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Vuelve “Sinfonías de la mañana” de la mano de Martín Llade en Warner Classics

Vuelve “Sinfonías de la mañana” de la mano de Martín Llade en Warner Classics

Publicado: noviembre 2017

Tras la calurosa acogida del primer volumen, llega a nuestras manos la segunda entrega de los relatos con los que  Martín Llade comienza cada mañana el programa Sinfonía de la mañana, que emite Radio Clásica (RTVE).

A lo largo y ancho de las páginas de este nuevo librodisco y sus correspondientes músicas recogidas en 2CDs, el lector-oyente podrá disfrutar de 35 nuevos relatos. Historias rebosantes de pasión, humor,  emoción, y muchas sorpresas, de la mano de los grandes creadores e intérpretes de la música: Bach, Brahms, Buxtehude, Dvořák, Elgar, Falla, Ferrabosco, Gesualdo, Gluck, Granados, Jachaturián, Janáček, Holst, Lully, Marais, Mahler, Monteverdi, Mozart, Prokófiev, Puccini, Rajmáninov, Rossini, Schumann, Saint-Saëns, Strauss, Tárrega, Verdi, Vivaldi…

Entre las piezas musicales contendias en los dos CDs, encontramos algunos de los más prestigiosos interpretes del momento y grabaciones sorprendentes de algunos de los nombres más consagrados:

Janet Baker, John Barbirolli, Fabio Biondi, Natalie Dessay, John Eliot Gardiner, Philippe Jaroussky, Herbert von Karajan, Kiri Te Kanawa, Ton Koopman, Gustav Leonhardt, Victoria de los Ángeles, Charles Mackerras, Marc Minkowski, Riccardo Muti, Mariss Jansons, Antonio Pappano, Jacqueline Du Pré, Simon Rattle, Jordi Savall, Elisabeth Schwarzkopf, Renata Scotto, Frank Peter Zimmermann…

Martín Llade lo explica con sus propias palabras: "El hecho de que vea la luz ahora una segunda entrega de Sinfonías de la mañana me permite un inmenso placer, como es el reencuentro con viejos amigos. He podido así revivir la pasión otoñal de Leos Janacek, las andanzas de un Dvorak radiante por los bares de Nueva York o el final perfecto a la fábula de L’Orfeo de Monteverdi escrito en las estrellas. Y por supuesto, he vuelto a reírme con la chispeante crítica al más desastroso recital de Enescu, el encuentro surrealista entre Dalí y Kachaturian y la accidentada gira por Rumanía del joven Johann Strauss hijo. Pero también he llorado rememorando la tragedia del pueblo armenio y de los judíos expulsados de España o el momento más duro en la vida de un genio de Salzburgo solo en París. Y por supuesto, me he dejado llevar por esas músicas que vuelven tan acertadamente a acompañar, en mis versiones soñadas, a esos textos que llevan ya inspirándome cada mañana desde octubre de 2014. Espero que los oyentes, ahora también lectores, disfruten de ambos".

http://warnermusic.es/lanzamientos/sinfonias-de-la-manana-vol-2/

https://www.youtube.com/watch?v=lt2dzBcw4Xo&feature=youtu.be

Foto: Vuelve “Sinfonías de la mañana” de la mano de Martín Llade en Warner Classics.

El Teatro Real ofrece 19 funciones de La bohème, de Puccini, coincidiendo con las fechas navideñas

El Teatro Real ofrece 19 funciones de La bohème, de Puccini, coincidiendo con las fechas navideñas

Publicado: noviembre 2017

La ópera, que estará en escena entre los días 11 de diciembre y 8 de enero, llegará al Teatro Real en una coproducción con la Royal Opera House y la Lyric Opera de Chicago, estrenada en Londres, con gran éxito, el pasado septiembre.

La dirección musical correrá a cargo de Paolo Carignani, que debutará al frente del Coro y Orquesta Titulares del Teatro Real con dos repartos distintos encabezados por las sopranos Anita Hartig y Yolanda Auyanet (Mimì) y los tenores Stephen Costello y Piero Pretti (Rodolfo).

El prestigioso director teatral británico Richard Jones es el responsable de la puesta en escena de la ópera, dirigida en el Teatro Real por Julia Burbach.

En torno a La bohème se han organizado diferentes actividades en el Teatro Real: el curso para jóvenes La ópera al descubierto (hasta el 12 de diciembre); el taller familiar ¡Todos a la Gayarre! (doble función, el 3 de diciembre); el coloquio con los artistas, Enfoques (4 de diciembre), un concierto con música italiana dentro del ciclo Los domingos de cámara (17 de diciembre) y la proyección de Cavalleria rusticana y Pagliacci en el ciclo Ópera en cine

En colaboración con el Teatro Real, el Institut Français realizará un Taller creativo para niños (16 de diciembre) y la Filmoteca Española proyectará la película Addio Mimì, de Carmine Gallone (1949), dentro de su ciclo Teatro Real: Noche de ópera.

El próximo 29 de diciembre, a las 20 horas, el Teatro Real retransmitirá La bohème en directo en Facebook, culminando una campaña en redes (#LaBohemeEnDirecto) en la que se ofrecerán vídeos con distintos enfoques de la ópera y de la producción.

Las funciones de La bohème cuentan con el patrocinio de la Fundación Banco Santander.

Entre los días 11 de diciembre y 8 de enero, el Teatro Real ofrecerá 19 funciones de La bohème, de Giacomo Puccini (1858-1924), en una coproducción con la Lyric Opera de Chicago y la Royal Opera House de Londres, donde se estrenó el pasado mes de septiembre y donde volverá a presentarse el próximo verano.

La génesis de La bohème, y también el desarrollo de todo su proceso creativo hasta el estreno de la ópera en el Teatro Regio de Turín el 1 de febrero de 1896, están minuciosamente documentados gracias a la abundante correspondencia entre Giacomo Puccini, su editor y mentor Giulio Ricordi, y los libretistas Giuseppe Giacosa y Luigi Illica, que iniciaron su tormentosa y fructífera colaboración en esta ópera, escribiendo posteriormente los libretos Tosca y Madama Butterfly.

Partiendo del libro Escenas de la vida bohemia, de Henri Murger (1882-1861), nacido como una serie de relatos autobiográficos publicados en forma de folletín, los dos libretistas, siempre celosamente dirigidos por Puccini, construyeron un libreto coral, en el que cuatro jóvenes artistas bohemios sortean las dificultades económicas y las inclemencias del tiempo con humor e ilusión, buscando su lugar en un París efervescente, bullicioso e invernal.

