se le atrasan: ¿no hay forma de encontrar un concertino titular que acabe con esta orfandad?

Ian Parkes, Joaquín Morillo, Javier Rizo y Ángel Lasheras / Vladimir Dmitrienco, Juan Ronda Molina, José Manuel González, Miguel Domínguez, Piotr Szymyslik y Lucian Ciorata / Juan Carlos Pérez Calleja y Francisco Rosario Vega. Real Orquesta Sinfónica de Sevilla. Pablo González / Nacho de Paz / Enrico Onofri. Obras de Stravinski, Schumann y Beethoven / Rossini, Mendelssohn, Bottesini, Ginastera y Piazzola / Vaughan Williams, Tomasi y Haydn.
Teatro de la Maestranza, Sevilla.


Carlos Tarín

Foto: Un instante de uno de los conciertos de la ROSS.

 

Recital de María Bayo en el Teatro Real: Latinos

Recital de María Bayo en el Teatro Real: Latinos

Publicado: abril 2017

El martes, 25 de abril, María Bayo ofrecerá en el Teatro Real un concierto íntegramente dedicado al repertorio iberoamericano

El concierto forma parte de la programación especial en torno al estreno de la ópera Bomarzo, de Alberto Ginastera

Se escucharán obras de Lecuona, Piazzolla, Prin-Braga y Guastavino

La soprano española estará acompañada por el Ensemble In+Out

La gran soprano española María Bayo regresa al Teatro Real para ofrecer un concierto, el martes, 25 de abril, en el que rendirá homenaje a la música iberoamericana a través de compositores como Ernesto Lecuona, Astor Piazzolla, Ernani Braga y Carlos Guastavino.

Esta original cita musical forma parte del ciclo de conciertos y actividades programadas en torno al estreno de la ópera Bomarzo, del compositor argentino Alberto Ginastera, y contará con la participación de miembros del Ensemble In&Out, formado por Thierry Ravassard –pianista y director–, Mélanie Brégant –acordeón y bandoneón–, Anne-Gabrielle Lia-Aragnouet –violonchelo– y Thomas Zimmermann –clarinete.

El repertorio elegido para este concierto, está fuertemente inspirado en la tradición popular argentina, brasileña y portuguesa, con carácter y estilos muy diferenciados debido a las distintas fuentes en las que se inspiraron los compositores presentes en el programa: los argentinos Astor Piazzolla y Carlos Guastavino, el cubano Ernesto Lecuona y el brasileño Ernani Braga, todos ellos autores contemporáneos a Ginastera.

La esencia de la música argentina abrirá y cerrará el programa de este nuevo encuentro del Real con María Bayo. Cuatro canciones de Carlos Guastavino, probablemente el mejor representante del nacionalismo romántico argentino, cuya influencia en los compositores populares de su país en los años sesenta es indiscutible, serán el preludio de esta velada latina.

A través de la mirada y las adaptaciones de Yves Prin, se rendirá homenaje a uno de los compositores brasileños de referencia del pasado siglo, Ernani Braga. El espacio dedicado al músico carioca comenzará con la interpretación de A casinha pequenina, tema del cancionero popular de Brasil que Braga, a través de la voz de la soprano Bidu Saya, convirtió en “música de concierto”. A esta introducción le seguirán las Cinco cançôes nordestinas, interesantes, atractivas y cargadas de la fuerte personalidad de un compositor capaz de sublimar la música popular.

Lecuona, el gran pianista y compositor cubano, de raíces españolas, es posiblemente uno de los músicos de la isla más conocidos en el mundo. En los años treinta y cuarenta famosas cantantes de distintos ámbitos popularizaron algunas de sus canciones, como Maria la O, Canción del amor triste o Siboney. María Bayo interpretará cinco de esas canciones en la parte central del concierto.

Astor Piazzolla no sólo es uno de los músicos más importantes de Argentina. Su figura y su carrera han sido seguidas, interpretadas y versionadas por artistas de otras disciplinas y sus tangos y composiciones se escuchan en la actualidad en los escenarios más importantes del mundo. Cinco de sus conocidas melodías serán la cálida despedida de un encuentro con sabor latino.

http://www.teatro-real.com/es/noticias/actualidad-tr/todo/maria-bayo-latinos

Foto: Recital de María Bayo en el Teatro Real: Latinos.

Pérez-Sierra vuelve a Rossini en Francia con “Il signor Bruschino”

Pérez-Sierra vuelve a Rossini en Francia con “Il signor Bruschino”

Publicado: abril 2017

El destacado especialista en la obra del compositor italiano dirige la ópera en Estrasburgo.

El director madrileño José Miguel Pérez-Sierra regresa al repertorio rossiniano, del que es uno de los especialistas más prestigiados, esta vez con la ópera Il signor bruschino en la Opéra National du Rhin, en Francia. Se trata de una nueva producción de la compañía gala –específicamente de su Opéra Studio– con dirección de escena de Jean-Michel Criqui y musical del joven maestro español. Esta vuelta a Rossini se produce después del debut de Pérez-Sierra en la ópera de Puccini Manon Lescaut en Italia, un compositor con el que también se encuentra muy cómodo. El Opéra Studio de la Opéra National du Rhin es uno de los proyectos divulgativos más importantes de Francia que brinda la oportunidad de foguearse en el escenario a jóvenes promesas de la lírica. En este caso se trata de un doble reparto a cargo de los cantantes Georgios Papadimitriou, Francesca Sorteni, Louise Pingeot, Emmanuel Franco, Diego Godoy, Camille Tresmontant, Antoine Foulon y Coline Dutilleul.

Al mando de la Orchestre Symphonique de Mulhouse, Pérez-Sierra dirigirà Il Signor Bruschino en las tres sedes de la compañía: Mulhouse, en el auditorio La Sinne (29 y 30 de abril), Colmar, en el Théâtre Municipal (6 de mayo) y en Estrasburgo, en la Opéra (12 y 13 de mayo).

http://josemiguelperezsierra.com/

https://www.facebook.com/Jos%C3%A9-Miguel-P%C3%A9rez-Sierra-1630629507182843/?fref=ts

http://www.operanationaldurhin.eu/opera-2016-2017--il-signor-bruschino-opera-national-du-rhin.html

Foto: Pérez-Sierra (foto de OCNE © Rafa Martín)

Crítica - Peripecias concertantes y Pastoral

Crítica - Peripecias concertantes y Pastoral

Publicado: abril 2017

Madrid - OCNE

Un Mozart extrañamente vistoso e intrincado, el de la Sinfonía concertante para vientos en mi bemol mayor con que arrancara el programa de la Orquesta Nacional de España dirigida por su Titular David Afkham. Gran dificultad técnica para los solistas, dimensiones generosas y cierta articulación instrumental que hace pensar que haya sufrido su original alguna manipulación posterior más allá de las mutaciones instrumentales.

En cualquier caso la obra, que no oculta cierto exceso impropio del de Salzburgo, ofrece notable oportunidad para el lucimiento de sus cuatro solistas tanto a solo como en conjunto. Todo un cuidado alarde para un cuarteto de viento con fino contrapunto cruzado, bien entrelazado y versado en esta ocasión por Robert Silla, oboe; Enrique Pérez Piquer, clarinete; Enrique Abargues, fagot; y Rodolfo Epelde, trompa, junto con los Orquesta y director citados. Un concierto que presentaba de seguido, en un cambio de orden de última hora, la oportunidad singular de escuchar, casi como “de regreso al futuro”, una obra en estreno de concepto afín. Francisco Coll presentó así su Concerto grosso «Invisible Zones» para mayor gloria del cuarteto de cuerda solista: el Cuarteto Casals.

Obra dispuesta con fluidez, gesto y maneras, buscando acercarse más a la letra que al espíritu de su aspiración formal titular, un tanto ambigua. Facultades de conjunto con oportunidad de lucimiento y coherente concepción musical. La Sinfonía «Pastoral» de Beethoven completó este programa, volviendo al repertorio más trillado. Las limpieza, naturalidad, cuidada continuidad sinfónica, intención y modestia, siempre presentes, redundaron de nuevo en las virtudes transmitidas por un podio que trata cada partitura, como las dispares de este programa, con sensible y sensato sentido de la adaptación, de la fragilidad emotiva del momento y su progresión formal, en saludable armonía de lo estético y lo técnico. Una disposición, por cierto, tan cercana a -o “tan consonante con” más bien- la “amena” aspiración original de esta última página, a caballo entre lo formal y lo programático.

Luis Mazorra Incera    

Robert Silla, oboe; Enrique Pérez Piquer, clarinete; Enrique Abargues, fagot y Rodolfo Epelde, trompa. Cuarteto Casals. Orquesta Nacional de España / David Afkham. Obras de Beethoven, Coll y Mozart.
OCNE. Auditorio Nacional de Música. Madrid. 

Foto: Cuarteto Casals (foto de © Josep Molina)

  

Crítica - Mucho FeMÀS

Crítica - Mucho FeMÀS

Publicado: abril 2017

Sevilla

Las Vespro suponen la contribución religiosa interesada de Monteverdi en su acercamiento a Roma y alejarse de la corte de Mantua. El mundo sugestivo de los madrigales adquiere nueva vida y colorido bajo los motetes religiosos que conforman la obra, y cuya riqueza y tonalidades supo recrear Alessandrini y su Concerto Italiano, en el marco adecuado y eufónico de la iglesia sevillana de la Magdalena. De manera tan brillante se abría así la 34 edición del Festival de música antigua de Sevilla (FeMÀS), que tendría continuidad en el concierto ofrecido por el director del certamen, Fahmi Alqhai, con su Accademia del Piacere en el recuerdo del tercer aniversario de la muerte de Sebastián Durón.

La diversificación de la familia Alqhai (su propia viola, la de su hermano y su esposa) junto a la rutilante y fantástica presencia de Miguel Rincón, Javier Núñez o Rodney Prada, conformaron un fresco musical que contrastaba con la espiritualidad del día anterior. En línea con este barroco “sevillano” resaltamos la interpretación de la violonchelista de la OBS, Mercedes Ruiz, de las suites 2 y 3 de Bach: es difícil hacer justicia a su escritura concentrada y profunda, pero nos parece que no hay muchas lecturas que puedan estar más cerca. Y no podía faltar la presencia de la Barroca sevillana ni su principal director invitado, Enrico Onofri. Nuevamente su musicalidad como director y violinista quedó de manifiesto, tanto a solo como a dúo con Alexis Aguado (Barsanti), así como el arropamiento a un solista de la talla del flautista sevillano Vicente Parrilla (La Notte, Vivaldi), absolutamente espectacular.

Nos habían hablado bien de la Cappella Mediterránea de García Alarcón sobre el teatro de Monteverdi; sin embargo, su conjunto de cuerda pulsada y frotada producía saturación al oído, aliviado a veces por el órgano o por la bella y muy impostada voz de Emőke Baráth. Teníamos curiosidad por ver a Midori Seiler y Andreas Staier con un fortepiano; la cosa quedó en eso: Midori estuvo aquejada del necesario punto de afinación en su violín, mientras a Staier no le decía nada un instrumento de color blanquecino, si no incoloro. No pudimos oír a Rachel Podger, pero cuantos lo hicieron quedaron maravillados. Artefactum es otra apuesta sevillana por la música antigua, principalmente por las Cantigas y los Goliardos; esta vez les tocaba en exclusiva a estos últimos, y naturalmente lo bordaron porque, como ellos reconocen, es lo suyo. Se suspendió el concierto de La Galanía de Raquel Andueza, pero no el de clausura, nada menos que la Pasión según san Mateo de Bach con Herreweghe.

Otro momento de éxtasis compartido, en primer lugar por la sensibilidad y profundidad de su interpretación, pero también por formular planteamientos distintos en una obra sobre la que no parece que quepan más innovaciones: dos orquestas en posición especular, tres coros y todas las combinaciones posibles entre ellos. Y todo tan bien dicho, cantado, tocado, sentido…

Carlos Tarín     

FeMÀS 2017. Concerto Italiano (Alessandrini), Accademia del Piacere (Alqhai), Mercedes Ruiz, OBS (Onofri), Capella Mediterranea (Gª Alarcón). Midori Seiler y Andreas Staier, Colegio Vocal de Gante (Herreweghe). Teatro de la Maestranza, Sala Joaquín Turina, Monasterio de Santa Clara, Iglesia de la Magdalena. Sevilla.

Foto: Nuria Rial y Accademia del Piacere, con Fahmi Alqhai.

Crítica - Honesta Lucrezia

Crítica - Honesta Lucrezia

Publicado: abril 2017

Valencia - Palau de les Arts

El pasado 8 de abril pudimos asistir a la última función de la Lucrezia Borgia  del Palau de les Arts, primera producción propia de la presente temporada. Primera en toda su andadura, además,  que se emitió en directo por streaming (en The Opera Platform) lo que, a falta de interés por parte de TVE y desconociendo si la renaciente televisión autonómica mostrará alguna querencia por este tipo de contenidos, puede ser un medio idóneo para dar difusión a los generalmente buenos resultados del coliseo valenciano. Esto podría contribuir a crear una buena imagen de la Valencia actual, aunque en esta ocasión, y al margen de todas las maravillas que se podrían contar de su esplendoroso siglo de oro, incidamos en su leyenda más oscura. Presenta a una Lucrezia Borgia que envenena por docenas a sus contemporáneos, incluyendo al fruto del incesto con su propio padre el Papa Alejandro VI y que, por alejado que todo ello pudiera quedar de los hechos reales, dramatizada por Víctor Hugo, reconvertida en libreto por Felice Romani y musicada genialmente por Gaetano Donizetti, se convirtió en una magnífica ópera estrenada en Milán en 1833. Una vez hecha ópera, juzguémosla como tal.

Victorioso salió del reto el director de escena Emilio Sagi, cuyo eficiente equipo desarrolló una brillante propuesta visual. El motivo principal de la escenografía de Llorenç Corbella fueron grandes paneles móviles rectangulares con retículas de colores metalizados y superficies translúcidas iluminadas desde su interior, que fueron disponiéndose en diferentes configuraciones por operarios visibles, según requirieron las diversas escenas. En  mucho contribuyó la iluminación de Eduardo Bravo con cambios en el color de la luz que emitían los mismos. Con esos y otros elementos mínimos y sin recurrir a nada fijo se consiguió, por ejemplo, la monumentalidad propia de un palacio. Destacaron especialmente el descenso del techo mientras morían los personajes, asfixiando la escena y ayudando a su dramatismo, y la alineación de los paneles hacia el fondo del escenario creando perspectiva de punto de fuga y causando sensación de enorme profundidad. Tanto el resto de objetos (hombre de Vitrubio, máscaras venecianas, mobiliario contemporáneo...) como el vestuario de Pepa Ojanguren (mayas y mangas del renacimiento, chaquetas y abrigos desde el romanticismo hasta la actualidad...) consistieron en una mezcla ecléctica de estilos de varias épocas pasadas con el presente y consiguieron la imposibilidad de adscribir la acción a ningún momento histórico concreto. Todos los ropajes fueron siempre negros con la excepción de los de Lucrezia, en la que recayeron los acentos de los colores  blanco, plata y, sobre todo, rojo. Actuaciones creíbles hasta del último extra. Movimientos y emplazamientos perfectos. Ninguna estridencia gratuita ni nada que perjudicase la comprensión de la trama.

En cuanto a lo que se pudo escuchar, solemos asociar al maestro Biondi al estilo barroco, sin embargo ofreció una  versión bastante romántica y con más protagonismo de la orquesta que el tiene en otras lecturas exclusivamente centradas en lo vocal. Los tempi fueron es ocasiones algo lentos. El sonido de la O.C.V. fue siempre limpio, destacando los metales, y el coro volvió a brillar tanto en lo vocal como en lo escénico. Todo ello fue una perfecta base para el objetivo fundamental del repertorio belcantista: las voces. Y de las cuatro principales, tres nos dieron una gran noche, quedando la del tenor William Davenport, en el papel de Gennaro, algo por debajo en potencia y no transmitiendo el arrojo de un bravucón dispuesto a batirse con cualquiera y a morir en cualquier momento. Marko Mimica cuajó un magnífico Alfonso d'Este con su voz de bajo natural, clara, ancha y bien timbrada. La valenciana Silvia Tro Santafé volvió a convencer en su tierra encarnando de nuevo a un personaje masculino; con cuerpo en graves y agudos y todo tipo de matices al servicio de su indiscutible musicalidad. Pero la gran triunfadora, con un asombroso estado de voz para sus extraordinariamente bien disimulados casi 69 años fue Mariella Devia en el papel protagonista de Lucrezia Borgia. Su legato, sus dinámicas, la limpieza de sus coloraturas perfectamente afinadas, sus nítidos sobreagudos, su conmovedora interpretación y su honestidad nos dejaron una lección y una audición impagables.

Ferrer-Molina

Marko Mimica, Mariella Devia, William Davenport, Silvia Tro Santafé, etc. Orquesta de la Comunidad Valenciana y Coro de la Generalitat Valenciana / Fabio Biondi. Dirección de escena: Emilio Sagi, escenografía: Llorenç Corbella, vestuario: Pepa Ojanguren, iluminación: Eduardo Bravo. Lucrezia Borgia de Gaetano Donizetti.