La historia de amor trágica entre uno de ellos, Rodolfo, aspirante a poeta, y la sastrecilla Mimì, cuya muerte, inexorable, les sorprende, articula una especie de camino iniciático que despide los desenfrenos y sueños de la juventud y revela la vida real, con toda su contundencia y transcendencia.

Con su genial paleta orquestal, su dominio de la prosodia y su enorme talento dramático, Puccini va construyendo la personalidad de los jóvenes con su característica habilidad para articular los destellos más anecdóticos y divertidos de lo cotidiano con los sentimientos más hondos, pasionales y arrebatadores. Así, entrelaza sus frases cortas “de conversación” con otras de enorme aliento melódico y dramático. Su orquestación sugiere, con enorme eficacia tímbrica, desde detalles tan nimios como el serpenteo de las llamas o el tintineo de las monedas, hasta las ‘ambientaciones’ casi cinematográficas de la desangelada buhardilla, del bullicio del París navideño, o de la soledad y privaciones de la pobreza.

La evocación de momentos pasados como si fueran destellos que la memoria revive y actualiza está magistralmente recreada con la utilización de motivos musicales asociados a emociones, sentimientos, o incluso a objetos a los que Puccini concede un enorme poder simbólico, como la vela de Mimì, la cofia rosa que le compra Rodolfo, el gabán de Colline, o el manguito que calienta las manos frías de la protagonista en su lecho de muerte…

Son estos momentos que vienen y vuelven con la memoria, que están escondidos y asoman con las vivencias que suman y construyen el camino la vida, los que vertebran la nueva producción de La bohème que se podrá ver en el Teatro Real.

En su propuesta dramatúrgica, el prestigioso director de escena británico Richard Jones y el escenógrafo y figurinista Stewart Laing presentan la ópera como una sucesión de Escenas de la vida bohemia presentadas al espectador sin ocultarle los trabajos de backstage que normalmente desarrollan los técnicos detrás del escenario. Así, el público ve como se cambian los decorados, cómo se utilizan diferentes artilugios para lograr efectos teatrales y cómo se amontonan elementos escenográficos en las bambalinas, como si fueran retazos de vida apiñados en la memoria.

Situándose en el lugar privilegiado, el espectador contempla permanentemente el pasado y el presente de los personajes, incapaz de sumergirse en el París frío y efervescente de los jóvenes bohemios porque lo verá siempre representado sobre el escenario. Pero este artificio del ‘teatro dentro del teatro’, en que se confunden el tiempo real y el teatral, el espacio del público y del artista, el drama de la ópera y sus metáforas, llevará al espectador a una interpretación más rica de la obra de Puccini, potenciada por su visión desde distintos ángulos, pero también con sus reflejos.

Dos repartos darán vida a esta popular ópera coral, en la que destacan, en los papeles principales, las sopranos Anita Hartig y Yolanda Auyanet (Mimì), los tenores Stephen Costello y Piero Pretti (Rodolfo) y las sopranos Joyce El-Khoury y Carmen Romeu (Musetta), secundados por los barítonos Joan Martín-Royo y Manel Esteve (Schaunard), Etienne Dupuis y Alessandro Luongo (Marcello); los bajos Mika Kares y Fernando Radó (Colline) y Roberto Accurso (Alcindoro); y el tenor José Manuel Zapata (Benoît).

La dirección musical correrá a cargo de Paolo Carignani, que estará al frente del Coro y Orquesta Titulares del Teatro Real y de los Pequeños Cantores de la ORCAM.

Esta nueva producción trae una vez más la popular ópera de Puccini al Teatro Real, que ha ofrecido 60 funciones de La bohème desde su reapertura, en 1997, siempre con la célebre producción dirigida por Giancarlo del Monaco, con escenografía de Michael Scott, estrenada en diciembre de 1998, repuesta en las temporadas 1999-2000 y 2005-2006 y grabada en DVD, con dirección musical de Jesús López Cobos (disponible bajo demanda en Palco Digital).

AGENDA  |  ACTIVIDADES PARALELAS

20 de noviembre a 12 de diciembre | Teatro Real
Curso La ópera al descubierto: cómo montar una gran producción. La bohème 

3 de diciembre, a las 12.00 y a las 17.00 horas | Teatro Real, sala Gayarre
Taller familiar ¡Todos a la Gayarre!: La buhardilla del poeta, el músico, el pintor, la modista y la cantante.
Dirección y presentación de Fernando Palacios. 

4 de diciembre, a las 20.15 horas | Teatro Real, sala Gayarre
Enfoques: el director artístico del Teatro Real, Joan Matabosch, modera un encuentro con artistas que participan en la producción de La bohème. 

16 de diciembre, a las 11.00 horas | Institut Français
Taller creativo alrededor de la producción. La bohème: imaginar, dibujar crear... como un verdadero artista.
En francés (todos los niveles) para niños de 4 a 8 años 

17 de diciembre, a las 12.00 horas | Teatro Real, sala principal
Los domingos de cámara: obras de Eugène Bozza, Giacomo Puccini, Ottorino Respighi y Nino Rota
Solistas de la Orquesta Titular del Teatro Real 

7 de enero, a las 12.00 horas | Teatro Real, sala principal
Ópera en cine: proyección de Cavalleria rusticana, de Pietro Mascagni, y Pagliacci, de Ruggero Leoncavallo, producción del Teatro Real con dirección musical de Jesús López Cobos y dirección de escena de Giancarlo de Monaco. 

Fecha por determinar | Filmoteca Española
Ciclo de cine. Teatro Real: Noche de ópera
Addio Mimì, de Carmine Gallone (1949) 

http://www.teatro-real.com/es/temporada-17-18/opera/la-boheme

Foto: La Bohème, de la Royal Opera House de Londres, donde la producción se estrenó el pasado mes de julio.
© Catherine Ashmor | ROH 

La orquesta de Cadaqués y Gianandrea Noseda despiden el año con el ‘Réquiem’ de Mozart

La orquesta de Cadaqués y Gianandrea Noseda despiden el año con el ‘Réquiem’ de Mozart

Publicado: noviembre 2017

La Misa de Réquiem, la despedida inacabada de Mozart y una de las grandes obras maestras de la música, culminará el concierto que ofrecerán la Orquesta de Cadaqués y su director titular, Gianandrea Noseda, el próximo 15 de diciembre en el Auditorio Nacional de Música de Madrid. Su actuación en la 48ª temporada de Ibermúsica será la última programada para este 2017 y estarán acompañados de la pianista Beatrice Rana, que debuta en el ciclo, y del Coro Amici Musicae.