Palau de les Arts, Valencia. 

Foto: Lucrezia Borgia de Gaetano Donizetti, en el Palau de les Arts, Valencia (foto de Tato Baeza / Palau de les Arts Reina Sofía). 

 

La Film Symphony Orchestra celebra el 40 aniversario de Star Wars

La Film Symphony Orchestra celebra el 40 aniversario de Star Wars

Publicado: abril 2017

La única orquestra del país especializada en músicas de cine llega a Barcelona el 23 de abril con entradas agotadas y repite el 28 de mayo

Tras poner este febrero la música en la Gala de los Goya junto al actor y maestro de ceremonias Dani Rovira y tras una exitosa gira por todo el país durante el 2016 con cerca de 40.000 asistentes, la Film Symphony Orchestra (FSO) llega de nuevo a Barcelona con una nueva gira de conciertos que arranca en abril y cuyo tema principal será Star Wars. 

Así, la única formación en nuestro país especializada en la música de cine pasa de las estrellas del cine español a las constelaciones universales con su gira “La música de las galaxias”, aprovechando el 40 aniversario de la mítica saga creada por Georges Lucas.

En primavera, “LA MÚSICA DE LAS GALAXIAS”

La FSO prepara una gira muy exclusiva durante los meses de abril y mayo con un programa dedicado por completo a la música que el oscarizado John Williams ha creado para cada entrega de Star Wars. Cuando se cumplen cuatro décadas del estreno de la primera película, un 25 de mayo de 1977 con “Star Wars Episodio IV: Una nueva Esperanza”, la Film Symphony Orchestra hará un recorrido por toda la música de la saga escrita para orquesta sinfónica y disponible para ser interpretada en concierto.

Un programa único, interpretado por vez primera al completo en nuestro país

Los temas de Anakin, Yoda, de la Princesa Leia, de Luke y Leia, La Marcha Imperial, A Través de Las Estrellas, La Banda de la Cantina, El Salón del Trono, El Desfile de los Ewoks, Las Aventuras de Jar Jar, El Scherzo de los Alas-X, La Marcha de la Resistencia... ¡y muchos más! Momentos apasionados, persecuciones galácticas, batallas épicas, desfiles singulares, duelos a muerte y los temas de los personajes más característicos en un concierto para todos los públicos; tanto para los que dejaron entrar LA FUERZA en su vida como para los poseídos por el LADO OSCURO. Fans de la saga, amantes de la buena música sinfónica, pequeños y no tan pequeños disfrutaran de los mejores temas de Star Wars como nunca antes los habían escuchado. Una vez más, la mejor música de cine de la mano de FSO.

Sobre Constantino Martínez-Orts

Profesor del Master de Film Scoring del Berklee College of Music, Martinez-Orts ha obtenido numerosos galardones internacionales como el Gran Premio de Dirección de Orquesta de Moldavia o el 2º Premio en el Concurso Internacional de Dirección de Orquesta en Craiova y ha estado al frente de prestigiosas orquestas como la BBC Concert Orchestra entre otras. Carismático y entusiasta, es probablemente el director de orquesta especializado en música de cine que mejor conoce este repertorio en nuestro país. Sus comentarios a las obras que dirige durante los conciertos son seguidos por el público con devoción. Precisamente su meticulosa elección del programa de cada tour y una cuidada interpretación de las obras han convertido a FSO en la orquesta de referencia, con una legión de fans incondicionales con los que ha reventado auditorios o la mismísima Plaza de Toros de las Ventas.

CONCIERTOS CONFIRMADOS HASTA LA FECHA

"LA MÚSICA DE LAS GALAXIAS”

ABRIL

Viernes 21 de abril – ZARAGOZA (Auditorio de Zaragoza)

Sábado 22 de abril – VALENCIA (Palau de la Música)

Domingo 23 de abril – BARCELONA (L'Auditori)

MAYO

Sábado 6 de mayo - SAN SEBASTIÁN (Kursaal)

Domingo 7 de mayo – VALLADOLID (Auditorio Miguel Delibes)

Viernes 12 de mayo – MADRID (Auditorio Nacional)

Sábado 13 de mayo – SEVILLA (Fibes)

Domingo 14 de mayo - GRANADA (Palacio de Congresos)

Viernes 19 de mayo – MADRID (Auditorio Nacional)

Domingo 21 de mayo – CARTAGENA (Auditorio El Batel)

Domingo 28 de mayo – BARCELONA (L'Auditori)

http://www.filmsymphony.es/

Foto: La Film Symphony Orchestra celebra el 40 aniversario de Star Wars con “La música de las galaxias”.

L´Arpeggiata en el Ciclo de Grandes Autores e Intérpretes de la UAM

L´Arpeggiata en el Ciclo de Grandes Autores e Intérpretes de la UAM

Publicado: abril 2017

El  22 de abril, el Centro Superior de Promoción e Investigación de la Música de la Universidad Autónoma de Madrid ofrece una nueva y atractiva cita en el Auditorio Nacional para disfrutar de una experiencia diferente y excepcional en la oferta musical madrileña. L´Arpeggiata, uno de los grupos europeos más interesantes del panorama internacional dirigido por la singular Christina Pluhar, presentará un proyecto de fusión entre la música barroca y la música tradicional popular del siglo XVII, junto al grupo de voces corso Barbara Furtuna y las voces solistas de Nuria Rial (soprano) y Vincenzo Capezzuto (contratenor).

Pasion Barroca, nos conducirá a la Italia del Seicento con una propuesta en la que convergen los sentimientos universales en torno al fervor y la pasión a través del descubrimiento de joyas musicales poco conocidas y llenas de la emoción, el misticismo y la espiritualidad del barroco temprano. Un recorrido musical que conecta el repertorio y el estilo de la música popular y la música culta de la Italia del s. XVII en el que podremos disfrutar de la sutil belleza de las voces corsas y del exotismo sonoro de los instrumentos de época.

L´Arpeggiata, fundada en 2000 por su directora Christina Pluhar, reúne a artistas de diversos ámbitos musicales provenientes de distintos rincones de Europa y abarca en sus proyectos la tradición y la modernidad de la mano del repertorio barroco italiano y español, y su fusión con géneros musicales tan variados, como el jazz, el flamenco y las músicas tradicionales. Grupo elogiado por crítica y público, es asiduamente invitado en los principales festivales y prestigiosos teatros de todo el mundo como el Concertgebouw de Ámsterdam, el Wigmore Hall de Londres, el Carnegie Hall de Nueva York, el City Recital Hall de Sídney, el Festival Internacional Cervantino de Guanajuato, o el Tokyo Metropolitan Art Spacey. Sus grabaciones han recibido las mejores críticas internacionales, tales como el Echo Klassik Preis, el Edison Price, el Cannes Classical Awards, el Prix Exellentia Pizzicato, el ffff de Télérama o el Disco del mes del BBC Magazine.

22 de abril, 19:30 h. Auditorio Nacional, Sala Sinfónica.

Información y venta:    

CSIPM-UAM: 91 497 49 78 / 39 03 info.csipm@uam.es

AUDITORIO NACIONAL: 902 22 49 49 www.entradasinaem.es

www.uam.es/csipm      

csipm.blogspot.com.es

Foto: L´Arpeggiata en el Ciclo de Grandes Autores e Intérpretes de la UAM

La música de los castrati llega al Auditorio Nacional con Bejun Mehta, el contratenor refinado

La música de los castrati llega al Auditorio Nacional con Bejun Mehta, el contratenor refinado

Publicado: abril 2017

El contratenor norteamericano presentará el domingo 23 de abril obras de Haendel, Bach y Vivaldi junto a la Akademie Für Alte Musik Berlin

El domingo 23 de abril a las 19.30 horas, el ciclo Universo Barroco del Centro Nacional de Difusión Musical (CNDM) presenta su penúltima cita en la Sala Sinfónica del Auditorio Nacional de Música de Madrid con "Cantata" recital del contratenor Bejun Mehta acompañado por la reputada Akademie Für Alte Musik Berlin. Mehta vuelve a la temporada barroca del CNDM tras su espléndido Orfeo de Gluck de hace tres temporadas y tras el reciente éxito como Bertarido en la ópera Rodelinda de Haendel programada en el Teatro Real de Madrid. Mehta, uno de los contratenores más refinados de su cuerda, presenta un programa que nos acercará a la época álgida de los castrati, recreando un universo poliédrico que contiene arias de oratorios ingleses de Haendel junto a cantatas sacras y profanas de Bach y Vivaldi. Un viaje que nos transportará al corazón musical del siglo XVIII.