Desde su primer concierto en Ibermúsica con Sir Neville Marriner en 1994, la Orquesta de Cadaqués ha pasado por el ciclo más de veinte veces. El programa para esta ocasión incluye, además del Réquiem, el Concierto para piano núm. 9 "Jeunehomme", también del compositor austriaco. Esta obra, una de las más interpretadas del repertorio de Mozart, concentra entre sus notas el virtuosismo y la gran personalidad de su creador y está dedicada a una pianista, Mademoiselle Jeunehomme. Por otro lado, el Réquiem fue compuesto en la último año de vida del músico, época especialmente fértil, en la que también firmó otras obras como La flauta mágica o La clemenza di Tito. Un broche de oro a su milagrosa producción, en cuya escritura también participó su discípulo Franz Xaver Süssmayr y donde aúna sentimientos de grandeza, compasión, fraternidad y una gran belleza dramática.

Con este concierto Ibermúsica continúa con su temporada más ambiciosa de la última década. Entre el mes de octubre de 2017, y hasta el 7 de junio de 2018, visitarán el ciclo algunas de las mejores orquestas del mundo (Filarmónica de Berlín, Royal Concertgebouw Orchestra, la London Symphony Orchestra o la Gewandhausorchester Leipzig), directores y artistas de la talla de Daniel Barenboim, Sir Simon Rattle, Evgeny Kissin, Juan Diego Flórez, las hermanas Katia y Marielle Labèque, Gianandrea Noseda, Vladimir Jurowski o Sir John Eliot Gardiner.

PROGRAMA VIERNES 15 DICIEMBRE 2017

Auditorio Nacional de Música, Sala Sinfónica, 19:30 horas
Duración aproximada 110 minutos

Intérpretes
Orquesta de Cadaqués
Dir. Titular: Gianandrea Noseda
Solista: Beatrice Rana
Christina Poulitsi, Katarina Bradiƈ, Steve Davislim y Tommi Hakala

Programa musical
Mozart Concierto para piano núm. 9 "Jeunehomme"
Mozart 
Misa de Réquiem

Entradas a la venta en www.entradasinaem.es ; 902 22 49 49 o directamente en las taquillas del Auditorio Nacional de Música, a partir de 35 euros. 

http://www.ibermusica.es/es 

Foto: Gianandrea Noseda (Photo Sherman)

Forma Antiqva propone un viaje al barroco en The London Music N1ghts

Forma Antiqva propone un viaje al barroco en The London Music N1ghts

Publicado: noviembre 2017

El 11 de diciembre, los hermanos Zapico cerrarán el programa de 2017

El ensemble barroco Forma Antiqva cerrará, el próximo 11 de diciembre, la programación para el año 2017 de The London Music N1ghts. Este ciclo de conciertos, que trae a los mejores artistas de música clásica al escenario del Café Comercial, ha sido posible gracias al apoyo de The London Nº1 y LaFonoteca.

Con su Concerto Zapico, sus integrantes, los hermanos -Aarón (clave), Pablo (guitarra barroca) y Daniel (tiorba), proponen un viaje al corazón del barroco con el objetivo de recuperar una serie de piezas que comparten la base rítmica de la danza: fandangos, passacaglias, gigas, toccatas, recercadas y preludios que abordarán, con absoluta desinhibición y maestría, en una especie de jam session atemporal y transgresora.

Las obras que se interpretarán pertenecen al repertorio ibérico-italiano de los siglos XVII y XVIII, de compositores como Gaspar Sanz, Santiago de Murcia, Francesco Corbetta y Giovanni Girolamo Kapsberger, entre otros. Los hermanos Zapico han transcrito y adaptado las partituras originales (compuestas para solista de clave, guitarra y tiorba) en forma de dúo y trío.

THE LONDON MUSIC N1GHTS

Lugar: Café Comercial (Glorieta de Bilbao, 7)
Hora: 19:30 h
Precio entrada: 16€
Precio entrada + menú: 39€
Las entradas se pueden adquirir en Ticketbell.com.
El precio incluye una consumición de The London Nº1 

The London Nº1 es una ginebra única con una personalidad propia, sofisticada y elegante. Se elabora en pequeñas producciones en Londres, dónde si no. La exclusiva y refinada mezcla de sus 12 botánicos le otorga esa complejidad tan especial. El resultado es una ginebra limpia y cristalina, de un hermoso color azul turquesa, con un aroma fino y elegante y un sabor suave y especiado. Una suma de detalles que conduce a la armonía. Gracias a sus refrescantes notas balsámicas y enebro, The London Nº1 es ideal en diferentes cócteles y muy especialmente para la preparación del gin&tonic.

www.thelondonmusicnights.com

www.lafonoteca.net

www.gonzalezbyass.com

#TheLondonMusicNights 

Foto: Forma Antiqva propone un viaje al barroco en The London Music N1ghts. 

El arpista Xavier de Maistre publica junto a Lucero Tena un nuevo disco de música española

El arpista Xavier de Maistre publica junto a Lucero Tena un nuevo disco de música española

Publicado: noviembre 2017

El arpista Xavier de Maistre presenta un nuevo disco de música española, después del éxito alcanzado con Aranjuez en 2010. En esta ocasión el álbum Serenata Española incluye la colaboración con la solista de castañuelas y leyenda del flamenco Lucero Tena, lo que convierte a este producto en algo único en el mercado.

El disco está integrado por un repertorio popular de música clásica española, con composiciones de Albeniz, Granados, Tarrega y de Falla, entre otros, arregladas para arpa y castañuelas. El álbum muestra esta música bajo una luz completamente nueva, manteniendo las raíces españolas nostálgicas.

A Xavier de Maistre se lo conoce como el artista que ha liberado al arpa de su reputación de sonidos maravillosos pero muy suaves y lo establece como instrumento solista. Ha aparecido junto a importantes orquestas bajo la dirección de directores eminentes como Bertrand de Billy, Lionel Bringuier, Daniele Gatti, Kristjan Järvi, Philippe Jordan, Riccardo Muti, Andrés Orozco-Estrada y André Previn.

Ademas, De Maistre ha actuado en muchos festivales internacionales importantes, como el Festival de Música de Schleswig-Holstein, el Festival de Salzburgo, el Festival de Primavera de Budapest y el Mostly Mozart de Nueva York. Ha colaborado con intérpretes de música de cámara como Diana Damrau, Magali Mosnier, Daniel Müller-Schott, Baiba Skride y Arabella Steinbacher.

Lucero Tena (María de la Luz Tena Álvarez) es una bailarina de flamenco española, nacida en México en 1938. Lucero comenzó en 1958 a bailar con la compañía Carmen Amaya y luego creó su propia compañía de flamenco “Bailaora”.

Tena se convirtió en una verdadera embajadora del baile español e introdujo en el flamenco a celebridades como Marlon Brando o Ronald Reagan. Más tarde comenzó otra carrera exitosa para convertirse en solista de castañuelas. Al igual que Xavier de Maistre, estableció las castañuelas como instrumento solista en salas de conciertos y trabajó junto a grandes figuras como Mstislav Rostropóvich, Rafael Frühbeck de Burgos, Jesús López Cobos, Sergiu Comissiona, Franz-Paul Decker y Miguel Ángel Gómez Martínez.

Xavier y Lucero fueron presentados por el director español Jesús López Cobos. De Maistre se enamoró de la historia y de la personalidad de Lucero y poco después, decidieron grabar un repertorio que tenían en común: el de la música española. El disco se grabó en uno de los salones más bellos de París, la Galerie Dorée del Hotel de Toulouse, que ha aparecido en películas como Vatel y Marie Antoinette.

TRACKLIST

1.      Andaluza: No. 5 from Danzas españolas (Enrique Granados)

2.      Asturias (Leyenda): No. 5 Suite española No. 1 op. 47 (Isaac Albeniz)

3.      Torre Bermeja (Serenata) No. 12 - 12 piezas características op. 92 (Isaac Albeniz)

4.      Granada (Serenata): No. 1 - Suite española No. 1 op. 47 (Isaac Albeniz)

5.      Zaragoza (Capricho) No. 1 - Suite española No. 2 op. 97 (Isaac Albeniz)

6.      Mallorca (Barcarola) op. 202 (Isaac Albeniz)

7.      Sonata in D major (Antonio Soler)

8.      Serenata española: No. 2 - Impresiones de España (Joaquin Malats)

9.      Viejo Zortzico (Jesús Guridi Bidaola)

10.    Sonata in D major (Mateo Albéniz)

11.    El viejo castello moro: No. 5 - Cuentos y fantasías (Eduardo Lopez Chavarri)

12.    Danza española No. 1: - La vida breve (Manuel de Falla)

13.    Recuerdos de la Alhambra (Francisco Tárrega)

14.   Intermedio : No. 4 - La boda de Luis Alonso (Gerónimo Giménez)

Títulos en negrita interpretados con Lucero Tena

Official Facebook Page: https://www.facebook.com/xavier.demaistre/

Official Website: http://www.xavierdemaistre.com/

VEVO: https://www.youtube.com/user/XavierdeMaistreVEVO/videos 

www.sonyclassical.es 

Foto: Portada del CD.

Miguel Morate Benito, Primer Premio en el Festival International de Musiques Sacrées (Friburgo, Suiza)

Miguel Morate Benito, Primer Premio en el Festival International de Musiques Sacrées (Friburgo, Suiza)

Publicado: noviembre 2017

El jurado del 13er Concurso de composición del Festival Internacional de Músicas Sacras de Friburgo (FIMS) ha concedido el primer premio a Miguel Morate Benito (Valladolid, 1978) por Memento mori, y el segundo premio a Otto Wanke (República Checa, 1989) por su obra Ma.

Festival 2017

Organizado en colaboración con Espacio 2 -RTS (Radio Televisión Suiza) y con la Alta Escuela de Música Vaud Valais Friburgo (HEMU), esta 13ª edición ha estado dedicada a un conjunto instrumental de seis instrumentos: una viola, un fagot, dos trombones, dos timbales y un arpa. Los participantes tuvieron hasta el 15 de octubre para presentar una obra inspirada en la pintura Vanitas. Naturaleza muerta con cráneo de Sebastian Stoskopff (1597-1657) que se encuentra en el Kunstmuseum de Bâle.

En total, un jurado internacional presidido por Thuring Bräm (compositor, Bâle, Suiza) y formado por los también compositores Xavier Dayer (Suiza), Dan Dediu (Rumanía), Hanna Kulenty (Polonia/Países Bajos) y Michaël Levinas (Francia) han evaluado 47 partituras de 17 países de todo el mundo. Al término de sus deliberaciones el jurado decidió conceder el primer premio a Miguel Morate Benito (Valladolid, 1978) por Memento Mori y el segundo premio a Otto Wanke (República Cheka, 1989) por su obra Ma.

Comentarios del jurado

Memento Mori de Miguel Morate Benito: “El cuadro Vanitas de Sebastien Stoskopff (1630) no es una narración, sino una meditación que expresa el enigma de la imagen. Encontramos en Memento mori el enigma del sonido y una sintaxis musical que plasma, como en el cuadro, ese ‘más allá’ de la materia. La partitura manifiesta un tiempo que no se reduce a la cronología, sino que está estructurado en base a una escritura exigente y altamente precisa”.

Miguel Morate Benito

Nace en Valladolid en 1978 y en dicha ciudad realiza sus primeros estudios musicales de la mano de Alberto Posadas, con quien estudia armonía. En 1999 se traslada a Madrid en donde estudia guitarra y Musicología, formación que completa en el Conservatorio Superior de Música de Salamanca. Allí inicia su tesis doctoral sobre el compositor Francisco Guerrero Marín que continúa en la Université Paris IV Sorbonne y que en la actualidad lleva a cabo en la Universidad Complutense de Madrid. Desde 2013 da un giro a su carrera e inicia una formación como compositor que culminará con la realización durante el curso 2016-2017 del Master de Composición instrumental contemporánea Katarina Gurska.

En su faceta de musicólogo, desde 2005, ejerce de crítico musical en las revistas www.mundoclasico.com, Scherzo y Ritmo, y en 2007 asume el cargo de director de la revista Audioclásica (www.audioclasica.com). Asimismo, durante el año 2009 dirige y presenta las emisiones radiofónicas “Grandes ciclos Joseph Haydn” y “Vértices del tiempo” en Radio Clásica de Radio Nacional de España.

Como incipiente compositor y autor de un reducido catálogo de obras, su música ha sido

estrenada por músicos como Christophe Desjardins, Lorelei Dowling y Christian Dierstein. En 2016 obtuvo una ayuda para creadores noveles de la Comunidad de Madrid y en 2017 fue seleccionado para formar parte del Festival EMA en donde el Schallfeld Ensemble estrenó su dúo para violín y violonchelo Ephemera

Actualmente compagina sus labores de compositor y musicólogo con la docencia, labor que realiza en el Conservatorio Superior de Música de Castilla la Mancha.