Considerado uno de los contratenores actuales más reputados, Bejun Mehta es invitado habitual de las principales salas internacionales de ópera y concierto. El estadounidense es, durante la presente temporada, Artista Residente en la Filarmónica de Dresde, donde está demostrando su versatilidad artística con cuatro programas diferentes como cantante y director, en los que presenta arias de las grandes óperas y oratorios de Haendel y Mozart además de la obra Dream of the Song de George Benjamin, cantata escrita para él y ya estrenada en Francia y Estados Unidos. En la escena operística acaba de obtener un gran éxito en el Teatro Real de Madrid como Bertarido en Rodelinda de Haendel. Otras producciones le han llevado a interpretar a Farnace en Mitridate de Mozart en la Royal Opera House de Londres, el papel protagonista de Tamerlano de Haendel en Teatro alla Scala de Milán y Oberon en A Midsummernight’s Dream de Britten.

Entre sus momentos más destacados de las últimas temporadas se incluyen el estreno mundial de Stilles Meer de Toshio Hosokawa para la Staatsoper de Hamburgo (papel de Stephan), que volverá a interpretarse en la temporada 17/18, y una nueva producción de Orfeo ed Euridice de Gluck bajo la dirección de Daniel Barenboim en la Staatsoper de Berlín. Además de su trabajo como cantante, Mehta está impulsando su faceta como director con un par de compromisos por temporada, caso de su labor con la Filarmónica de Dresde, y está ofreciendo clases magistrales de Canto, como las impartidas dentro del Proyecto de Jóvenes Cantantes del Festival de Salzburgo. Mehta cuenta con un amplio catálogo de discos, entre los que se encuentran Che Puro Ciel, una colección de arias clásicas con la Akademie für Alte Musik Berlin y René Jacobs, publicado en otoño de 2014 por Harmonia Mundi y galardonado con Le Diamant d’Opera Magazine y Choc de Classica y el disco en directo de Dream of the Song de George Benjamin con la Orquesta del Concertgebouw de Ámsterdam y George Benjamin dirigiendo, publicado en 2016 dentro de las series RCO Live, Horizon7 de dicha orquesta.

PROGRAMA:

George Frideric Haendel (1685-1759)
Siete rose rugiadose (1711/12)
Cantata Mi palpita il cor (ca.1709)
Antonio Vivaldi (1678-1741)
Concierto para cuerdas en re menor ‘Madrigalesco’ (ca. 1720)
Johann Sebastian Bach (1685-1750)
Cantata Ich habe genug (1727)
Johann Christoph Bach (1642-1703)
Cantata (lamento) Ach dass ich wasser g’nug hätte zum weinen

A. Vivaldi
Cantata Pianti, sospiri e dimandar mercede
Antonio Caldara (1670-1736)
De La Passione di Gesù Cristo Signor Nostro
Sinfonía para cuerdas y continuo nº 12 en la menor (1730)

Melchior Hoffmann (1679-1715)
Schlage doch, gewünschte Stunde (atribuida a J.S. Bach)

G.F. Haendel
I will magnify Thee (1717/18) 

Localidades: de 15€ a 40€ 

http://www.cndm.mcu.es/es/universo-barroco/bejun-mehta-contratenor-akademie-fuer-alte-musik-berlin/domingo-23-abril-2017-1930 

Foto: La música de los castrati llega al Auditorio Nacional con Bejun Mehta, el contratenor refinado (foto de MolinaVisuals)

  

El auditorio Manuel de Falla, último escenario de la gira de Guy Braunstein en nuestro país

El auditorio Manuel de Falla, último escenario de la gira de Guy Braunstein en nuestro país

Publicado: abril 2017

Tras el enorme éxito obtenido en distintas ciudades españolas, el violinista y director de orquesta israelí, y durante 14 años, concertino de la Orquesta Filarmónica de Berlín, Guy Braunstein visita Granada el 28 de abril. El concierto será en el Auditorio Manuel de Falla el viernes 28 de abril a las 20:30 de la tarde e interpretará uno de los programas más exigentes jamás escritos.

Granada,

“Guy Braunstein & Friends” es el sugerente titulo con el que uno de los violinistas más influyentes de Europa presenta muy bien acompañado, un programa que rara vez se programa por su dificultad; los Quintetos con piano de Schumann y Brahms. Para tal hazaña estará rodeado de un grupo de músicos, conocidos por el pú- blico granadino, pero que igualmente desarrollan una amplia carrera por el viejo continente. En primer lugar la violinista noruega, afincada en Málaga, Anna Nilsen, el violinista Jesús Reina, el malagueño que conquistó Nueva York y continuador de la estela de Zukerman y por último dos granadinos marca de la casa; Alberto Martos, artista Sony que recientemente ha estrenado disco con la OCG y Ambrosio Valero, único embajador Bösendorfer de nuestro país y Medalla de Oro en el Concurso María Canals de Barcelona.

¿Que encontraremos el día 28 de abril?

“Guy Braunstein & Friends” será un hito en Granada por unir la singularidad de una música prácticamente imposible para muchos intérpretes con la interpretación de estos grandes solistas. Un evento tipico de Lon- dres, París, Berlín o Viena, pero a un precio asequible. Un concierto que ha llenado los auditorios por los que ha pasado y que promete.

Los protagonistas

Guy Braunstein, nacido en Tel Aviv (Israel), comenzó a estudiar violín con la edad de siete años. Formado en Israel bajo la dirección de Haim Taub y en los Estados Unidos bajo con Glenn Dicterow y Pinchas Zukerman, Braunstein desarrolló una brillante carrera como solista y músico de cámara desde el principio, siendo solista de las principales orquestas de todo el mundo y tocando en numerosos grupos de música de cámara como el Cuarteto Huberman. Desde el año 2000 ha formado parte de Filarmónica de Berlín como concertino, puesto que alcanzó en la cumbre de su carrera como solista y sin haber sido anteriormente concertino en ninguna otra orquesta. Desde entonces su papel en la Filarmónica de Berlín ha sido incuestionable para todos los miembros de la mítica orquesta, aun habiendo marchado con el fin de concentrarse en su carrera en solitario. Ha aparecido en varios festivales de música en todo el mundo, incluyendo el Festival de Música de Cámara de Jerusalén, fundado por Elena Bashkirova en 2009. Actualmente es solicitado en orquestas y auditorios de todo el mundo en calidad de Solista y Director de Orquesta.

Anna Margrethe Nilsen debutó como solista con nueve años con la Orquesta de la Radiotelevisión Norue- ga, siendo frecuentes sus apariciones como solista en orquestas de todo el mundo. Ha actuado en salas tan prestigiosas como la Wiener Konzerthaus de Viena, el Oslo Concert Hall en Noruega, la Filarmonía de San Petesburgo o el Carnegie Hall de Nueva York. Actualmente es profesora de violín en la célebre Academia Inter- nacional de Música Ivan Galamian de Málaga y cofundadora y directora del Festival Internacional de Música de Cámara, Málaga Clásica.

El malagueño Jesús Reina ha sido galardonado recientemente con el Premio Reina Sofía. Formado en Londres con Yehudi Menuhin y en Nueva York con Pinchas Xukerman, este violinista ha desarrollado una amplia carrera internacional desde su juventud. Ha actuado en algunos de los auditorios más reconocidos del mundo, como lo son Carnegie Hall en Nueva York, Royal Festival Hall en Londres o Wiener Konzerthaus en Viena y con las or- questas del Teatro Mariinsky con Valery Gergiev o la Orquesta Sinfónica de Barcelona con Eiji Oue, entre otras. Actualmente director artistico del Festival Málaga Clásica que se realiza en el Teatro Cervantes de Málaga. Sus logros culturales le han llevado  a recibir el premio “Puerta de Andalucía” y la Medalla de Honor de Málaga.

El granadino Alberto Martos, considerado por Daniel Barenboim “Una de las mayores promesas del violon- chelo español”, ha actuado en salas tan prestigiosas como el Carnegie Hall de Nueva York, Royal Albert Hall de Londres, Teatro alla Scala de Milán, Sala Pleyel de París o Teatro Colón de Buenos Aires. Cabe destacar su disco  con las “Variaciones Goldberg” con Garnati Ensemble para el sello Sony Classical.

Ambrosio Valero es hoy día uno de los pianista españoles con mayor carrera a nivel internacional. Afamado músico, embajador de la prestigiosa marca de pianos vienesa Bösendorfer, ha actuado en numerosos esce- narios y festivales de todo el mundo y su carrera le ha llevado a obtener galardones tan emblemáticos como el Premio Nacional “Manuel de Falla”, el Premio Nacional “Ciudad de Albacete” o la Medalla del Concurso Internacional “María Canals” de Barcelona

Datos del concierto: Auditorio Manuel de Falla de Granada Viernes 28 de abril 20:30h.

Precio de las entradas 20€ Sala A1/18€ Sala A2 + gastos de gestión. (Descuentos para grupos y colectivos, más información en taquilla)

En taquilla del Teatro Isabel la Católica y www.redentradas.com

www.dropartist.es www.facebook.com/dropartistoficial

Foto: El auditorio Manuel de Falla, último escenario de la gira de Guy Braunstein en nuestro país.

Iberian & Klavier y el maestro Alonso suenan en la Alhambra

Iberian & Klavier y el maestro Alonso suenan en la Alhambra

Publicado: abril 2017

En la Alhambra de Granada, en el imponente marco del palacio de Carlos V, el próximo 22 de abril, Iberian & Klavier piano dúo (Laura Sierra y Manuel Tévar), rinden homenaje al compositor granadino, Francisco Alonso (Granada 1887-Madrid 1948), cuya obra ya forma parte de la cultura popular española.  El compositor de piezas inolvidables como el pasacalles de Los nardos o el chotis del Pichi, de la revista musical Las Leandras compuso más de 250 títulos, entre zarzuelas, sainetes líricos, comedias, revistas musicales, composiciones sinfónicas, cuplés, himnos, ballets, canciones y música para películas.

Tras el éxito obtenido con sus primeras grabaciones, Café 1930 y Bon Voyage, el piano dúo Iberian & Klavier presenta su tercer trabajo discográfico, grabado en el Konzerthaus de Viena y editado por su propio sello Ibemusik: “El piano del Maestro Alonso”, un proyecto de recuperación de patrimonio, dedicado a la obra inédita para piano a dos y cuatro manos del célebre compositor granadino Francisco Alonso, que incluye obras inspiradas en su ciudad natal, como Danza Gitana, Noche en la Alhambra, Marcha mora, o Mi adiós a Granada, obra que el maestro Alonso improvisó al piano, al despedirse de su ciudad; la Granada de su infancia y juventud, en la que dirigió al Orfeón de la Sociedad Filarmónica, y la Banda de los Obreros Polvoristas de El Fargue, donde estrenó la zarzuela La Niña de los Cantares en el Teatro Cervantes, y fundó y dirigió la Escuela de Música.

El CD “El piano del Maestro Alonso” irá acompañado de un DVD, con imágenes tomadas en La Alhambra, el Teatro de la Zarzuela, o el Centro de Documentación de Andalucía, en el que la propia familia del maestro Alonso narra la etapa granadina de este compositor, que fue un auténtico referente de la vida cultural de su ciudad.

Tras su presentación en Granada, fieles a su compromiso de difundir la música española más allá de nuestras fronteras, Laura Sierra y Manuel Tévar, componentes  del  piano dúo Iberian & Klavier, que en el 2016 obtuvieron el Primer Premio del Bradshaw & Buono International Piano Competition de Nueva York,  llevarán a Italia la música del compositor granadino y su nuevo CD “El piano del Maestro Alonso”, al Lake Como Festival el próximo mes de mayo, mes en el que regresarán a Andalucía para interpretar obras de Mozart y Saint-Saëns, junto a la Orquesta de Córdoba, en el Gran Teatro de Córdoba.

https://www.iberianklavier.com/

Crítica - Cuenca (II)

Crítica - Cuenca (II)

Publicado: abril 2017

56 Semana de Música Religiosa

Jueves Santo plenamente italiano

Italia generó todas las notas musicales surgidas en los conciertos del Jueves Santo en las SMR (salvo el “bis” bachiano del recital de la mañana). Dos momentos extremos, separados por dos centurias y por dos conceptos antagónicos de la expresión musical. El de la mañana –el mejor del festival hasta la fecha— fue un sublime canto barroco al violonchelo, con las primeras (y muy desconocidas) piezas originales para este instrumento a solo. El de la tarde tuvo como protagonista el Stabat Mater de Gioacchino Rossini, una partitura para el frenesí del coro, la orquesta y los solistas vocales. Una obra de un autor retirado del éxito operístico y que decidió dedicar las últimas décadas de su vida a comer y escribir “para Dios y para los amigos”.

IL PROFUNDO SENTIRE DELL´ANIMA. INOLVIDABLE

El convento de San Pablo –hoy espacio Torner— ha fascinado a todos los que han tenido el privilegio de interpretar o escuchar un concierto. Su belleza gótico tardía envuelve una acústica que reverbera pero no distorsiona; amplifica y no molesta. Es mágica. Si a eso añadimos a un intérprete con mayúsculas como el italiano Gaetano Nasillo la combinación es plena. El repertorio puede ser desconocido, pero su belleza cautiva. Casi todas las piezas eran exquisitas y el fraseo tan detallista que abrumaba. El resultado fue hipnótico, envolvente, intenso y cautivador. Hasta el detalle del cambio de arco (más tenso) para la interpretación de las obras de estética más tardía dejaba a las claras la profundidad metódica del intérprete transalpino. Todo culminó en lo sublime.

PODEROSO STABAT MATER DE ROSSINI

Escuchar esta obra para los habituales de las SMR nos lleva a la inolvidable interpretación del año 2003 con el recientemente fallecido Alberto Zedda al frente de la JONDE, el Coro Nacional de España y solistas de la talla de Isabel Rey, Daniel Barcellona, Juan Diego Flórez y Orlin Anastassov. Eran tiempos de abundancia, diferentes a los actuales. Sin entrar en comparaciones específicas y estériles, les explico que a mí me pareció muy poderosa la interpretación de ayer. Una versión firme, serena en los tempi pero con una notable concepción general  muy expresiva. Miguel Ángel Gómez Martínez jugó a la perfección con esta partitura escrita de manera indiferente al texto, operística, bellcantista, brillante y lírica a partes iguales.

Equilibrar todo es complicado y se consiguió. Bien la Orquesta y Coro de RTVE, éste último superándose en cada intervención hasta el excelente final. El cuarteto solista cantó con solvencia, a pesar de algunas exageraciones en los agudos, algo gritones, de la soprano Marjukka Tepponen.

En resumidas cuentas: disfrutamos de un buen Stabat Mater rossiniano, una música que hace feliz a quien la escucha cuando se interpreta con esta profesionalidad.

Lazarus y el inicio de una idea

No conocía esta obra inacabada y apenas interpretada del vienés Franz Schubert. El compositor romántico— cuya vida fue segada por la sífilis a los 31 años— tuvo una creación amplia y errática para su corta vida, lo que causó que muchas páginas no estén concluidas, incluso muchas de las más interpretadas, como la Sinfonía nº8.

La obra es realmente buena, de las que deberían sonar en los repertorios habituales. Creo que Schubert no pudo entrar en el  circuito de la ópera (que era lo que más deseaba) y el oratorio no por falta de talento, que le sobraba a raudales, sino porque no terminó de entender el funcionamiento de la música incidental al servicio de la historia. Eso y, principalmente, porque no tuvo el suficiente tiempo vital.

Lazarus posee una tensión creciente. El segundo acto es extraordinario, el pináculo expresivo lo encontramos es el aria para bajo «O könnt ich, Allegewaltiger», de escritura soberbia y que es un auténtico precedente de los mejores momentos de los dramas musicales de Richard Wagner. Los coros destilan audacia armónica y expresividad y la trama está bien hilada con recitativos y arias cercanas a la melodía infinita, sin apenas cortes.

LA ACADEMIA

Una de las novedades de la nueva gerencia de las SMR ha sido crear este proyecto en el que se ha convocado a jóvenes músicos mediante prueba de acceso para crear una orquesta y un coro. Es probable y deseable que éstos sean el germen de una agrupación estable en las SMR. Por tanto, no es un grupo “trabajado” y “hecho”, pero el resultado sonoro y expresivo fue excelente. Se percibía claramente la implicación de todos y la ilusión de estar haciendo algo grande. El sexteto vocal sonó equilibrado, las seis voces eran bellas y complementarias. El director José Sanchís mantuvo la tensión de la partitura así como el orden y las funciones de todos en esta asociación naciente. Creo que se ralentizaban algunas intervenciones vocales, cuestión lógica ante la novedad de la agrupación y la dificultad de la partitura.

Sábado Santo dispar

El Hospital de Santiago es el marco barroco perfecto para cualquier concierto. Su acústica es una de las mejores de la ciudad, perfecta para la polifonía. En ese marco escuchamos por la mañana la segunda intervención de la Academia de las SMR, esta vez sólo la parte coral (a pesar de estar anunciada también la instrumental, error de bulto que no se debe repetir). El programa era la Misa en Re Mayor Op. 86 del checo  Antón Dvorak y una pequeña selección de corales de la Pasión de Johann Sebastian Bach.