Festival de Músicas sacras 2018

La obra galardonada con el primer premio será estrenada por el Ensemble Instrumental del HEMU en el concierto que tendrá lugar en la iglesia del Collège Saint-Michel de Friburgo el 1 de julio de 2018 en el marco del 17º Festival Internacional de Músicas Sacras de Friburgo, Suiza. El programa completo del festival estará disponible en la primavera de 2018 en esta web:

http://www.fims-fribourg.ch/

Foto: Miguel Morate Benito.

 

El tenor español Celso Albelo regresa a Montecarlo

El tenor español Celso Albelo regresa a Montecarlo

Publicado: noviembre 2017

El cantante tinerfeño vuelve al principado de Mónaco para interpretar I Puritani

Celso Albelo regresará a comienzos del mes a la Opéra de Monte-Carlo (Mónaco) para interpretar el temible –por difícil– personaje de Arturo de I Puritani (Bellini, 3 y 6 de diciembre), título que cantó el verano pasado en el Festival de Savonlinna (Finlandia) junto a la soprano Jessica Pratt y la compañía del Teatro Real de Madrid. El tenor español se reencuentra con el público del principado ante el cual ya ha interpretado Rigoletto (Verdi), La Sonnambula (Bellini) y Guillaume Tell (Rossini). Con este último título viajó, junto a la compañía monegasca, al parisino Théâtre des Champs-Élysées consiguiendo un inolvidable triunfo personal. «Cantar en Mónaco es un placer, porque el público es muy cariñoso. La sala, que está adjunta al célebre Casino, es una maravilla de la arquitectura teatral, creado por el mismo arquitecto que la conocida Ópera de París. Pero estos Puritani, al ser en versión de concierto, será en el moderno Auditorium Rainier III y junto a la Orchestre Philharmonique de Monte-Carlo», afirma el cantante.

Celso Albelo viajará más tarde al Teatro Carlo Felice de Génova (Italia, 23, 27 y 29 de diciembre) con su aplaudido Duque de Mantua de Rigoletto, todo ello tras debutar el rol de Fernand de La Favorite (Donizetti) en la Opéra Royal de Wallonie (Lieja, Bélgica) y antes de incorporar un nuevo personaje a su repertorio, el del Chevalier des Grieux de Manon (Massenet) en la temporada bilbaína de ABAO-OLBE (20, 23, 26 y 29 de enero de 2018).

www.celsoalbelo.com

https://www.facebook.com/CelsoAlbeloOfficial/

http://www.opera.mc/fr/saison/i-puritani-106

Foto: Celso ALBELO (© Joan TOMÁS / Fidelio Artist)

Antonio Moral recibe la medalla de

Antonio Moral recibe la medalla de "Officier des Arts et des Lettres" francesas

Publicado: noviembre 2017

El director del Centro Nacional de Difusión Musical (CNDM) ha recibido la distinción por su continuada labor en la difusión de la música francesa 

El pasado lunes, el director del Centro Nacional de Difusión Musical (CNDM) recibió, de manos del Embajador de Francia en España, Yves Saint-Geours, la medalla de Officier des Arts et des Lettres francesas, a propuesta del Ministerio de Cultura y Comunicación del país galo. Esta distinción destaca la continuada labor de difusión de la música francesa a lo largo de las tres décadas de carrera como gestor cultural de Antonio Moral en las diferentes instituciones, tanto públicas como privadas, por las que ha pasado.  La Orden de las Artes y las Letras francesas ha distinguido también, entre otros destacados nombres del panorama musical español, a intérpretes como Alicia de Larrocha y compositores como Joaquín Rodrigo, Joan Guinjoan, Tomás Marco o Jorge Fernández Guerra.

La música francesa en el CNDM

El Centro Nacional de Difusión Musical (CNDM) ha mantenido constante, desde su creación en 2011, la presencia de la música francesa en sus programaciones, donde cabe destacar el singular proyecto de colaboración anual junto a la Casa de Velázquez que, tras siete años, sigue enriqueciendo durante cada temporada el panorama musical francés y español, dando como fruto compartido el estreno absoluto de numerosas obras de jóvenes compositores residentes de la Casa de Velázquez dentro de L’ Acadèmie de France a Madrid, siendo interpretadas sus obras por algunos de los más reputados conjuntos musicales españoles y franceses y compartiendo programa con los grandes músicos del siglo XX y estrenos de otros creadores españoles, encargados por el CNDM (un total de 15 nuevas partituras hasta la fecha). Dentro de los ciclos dedicados a la música contemporánea se encuentran los conjuntos galos de música actual más importantes del mundo, como el Ensemble Intercontemporain, Ensemble Orchestral de Lyon, L’ Itineraire, Telemaque o los Cuartetos Diotima y Ebene, interpretando obras de algunos de los grandes maestros naturales del país vecino como Pierre Boulez, Olivier Messiaen, Gerard Grisey, Tristan Murail o Henri Dutilleux.

Si ampliamos el radio de acción, en las dos últimas temporadas del centro se han programado más de una treintena de compositores franceses desde Pierre Certon (siglo XVI) hasta Philippe Hurel (1955), pasando por casi todos los grandes maestros de la historia de la música francesa donde encontramos nombres barrocos imprescindibles como los de François Couperin, Marc-Antoine  Charpentier, Jean-Philippe Rameau, Antoine Forqueray o Marin Marais, o aquellos otros grandes compositores que vivieron a caballo entre los siglos XIX al XX como es el caso de Camille Saint-Saens, Gabriel Fauré, Claude Debussy, Maurice Ravel o Louis Vierne, con algunos posteriores como Nadia Bolulanger y Francis Poulenc, entre otros muchos.