No puedo juzgar como una agrupación estable a unos jóvenes músicos que acaban de superar unas pruebas de selección y que están trabajando a toda velocidad para montar un repertorio en tiempo record.  Su trabajo es encomiable y los resultados muy interesantes y que adelantan todo su potencial. Critico algo más la selección de las obras de ayer. El musicólogo Marco Antonio de la Ossa explica en sus excelentes notas al programa que la obra de Dvorak «trató de agradar a su amigo sin incluir innovaciones». Evidentemente, la obra no posee ni innovaciones ni interés alguno.  Tan plana en la concepción que hace muy difícil no serlo en la interpretación. Con un breve descanso para que el organista cambiara el órgano moderno por el positivo, cantaron los bellísimos corales bachianos, envueltos en esa acústica impagable.

POLIFONÍA RENACENTISTA Y CANTO GREGORIANO EN LA CATEDRAL

La catedral fue el marco del segundo concierto del día. Muy enraizado en la tradición del festival y con todos los ingredientes para disfrutar de un momento profundo y perdurable. La música giró alrededor de la Missa Pro Victoria del genial compositor abulense Tomás Luis de Victoria. Junto a esta pieza, sonaron fragmentos de canto llano, dos obras organísticas a dúo de Sebastián Aguilera de Heredia y Jusepe Ximénez y una página instrumental de Juan García de Salazar. La puesta en escena, la típica del director de Schola Antiqua Juan Carlos Asensio, armoniza la sencillez con la espiritualidad: entrada en procesión, posicionamiento en el coro, combinación permanente de  monodia, polifonía y música instrumental. La polifonía vocal estaba en parte realizada por instrumentos originales, bellísimamente interpretados por  los Ministriles de Marsias. El empaste siempre funcionó y los colores que surgían de las distintas combinaciones se fusionaban con los de las vidrieras y la maravillosa iluminación de la catedral basílica. Una belleza.

El Sábado Santo se cerró con un concierto centrado mayoritariamente en un cantautor muy importante en la historia de la música popular española. No me siento capacitado para hablar de ello, principalmente por dos cosas: la primera es que no soy experto en ese campo y la segunda es que podría legitimar este tipo de ocurrencias en los años sucesivos.

Un Requiem Alemán claramente romántico

Desde 2008 no escuchábamos en las SMR esta obra sinfónico-coral, calificada por Óscar del Canto –responsable de las notas al programa— como «Sagrada Trinidad de cantos fúnebres del repertorio sinfónico-coral». Aquel año los responsables fueron Philippe Herreweghe,  la Orchestre des Champs-Élysées y el Collegium Vocale Gent, una versión muy detallista, historicista y alejada de las más habitual tradición romántica. En la presente edición pudimos escuchar una versión radicalmente distinta. La Orquesta de RTVE y los coros de la Comunidad de Madrid y el propio de la RTVE, bajo las órdenes del director granadino Miguel Ángel Gómez Martínez propusieron una versión centrada en los fraseos largos, juego de masas y gran intensidad dinámica.

El Requiem Alemán es una obra religiosa no litúrgica que marca una de las cumbres de su autor, Johannes Brhams, y todo el periodo romántico. En él todo es audacia armónica, técnica orquestal y vocal, expresividad y, por qué no decirlo, espiritualidad. Como el creador era enemigo de la ópera (y del matrimonio) nunca se centró en el género que se disputaban sus contemporáneos Wagner y Verdi. En el Requiem Alemán admiramos al operista que no fue, a sus maravillas melódicas, a sus manejos corales de fuerza y sutilidad inimitables, a su fidelidad al texto.

Miguel Ángel Gómez Martínez dirigió, como siempre, sin partitura. Me gustó su concepción global, ya indicada en el primer párrafo: amplio fraseo, cierta contención en los tempi y un juego casi extremo de las posibilidades dinámicas del doble coro. Abrumaron muchos momentos del segundo y sexto movimiento por la potencia coral. También fue interesante la idea de cantar sentados el quinto, cuando intervenían junto a la soprano, consiguiendo un mayor equilibrio.

Los dos solistas mantuvieron un buen nivel. La soprano Ruth Iniesta posee un bello timbre y un fraseo natural. El barítono José Antonio López cantó con gran expresividad y potencia sus difíciles intervenciones.

Música Ficta culmina la 56 SMR con un concierto sublime

El título del artículo es el mejor resumen del concierto de clausura de las SMR. El marco fue la iglesia románica de Arcas, siempre hermosa y perfecta. Los responsables musicales fueron los componentes del grupo vocal especializado en música renacentista y barroca Música Ficta, dirigido por Raúl Mallavibarrena. Este conjunto español  vino a nuestro festival hace más de una década para interpretar un fabuloso Requiem de Tomás Luis de Victoria, cuya grabación es uno de las referencias históricas.

En Arcas lo bordaron. En un concierto titulado Gemini interpretaron obras de los siglos XVI y XVII para doble coro, con acompañamiento de dos arpas. La belleza de las obras interpretadas están a la par de su dificultad, pues fueron afrontadas con absoluta desnudez, utilizando una voz por cuerda. Eso hace que también exista mayor capacidad de plasticidad y detallismo. Todo funcionó como debe. Los evidentes nervios iniciales se fueron asentando y el concierto evolucionó en un crescendo expresivo imparable. Los momentos de magia se sucedieron, como el que surgió en el Ave Maris Stella de las Vísperas Beata Vergine de Claudio Monteverdi, escueto, lírico, austero y directo a la emoción. Algo parecido sentimos con la inenarrable Ave María para doble coro de Victoria. Cada voz en sí misma era un mundo y como grupo sonó como la combinación de los mejores mundos posibles.

Si el concierto fue memorable, el “bis” desató todos los bravos con una versión inmensa del no menos inmenso Ave Verum Corpus del polifonista inglés William Byrd. Concierto para la memoria.

Manuel Millán de las Heras

http://www.smrcuenca.es/

Foto: Cristóbal Soler, director de la 56 Semana de Música Religiosa. 

 

El polifacético clarinetista Jörg Widmann llega a Madrid como Compositor Residente del CNDM

El polifacético clarinetista Jörg Widmann llega a Madrid como Compositor Residente del CNDM

Publicado: abril 2017

El compositor y clarinetista alemán ofrecerá tres conciertos dentro de la temporada del CNDM, del 17 al 25 de abril, y estrenará una obra encargada a él por el CNDM junto a la Fundación BBVA y en coproducción con el Wigmore Hall de Londres, la Philharmonie de Essen, el Mozarteum de Salzburgo, el Muziekgebouw de Ámsterdam y la Cité de la Musique de París.

El Centro Nacional de Difusión Musical (CNDM) presenta, del 17 al 25 de abril, tres conciertos protagonizados por el compositor y clarinetista alemán Jörg Widmann, Compositor Residente del centro en la actual temporada.  En el primero, el lunes 17 de abril a las 19.30 horas en el Auditorio 400 del Museo Reina Sofía, dentro del ciclo "Series 20/21", Widmann interpretará en un recital para clarinete solo un conjunto de obras de compatriotas, de los que destacan el estreno en España de su obra Drei Schattentänze y de la pieza Black Mirrors III (Phantasiestück) de Gerhard E. Winkler, además de dos composiciones de de Igor Stravinski y Luciano Berio.

Una semana después, llegará junto al excelso Cuarteto Hagen a la Sala de Cámara del Auditorio Nacional de Música en dos conciertos consecutivos (lunes 24 y martes 25 de abril) dentro del ciclo "Liceo de Cámara XXI". El programa elegido para el primero de estos conciertos está formado por dos obras, su Quinteto para clarinete y cuerdas, encargado por el CNDM y la Fundación BBVA en coproducción con el Wigmore Hall de Londres, la Philharmonie de Essen, el Mozarteum de Salzburgo, el Muziekgebouw de Ámsterdam y la Cité de la Musique de París, y el Quinteto para clarinete y cuerdas en si menor en si menor de Brahms, una de las cumbres de la música de cámara del Romanticismo.

La sesión del martes permitirá disfrutar a todos los aficionados de varias páginas de Widmann y el Quinteto para clarinete y cuerdas KV 581 de Mozart. Además de las citas mencionadas, la programación del CNDM también ha incluído partituras suyas en dos conciertos más de su serie musical en el Museo Reina Sofía: el Cuarteto Kuss interpretó su Cuarteto nº 1 el pasado lunes 10 de abril y la Sinfonietta de la Escuela Reina Sofía hará lo propio el lunes 8 de mayo en el mismo escenario con su Octeto compuesto en 2004. Los conciertos en el Museo Reina Sofía son con acceso libre hasta completar aforo y las localidades de los programados en el Auditorio Nacional van de 10 a 20 euros, con descuentos de hasta el 60% para menores de 26 años y desempleados.

Polifacético virtuosismo

Como indica el musicólogo Antonio Gómez Schneekloth: "Aquel que desee conocer al compositor Jörg Widmann (Múnich, 1973) debería conocer también al clarinetista, sobre todo las veces en que éste interpreta obras propias. Su rango expresivo abarca todas las posibilidades que el instrumento ofrece hoy por hoy, desde el bel canto hasta cualquier tipo de transformación sonora, incluidas la percusiva y electrónica. De sus piezas para conjuntos instrumentales u orquesta se ha llegado a afirmar que suenan como un clarinete de enormes dimensiones, donde el aliento juega un papel preponderante, emanando de un pulmón igualmente voluminoso. Guiado por la curiosidad y la avidez de conocimiento, Widmann se ha familiarizado tanto con la música de las últimas décadas como con la anterior mediante el análisis teórico y el ejercicio práctico, estrenando un buen número de obras compuestas específicamente para él.

En los últimos años, el profesor de la Escuela Superior de Música de Friburgo, actualmente de excedencia por sus crecientes compromisos como intérprete y compositor, ha visto cómo su catálogo de obras ha ido creciendo a buen ritmo, tocando todos los géneros, desde el escénico y el orquestal al de cámara con piezas para un único instrumento, entre ellas su Fantasía para clarinete solo que sonará aquí en Madrid. Con todo, no resulta demasiado difícil detectar un denominador común en su opus global, ciertos rasgos que se repiten y que conforman un estilo que, ya se ha dicho, se basa en un concepto muy personal de la respiración, perfectamente aplicable a cualquier instrumento. Todo esto convierte a Widmann en uno de los músicos y creadores más versátiles y originales de su generación, no pocas veces invitado por instituciones en calidad de Compositor Residente, solista, músico de cámara y director de orquesta a la vez.

Aquí en Madrid, y a lo largo de su residencia, lo veremos mostrando prácticamente todas su caras: la interpretativa en solitario y junto al Cuarteto Hagen, la compositiva a través del Cuarteto Kuss y de la Sinfonietta de la Escuela Superior de Música Reina Sofía dirigida por Baldur Brönnimann y él mismo en calidad de solista. Y tampoco faltará en este amplio espectro un estreno absoluto, su Quinteto para clarinete y cuerdas, encargo de la Fundación BBVA y del CNDM en coproducción con prestigiosas instituciones europeas".

Para entrevistas, información adicional y pases de prensa, por favor, conteste a este e-mail.

Conciertos

19:30

L17

JÖRG WIDMANN, clarinete

Museo Reina Sofía (A400) | Madrid 

Con este recital para clarinete solo iniciará el virtuoso alemán Jörg Widmann su estancia en Madrid como Compositor Residente de la temporada 2016/17 del CNDM. Widmann ha elegido un conjunto de obras de autores provenientes de los países de habla alemana, a excepción, claro está, de Stravinski y Berio. Formado como clarinetista entre Múnich y Nueva York, y en composición con Henze y Rihm a partir de los once años de edad, este niño prodigio bien se merece que el público madrileño lo conozca de cerca; o que repita la experiencia, si es que no lo ha hecho ya.

19:30

L24

CUARTETO HAGEN - JÖRG WIDMANN, clarinete

Auditorio Nacional (Cámara) | Madrid

El compositor y clarinetista Jörg Widmann, Compositor Residente de la temporada 2016/17 del CNDM, ofrecerá dos conciertos seguidos junto al Cuarteto Hagen. En este primero se interpretarán dos obras, un nuevo quinteto del doble talento alemán, obra encargo del CNDM junto a la Fundación BBVA y varias instituciones europeas, y el Quinteto para clarinete y cuerdas en si menor de Brahms, una de las cumbres de la música de cámara del Romanticismo. El carácter de este quinteto lo definió muy bien el crítico y amigo del compositor Max Kalbeck al afirmar que se trata de una “despedida del bello mundo”.

Localidades: desde 10€

19:30

M25

CUARTETO HAGEN - JÖRG WIDMANN, clarinete

Auditorio Nacional (Cámara) | Madrid

Varias piezas de Widmann y el KV 581 de Mozart conforman esta segunda cita con el solista alemán y el Cuarteto Hagen, este último poseedor de numerosos e importantes premios obtenidos a lo largo de su fructífera carrera, entre ellos un Diapasón de Oro. Al margen de las obras en sí, la calidad musical será pues el distintivo de esta velada con cinco músicos de excepción que se despedirán del público madrileño con una de las páginas más hermosas de la historia de la música universal: “sublime unidad temática de lo heterogéneo”. Así resume Schoenberg las cualidades del Quinteto en la mayor de Mozart.

Localidades: desde 10€ (entrada gratuita día 17)

http://www.cndm.mcu.es/

Foto: El polifacético clarinetista Jörg Widmann llega a Madrid como Compositor Residente del CNDM.

 

Crítica - Cuenca SMR

Crítica - Cuenca SMR

Publicado: abril 2017

56 Semana de Música Religiosa

CONCIERTO I

Il giardino della vita abre la 56 edición de la SMR

En un mundo ideal las propuestas escénicas deberían ser obligatorias en nuestro festival, pero tanto las razones presupuestarias –son espectáculos caros y deficitarios— como las argumentales –muy pocas obras de este género tocan temática religiosa— obligan a que sea cada ciertos años cuando tales propuestas pueden plasmarse sobre el escenario. Aquí hemos disfrutado de óperas de Benjamin Britten o Kurt Weill. Además, sin escenificar, dos formidables dramas musicales de Richard Wagner que aún mantengo en la memoria: Tannhauser y Parsifal.

El compromiso con los autores vivos y la música escénica se reflejó en la representación de Il giardino della vita, ópera de cámara del compositor algecireño José María Sánchez Verdú, que se ha convertido en un habitual de las SMR tanto en cuestión de encargos como en reposiciones de sus obras. Esta ópera fue escrita –según afirma el propio autor en las notas al programa— durante los últimos meses de 2016 como encargo del Festival 900 Presente de Lugano y del Conservatorio della Svizzera Italiana. En la reposición del Sábado de Pasión el texto fue mayoritariamente traducido al castellano.

La eterna dicotomía entre la música y el drama

El libreto de Gilberto Isella gira alrededor de la figura del arquitecto reusense Antoni Gaudí. El gran genio del modernismo medita desde la vejez sobre todos los aspectos de su infancia y prevé tanto el atropellamiento que le llevará a la muerte como la imposibilidad de terminar La Sagrada Familia. El texto posee un importante vuelo lírico y las proporciones exactas para crear una ópera de corta duración. Sin embargo, adolece de acción dramática, siendo más cercano en espíritu a la cantata escénica.

Verdú es un compositor prolífico que posee un lenguaje claro y definido, basado en la consecución de determinadas sonoridades mediante la acción sumatoria de objetos sonoros.  Para él la paleta orquestal  debe agregar sonidos resonantes y extremos en los armónicos. Genera un clima determinado que reitera permanentemente y que nunca rompe en las dinámicas fortes. La utilización melódica es minimalista, leve, concisa y al servicio de todas las sonoridades creadas. La voz es principalmente hablada, salvo las breves apariciones del ángel, Gaudí niño y la escolanía de voces blancas.

Verdú consigue lo que se propone, pero tengo dudas de que ello logre una música escénica real. Su lenguaje crea un ambiente general sereno, onírico y con muchos matices sonoros, pero la acción no termina de avanzar. Los recursos musicales son reiterativos y la belleza de algunos momentos no nos lleva a ningún sitio diferente sino que retorna al inicio. Cuarenta y cinco minutos de música excesivamente similar, estática y alejada del espíritu de lo que está concebido como  una ópera.

Los intérpretes

Empezaré por lo mejor y lo que más aplausos arrastró: la Escolanía Ciudad de Cuenca. Bajo la atenta dirección de su director Carlos Lozano (a su vez pendiente de la dirección general de Arturo Tamayo) abordó con compromiso de profesionales una partitura difícil de comprender para unos niños. Su técnica vocal es impecable y los matices sonoros exquisitos. Esta agrupación nunca deja de sorprendernos. También fueron sobresalientes la soprano Marga Rodríguez en los pasajes de mayor vuelo lírico de la obra y el niño Mario Sánchez Puente, cuya intervención es breve pero comprometida. El peso dramático lo llevó el actor conquense Rafa Núñez, perfecto en su papel, con voz penetrante y magnífica credibilidad. A excelente nivel también estuvo Eva Higueras como madre de Gaudí. El Ensemble 900 actuó con precisión ante el gran número de recursos instrumentales que debían desarrollar, todos los posibles salvo los convencionales.