Destaca, además, la presencia habitual de los intérpretes franceses en los ciclos del CNDM dedicados a las músicas históricas, muchos de ellos conjuntos de referencia mundial, además de pioneros en la recuperación e interpretación de la música antigua y barroca ofrecida con criterios historicistas, en la que Francia es una potencia musical indiscutible. En este apartado se encuentran formaciones como Les Arts Florissants, que han protagonizado el último concierto del ciclo Universo Barroco en el Auditorio Nacional hace algo más de una semana, el Ensemble Mattheus, que dirige Jean-Christhophe Spinosi, Le Poéme Harmonique de Vincent Dumestre, Les Musiciens du Louvre de Marc Minkowski, Les Talantes Lyriques, fundado por Christophe Rousset o la presentación en la presente temporada de Le Concert d’ Astrée, dirigido por la inquieta clavecinista y directora francesa Emmanuelle Haim.

http://www.cndm.mcu.es/

Foto: Antonio Moral recibe la medalla de "Officier des Arts et des Lettres" francesas

Orquesta Barroca de Sevilla

Orquesta Barroca de Sevilla

Publicado: noviembre 2017

Crítica - La música que pudo escuchar Murillo

Volvía el director austro-japonés Hiro Kurosaki a dirigir la Orquesta Barroca de Sevilla, con un precioso programa inspirado en la Música europea en tiempos de Murillo. Con frecuencia, cuando se contextualiza un evento como el nacimiento de este pintor hispalense se olvida la música de esa época, así es que no asombra que sus nombres suenen extraños. Por ejemplo, la atractiva Sonata de Dario Castello, que con gran brillantez firmó Kurosaki, tanto en su faceta de virtuoso como de director. La calidad solista de los miembros de la OBS da para codearse con un violinista tan reputado: Mercedes Ruiz firmó una espectacular Canzon de Selma y Salaverde a dúo con el concertino, momento de una gran riqueza melódica y expresiva, que la obra tiene pero que ellos potenciaron.

De igual manera, Ventura Rico abordó la Susana Passeggiata, del mismo autor, con un virtuosismo raramente alcanzable, no sólo en relampagueante digitación, sino de una expresividad intensa. También se pasó por el más conocido sevillano de la época, Correa de Arauxo, de quien dio cumplida cuenta el clavecinista, y en este caso organista, Alejandro Casal. Biber nos trajo de nuevo a Kurosawi, finalizando con la música radiante, de gran plasticidad, de Johann Heinrich Schmelzer, de carácter grupal.

Por otro lado, la imbricación con la Universidad de Sevilla les llevó a inaugurar su curso universitario a través del Proyecto Atalaya, que pretende la recuperación del patrimonio musical andaluz barroco, esta vez a través del que fuera organista de la catedral de Málaga, Juan Francés Iribarren, tanto con músicas propias como parodiadas, en este caso sobre el Stabat Mater de Pergolesi, que se ofreció también en su estado original. Lo hizo posible un reparto de lujo, con María Espada, Carlos Mena como solistas, dirigidos por Enrico Onofri.

Carlos Tarín

María Espada, Carlos Mena. Orquesta Barroca de Sevilla. Hiro Kurosaki, Enrico Onofri / Obras de Castello, Selma, Correa, Rosenmüller, Biber y Schmelzer / Iribarren, Pergolesi. Teatro de la Maestranza, Escuela de Ingenieros. Sevilla.

Foto: Orquesta Barroca de Sevilla.

VIII Edición del Festival Internacional de Música de Cámara “Fundación Monteleón”

VIII Edición del Festival Internacional de Música de Cámara “Fundación Monteleón”

Publicado: noviembre 2017

Del 6 al 10 de diciembre, la ciudad de León y en el marco de su Auditorio, acogerá una nueva edición de un festival, que desde 2010 apuesta por el mejor repertorio camerístico que se puede escuchar en una sala de conciertos, y la promoción de jóvenes talentos musicales emergentes. Las numerosas propuestas recibidas de jóvenes músicos procedentes de todo el mundo y su alto nivel interpretativo, ponen de relieve la alta calidad del festival leonés, que en menos de una década se ha convertido ya en uno de los grandes encuentros musicales de nuestro país.

El Festival Internacional de Música de Cámara “Fundación Monteleón”, que dirige la catedrática de Música de Cámara del Conservatorio Superior de Música de Valencia, la leonesa Carmen Mayo, celebra su octava edición, gozando de una gran popularidad en el circuito internacional. Prueba de ello son las más de setenta candidaturas de extraordinaria calidad recibidas este año desde Europa, Asia y América, entre las que finalmente se han elegido a los cuatro jóvenes grupos de cámara que participarán en esta edición: Dúo Karuna (Alemania), Alauda Quartet (Reino Unido), Piano Dúo Zilan & Zhao (China/Austria), y Trío Schola (España).

La VIII edición del Festival Internacional de Música de Cámara “Fundación Monteleón”, se inaugura el próximo día 6 de diciembre con la actuación especial del aclamado dúo internacional formado por el famoso violinista de cámara holandés, Daniel Rowland y la pianista Natacha Kudritskaya, que interpretarán obras de Mozart, Satie, Enescu, Milhaud y Franck. El dúo “Daniel Rowland & Natacha Kudritskaya”, elogiados por la crítica internacional por la extraordinaria calidad de su trabajo discográfico en “Les Années Folles” y su CD dedicado a Enescu, se suma así a la lista de grupos de cámara ya consagrados y de destacada proyección internacional como Apollon Musagete Quartet, Quartetto di Cremona, Doric String Quartet, Quatuor Ebène, Kuss Quartet, el dúo formado por Nicolas Altstaedt y José Gallardo, o el Cuarteto Quiroga, que cada año visitan el festival, como modelo de logro artístico que sirve de referente a los jóvenes talentos.

http://festivaldemusica.fundacionmonteleon.es/index.php/index.php

Foto:  Rueda de prensa VIII Festival Intenacional de Música de Cámara Fundación Monteleón

Jonas Kaufmann y Plácido Domingo, en el 32 Festival Castell de Peralada

Jonas Kaufmann y Plácido Domingo, en el 32 Festival Castell de Peralada

Publicado: noviembre 2017

El Festival Castell de Peralada ha anunciado algunos de sus principales eventos para la próxima edición de 2018, la número 32 que marca otro punto muy alto en su trayectoria y que se encumbra como cita imprescindible. Imprescindible por contar con un recital del tenor Jonas Kaufmann (28 de julio, 22h, Auditorio Parque del Castillo), junto a la Orquesta Titular del Teatro Real y dirección de Jochen Rieder, en un programa con arias de ópera, como ya hizo en su anterior visita al Festival y que cosechó un éxito sin precedentes.

Por otra parte, el adjetivo imprescindible no se usa a la ligera si estos nombres son los que van a llevar a cabo la exótica y preciosista ópera de Massenet, Thaïs: Plácido Domingo (Athanaël), Ermonela Jaho (Thaïs), Michele Angelini (Nicias), Jean Teitgen (Palemón), Lidia Vinyes Curtis (Myrtale) y Elena Copons (Crobyle). Será el 29 de julio (22h, Auditorio Parque del Castillo), en versión concierto, con la Orquesta y Coro Titulares del Teatro Real (director del Coro: Andrés Máspero), bajo la dirección del especialista Patrick Fournillier.

Venta de entradas ya disponible en:

www.festivalperalada.com

Foto: Jonas Kaufmann actuará el 28 de julio en el Festival Castell de Peralada.
Crédito: Gregor Hohenberg / Sony Classical 

Desde Monteverdi hasta el flamenco, el espíritu del CNDM en diciembre

Desde Monteverdi hasta el flamenco, el espíritu del CNDM en diciembre

Publicado: noviembre 2017

Diciembre comienza por todo lo alto en el Centro Nacional de Difusión Musical (CNDM), con el concierto (previamente, el día 1, se puede escuchar el mejor jazz vocal con la gran China Moses) el día 3 (Auditorio Nacional, Madrid, 19:00 hs) del Balthasar-Neumann-Chor & Ensemble con su director Thomas Hengelbrock, que se acercarán a otra gran obra religiosa de Monteverdi, sus Vísperas de 1610. Sin salirnos del mundo de los instrumentos originales (historicistas), el día 5 (Auditorio Nacional, Madrid, 19:30 hs), será Il Giardino Armonico con Giovanni Antonini, flauta y director, quienes rindan memoria por los 250 años de la muerte de Georg Philipp Telemann, uno de los compositores más prolíficos de los que haya memoria.

Muy diferente será el concierto del Cuarteto Granados con Alicia Amo, soprano (día 11, Museo Reina Sofía A400, Madrid), que, debido a la indisponibilidad de uno de los integrantes del Cuarteto Meta4, serán aquellos quienes sustituirán al conjunto finlandés con un programa compuesto por obras de Gustavo Díaz-Jerez, Jesús Torres y Schoenberg. Una gran dama, la violista Veronika Hagen, junto al afamado cellista Valentin Erben, unirán sus fuerzas con el Cuarteto Quiroga (miércoles 13, Auditorio Nacional, Madrid, 19:30 hs). La exquisitez individual y colectiva del Quiroga, combinada con la musicalidad del violonchelista Valentin Erben, miembro del aclamado Cuarteto Alban Berg, y la violista austriaca Veronika Hagen, componente del Cuarteto Hagen, insuflará vida a las partituras de Haydn y Mozart, junto a uno de los sextetos de Brahms.

En los ciclos “alternativos”, el viernes 15 (Auditorio Nacional, Madrid, 19:30 hs), Tomasa Guerrero “La Macanita”, cantaora y Ezequiel Benítez, cantaor, junto a un nutrido grupo flamenco, mostrarán los encantos de la zambomba de Jerez, que fue declarada en 2015 Bien de Interés Cultural por la Consejería de Cultura de la Junta de Andalucía.

Prosiguiendo con el ciclo Bach Vermut, Juan de la Rubia comparece ante el órgano del Auditorio Nacional (sábado 16, 12:30 hs). El gran organista castellonense ya dejó huella con su extraordinario concierto en la primera temporada del Bach Vermut. No en vano, su último disco dedicado a Bach ha recibido numerosos premios y críticas admirables. En esta ocasión vuelve con un programa muy variado y sorprendente, viajando por la mayoría de los estilos compositivos del repertorio organístico.

El gran Nucci

Y concluyendo la actividad principal del CNDM, antes de llevarnos los turrones a la boca, hay que paladear con calma el siguiente concierto (lunes 18, Teatro de la Zarzuela, 20:00 hs), con el gran barítono Leo Nucci, acompañado por James Vaughan, piano. En esta sesión fuera de abono encontramos al indestructible barítono italiano que, pasada con creces la sesentena, todavía está en condiciones de emitir con cierta prestancia, de frasear con sentido, de expresar con pasión. Muy lírico en sus orígenes, aunque siempre dotado de un timbre brillante, comunicativo y de un reconocible metal, además de una considerable extensión, el artista, nacido en una localidad vecina a Bolonia el 16 de abril de 1942, ha ido oscureciendo su color y ampliando su emisión (que realiza mediante curiosas muecas en busca de la más conveniente direccionalidad del aliento), hasta poder acometer los personajes más exigentes.

Nucci aún puede dar lecciones a muchos barítonos más jóvenes de cómo ha de estudiarse y componerse un figura operística. Sea la que sea, se mete en su piel de manera casi violenta; se transmuta y deja de ser él para convertirse en otra criatura sin olvidar una línea de canto muy cuidada. Es sorprendente el mordiente que tiene todavía el artista boloñés en la zona aguda: el Fa, el Sol e incluso el La salen de su garganta a propulsión. Es cierto que el vibrato ya es acusado, pero tampoco importa demasiado cuando el canto es sincero y entregado y cuando se nos ofrece a través de una actuación actoral de primera.

http://www.cndm.mcu.es/

Foto: Una gran dama, la violista Veronika Hagen, junto al afamado cellista Valentin Erben, unirán sus fuerzas con el Cuarteto Quiroga.
Crédito: Harald Hoffmann

 

Las Vísperas de Monteverdi por Hengelbrock y el Balthasar Neumann Chor & Ensemble

Las Vísperas de Monteverdi por Hengelbrock y el Balthasar Neumann Chor & Ensemble

Publicado: noviembre 2017

El domingo 3 de diciembre a las 19 horas, el ciclo Universo Barroco del Centro Nacional de Difusión Musical (CNDM) presenta en la Sala Sinfónica del Auditorio Nacional de Música de Madrid su última cita del presente año. Este concierto forma también parte de #Monteverdi4.5.0, serie musical del CNDM, programada por toda España, que está conmemorando a lo largo de 2017 el 450 aniversario del nacimiento de Claudio Monteverdi. Los protagonistas de esta cita serán los conjuntos  Balthasar -Neumann -Chor & -Ensemble, que, tras ofrecer en el Auditorio Nacional las tres partes de la obra monteverdiana Selva morale e spirituale, una de las piezas de música sacra más trascendentes de la historia, llegan ahora para presentar las Vespro della beata Vergine (popularmente conocidas como Vísperas) del genio cremonés. En esta ocasión, el virtuoso grupo estará dirigido por su fundador, Thomas Hengelbrock.