Por último, debo detenerme en la bellísima puesta en escena: leve, etérea y centrada en una lona y en cuidadísimos juegos de sombras y luces. Con tan poco han conseguido absolutamente todo: belleza, variedad, color y seducción. Este es, sin duda, el camino.

CONCIERTO II

Cuarteto Casals: catorce años después

Recuerdo la primera vez que escuché esta agrupación en las SMR. Fue un 15 de abril de 2003, en la misma iglesia de San Miguel que acogió el concierto de ayer. Eran mucho más jóvenes y he podido comprobar la evolución de su madurez, su sonido y la mayor compenetración que genera el trabajo continuado durante tantos años. En aquella ocasión el concierto era casi idéntico, con la extensa obra de Haydn «Siete últimas palabras de Cristo en la cruz» y la pieza de encargo, la cual no se ejecutó por graves desavenencias de última hora entre el autor y el director de ese año.

Las obras

Siempre que las SMR realiza un encargo quiero reflejar la importancia de este pilar que jamás se ha quebrantado, quizá el más importante para la historia. A Cuenca debemos la inmensa mayoría del patrimonio religioso español de la segunda mitad del siglo XX. Toda la generación de la república (los que no acabaron exiliados o asesinados, claro), la del 51 y las posteriores, que ya no crearon movimientos ni proyectos comunes, estrenaron obras aquí: Mompou, Remacha, Rodrigo, todos los Halffter, Luis de Pablo y un largo etcétera.

Para la 56 edición se ha apostado por el joven creador valenciano Francisco Coll. Precedido de grandes éxitos nacionales e internacionales como la ópera «Café Kafka» se está convirtiendo en una figura a tener en cuenta en el panorama creador español. Su obra «Cantos» es muy breve, quizá el estreno más escueto que yo recuerdo aquí. Es serena, lenta, de dinámica permanentemente suave y que sin más, termina. Tuve la sensación de que nos encontrábamos ante el inicio de una pieza que simplemente se corta sin aclarar nada de lo expuesto. No sé qué decir, salvo que animo al maestro Coll a que intente cerrar esta composición.

Las Siete Palabras de Haydn fue un encargo de la Hermandad de la Cueva  de Cádiz. En las excelentes notas al programa firmadas por García del Busto se explica muy bien la fascinación que el autor austríaco generaba entre los ilustrados españoles del siglo XVIII (y que para nada generaba Mozart). Es, sin duda, una de las obras más interpretadas en las últimas dos décadas del festival, en sus distintas instrumentaciones. Siete tiempos lentos coronados con un “terremoto” final.  Siempre he pensado que no es lo mejor del autor y que estructuralmente se acaba cayendo, a pesar de la maestría de su escritura. Por ello mismo, es tan difícil su interpretación, exige crear contrastes y variaciones permanentes para mantener viva la obra en todo momento.

Los intérpretes

Poco puedo añadir al primer párrafo de esta crítica. El Cuarteto Casals ha madurado, su sonido es redondo y los arcos milimétricos. Se compenetran y entienden. La fama actual está gana da a pulso, trabajo y talento. Tengo ganas de escucharlos en obras más contrastantes y con mayores cambios de tempo y dinámica.

CONCIERTO III

King´s Consort mantuvo la excelencia

The King´s Consort ha traído momentos muy brillantes en la historia de nuestro festival. Recuerdo el descubrimiento del oratorio Juditha triumphans de Vivaldi en el año 2003 y una versión excelente de la Pasión según san Mateo de Bach en la edición de 2010. Con la agrupación completa, el director inglés Robert King mostró siempre proyectos basados en la luminosidad instrumental y vocal, grandes contrastes y uso de crescendos y diminuyendos diáfanos y muy expresivos.

El Domingo de Ramos sólo vino el coro de la agrupación. El repertorio propuesto era bastante arriesgado en comparación con las anteriores participaciones, pero no por ello menos interesante: el coral inglés de finales del siglo XIX y del siglo XX.  Todos los textos sobre los que se basaron las composiciones trataban el tema de la muerte, o mejor dicho –y tal y como afirma Mario Muñoz Carrasco en sus excelentes notas al programa— «cómo el hombre, tras morir, inicia un dulce regreso a una isla no recordada pero predilecta». No quiero dejar de lado las notas al programa, pedagógicas y muy bien escritas, que ayudaron a comprender un repertorio poco habitual en estos rincones de Europa.

Los autores

Cada una de las obras fue presentada por Robert King en un inglés tan claro que resultó comprensible hasta para torpes perezosos en esa lengua como yo. El repertorio viajó desde las obras tardo-románticas de Charles Villers Standford y Edward Naylor, hasta compositores del siglo XX como Herbert Howells –que sorprendió con un uso magistral del coro, tratado casi como si fuera una orquesta en permanente contraste entre solistas y el conjunto— William H. Harris –autor brillante que demuestra su permanente trato con las agrupaciones corales— Herbert Murrill y los dos grandes autores británicos de la centuria: Walton y Britten, cuyo Himno a Santa Cecilia volvió a sonar lleno de matices. También escuchamos la obra de un joven autor vivo: Thomas Hewitt Jones, influenciada por la tradición y la tonalidad.

La versión

The King´s Consort Choir nunca decepciona. Es una máquina perfecta que sigue milimétricamente las indicaciones del director. La paleta de recursos es inagotable, el sonido de conjunto posee plenitud, color y matiz. Todo encaja y es exacto. La expresividad es permanente, juega de continuo con los infinitos recursos y no hay tiempo para la monotonía. El permanente cambio de disposición ayudó a generar diferentes sonoridades y se re realizaba en los momentos de explicación del director. Todo estaba cuidado, medido y controlado.

En resumidas cuentas, Robert King mantuvo la excelencia.

Manuel Millán de las Heras

http://www.smrcuenca.es/

Foto: Il Giardino della Vita (foto de Santiago Torralba / SMR)

 

Crítica - Reus (Tarragona)

Crítica - Reus (Tarragona)

Publicado: abril 2017

Patricia Kopatchinskaja y Orquestra Camera Musicae

La violinista moldava copaba a buena parte de la audiencia en el teatro. La fama le precedía. Se debía enfrentar a un hueso duro de roer, como es el “Concierto para Violín” de Jean Sibelius. Para tan bella y enigmática obra (sobre todo en el primer movimiento) se precisa de una especial sensibilidad. Por la orquesta no faltó; Grau supo imprimir desde el primer compás ese ambiente que acompaña el misterio de la bruma forestal finlandesa de manera magistral. Kopatchinskaja sin embargo recurría a unos pianísimos apenas inaudibles, apenas se dignaba a dialogar con la orquesta, lo cual en gran parte de la larga partitura está libre de ello. Ardua en sus movimientos corporales incide en la acentuación eufórica, incluso a veces exagerada de las frases, alejándonos de las grabaciones de los grandes de violín que todos tenemos en mente. Las fases de la orquesta eran un punto y aparte, deleitando la gran instrumentación a la que Sibelius nos tiene acostumbrados. La bella romanza que sirve de segundo movimiento quedó truncada en su lirismo, en buena parte por lo ya mencionado. Y en el finale se pudo ver más la cohesión entre solista y grupo orquestal. Lo dicho, la rebeldía de la solista y su osadía a lidiar a su manera con las partituras largamente en el tiempo escritas, hacen difícil la relación idílica entre violinista y director; por parte del último que no quede. Los dúos de Ligeti y Bartok, con el concertino de la orquesta que sirvieron de propina, nos dejaron mejor grado de aceptación. Fueron de agradecer.

Otra cosa fuera la interpretación de la “Sinfonía del Nuevo Mundo” de Dvorak. Hermosísima y popular pieza, que durante muchos años eclipsó en parte el resto de la majestuosa producción del checo. Aquí Tomàs Grau estuvo a su antojo, se le notó plenamente dominador de la situación y ofreció una perfecta, por no decir magistral, lectura de la partitura enfatizando en las reseñas a los cantos indígenas norteamericanos, incidiendo en una perfecta coordinación del snap y la síncopa, característicos de esta obra, desde los primeros acordes. Melodías inspiradas de Dvorak sobre un estudio pormenorizado de las peculiaridades culturales indias y afroamericanas. Una mezcla de lo más original con academicismo europeo. Una obra que a muchos nos acompañó de la más tierna infancia, de la mano de Herbert Von Karajan, y que después de tanto tiempo siempre produce un momento agradable de volver a escuchar y aún mejor si es en directo de la mano de una orquesta en estado de gracia, perfectamente conjuntada.

Luis Suárez

Teatre Fortuny de Reus (Tarragona). Patricia Kopatchinskaja y Orquestra Camera Musicae, Tomás Grau (11/04/2017)

 Foto: Patricia Kopatchinskaja (foto de Marco Borggreve)

 

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