El vanguardismo espiritual monteverdiano

Según Enrique Martínez Miura: "Probablemente, desde nuestra perspectiva de una distancia de cuatro centurias, la aportación más innovadora y la influencia más duradera de Monteverdi se asocian a sus óperas, porque se le puede considerar con toda justicia como el auténtico creador de la forma, en el sentido de que fue el primero —con L’Orfeo, estrenada en Mantua en 1607— en comprender y utilizar las posibilidades dramáticas y musicales del teatro puesto totalmente en música. Pero hubo otro campo en el que la huella del artista cremonés se dejaría sentir con igual fuerza, el de la música religiosa. Estando aún al servicio de la corte ducal de Mantua, escribiría las Vespro della beata Vergine, editadas en 1610.

La tradición de las Vísperas como parte del servicio divino remontaba a prácticamente los primeros tiempos del cristianismo, consistiendo en lo esencial del versículo y responsorio Deus in adiutorium y cinco salmos seguidos de otras tantas antífonas. En cada monasterio, iglesia o catedral se procedía a utilizar la música que se guardaba en sus archivos, evidentemente sin sentido unitario alguno. Aquí se encuentra la principal novedad introducida por Monteverdi, quien abarcó el servicio como una unidad superior, aunque de importancia no desdeñable vendría asimismo a ser un elemento conceptual, la música suministrada pensada como una obra de arte debida a una única persona. Pero no puede dejarse de lado que esta exaltación mariana no es comprensible al margen del culto a la Virgen promovido por la Contrarreforma. Buscase o no un nuevo puesto de trabajo, acaso en la mismísima Capilla Vaticana, luego de peligrar su labor en Mantua a la muerte de Francesco Gonzaga, las Vespro supusieron un importante y difícil empeño para Monteverdi, quien no solo le dedicó esta creación al papa Pablo V, sino que incluso viajó a Roma para entregarle personalmente un ejemplar de la edición.

Pero su nuevo destino no estaría junto a la sede pontificia, sino en la no menos impresionante basílica de San Marcos de Venecia a partir de agosto de 1613. Sea como fuere, en esta obra maestra absoluta —que siempre se compara con la Misa en si menor de Bach y la Misa solemne de Beethoven—, Monteverdi no dejaba de cumplir con la funcionalidad religiosa que se esperaba de su trabajo con un auténtico recorrido por todas las formas y estilos a su alcance: canto gregoriano, polifonía —grande o restringida—, solos vocales, concierto con solista y pieza instrumental. Un conjunto en verdad heterogéneo mas fundido en el crisol único del idioma monteverdiano y únicamente definible —aun en su evidente anacronismo— como «poliestilista», con el que se adelantó en más de tres siglos y medio a experiencias análogas de la vanguardia de nuestra época."

Thomas Hengelbrock es director principal de la NDR Elbphilharmonie Orchester, fundador y director de los Balthasar-Neumann-Ensembles y “Chef associé” de la Orquesta de París. Es uno de los directores más prestigiosos de nuestro tiempo. Su repertorio abarca desde la música del siglo XVII hasta obras contemporáneas e incluye todos los géneros. Como director invitado, Thomas Hengelbrock disfruta a nivel nacional e internacional de una excelente reputación: las diferentes invitaciones le han llevado a orquestas de renombre como la Orquesta Real del Concertgebouw, la Filarmónica de Viena, la Orquesta Sinfónica de la Radio de Baviera y muchas más. Con regularidad Thomas Hengelbrock se presenta en el Teatro Real Madrid, en la Ópera de París, en el Festspielhaus Baden-Baden y en el Konzerthaus Dortmund y trabaja con cantantes como Plácido Domingo, Cecilia Bartoli, Anna Netrebko y Christian Gerhaher. Entre otros momentos destacados de la temporada pasada se encuentran la apertura de la Filarmónica del Elba en Hamburgo en enero de 2017, el concierto inaugural con la Orquesta de París y giras mundiales con el Balthasar-Neumann-Ensemble.

En los años 90, Thomas Hengelbrock creó con el Balthasar-Neumann-Chor y el Ensemble, resultados sonoros que hoy en día se encuentran dentro de los más exitosos de su género. Entre 1995 y 1998, actúo como director artístico de la Deutsche Kammerphilharmonie Bremen, asimismo durante los años 2000 y 2006 dirigió el Festival de Feldkirch y entre 2000 y 2003 trabajó como director musical de la Wiener Volksoper. En 2013 causó sensación internacional junto a la Balthasar-Neumann por la calidad representativa de la obra de Parsifal de Wagner con una sonoridad original. Asimismo, Thomas Hengelbrock elabora, junto a la actriz Johanna Wokalek, programas músico-literales como Nachtwache con lírica y obras corales a capela del Romanticismo (grabación publicada en Sony Music). Como director principal de la NDR Elbphilharmonie Orchester “inspira a Hamburgo” y “siempre provoca nuevas maravillas en la orquesta”, según el periódico Hamburger Abendblatt. Esto se puede apreciar en sus aclamadas grabaciones, que incluyen las Sinfonías de Mahler, Dvořák, Mendelssohn, Schumann y Schubert; además de sus numerosas giras por Alemania, Europa y Asia.

Debido a su gran ímpetu en la educación musical Thomas Hengelbrock fue galardonado en 2016 con el Premio musical de Herbert von Karajan. Su desarrollo artístico se forjó como asistente de Antal Doráti, Witold Lutoslawski y Mauricio Kagel, a través de quienes tuvo contacto con la música contemporánea. Asimismo le dio un impulso decisivo su cooperación con el Ensemble Concentus Musicus de Nikolaus Harnoncourts. También destina, junto a su dedicación a la música de los siglos XIX y XX, gran parte de su trabajo a la interpretación historicista, contribuyendo de manera significativa y perdurable a establecer la representación musical con instrumentos originales de la época.

Las entradas, con un precio general de 15€ a 40€, y descuentos hasta del 60% para los menores de 26 años y desempleados (entradas de "Último minuto", con compra desde una hora antes del inicio del concierto en las taquillas de la sala) ya están a la venta en las taquillas del Auditorio Nacional y teatros del INAEM, además de venta online en www.entradasinaem.es y por teléfono en el 902 22 49 49.

Foto: Las Vísperas de Monteverdi por Hengelbrock y el Balthasar Neumann Chor & Ensemble.

http://www.cndm.mcu.es/es/universo-barroco/balthasar-neumann-chor-ensemble/domingo-3-diciembre-2017-1900

 

Juan Antonio Simarro celebra su carrera internacional

Juan Antonio Simarro celebra su carrera internacional

Publicado: noviembre 2017

El compositor sinfónico y pianista español Juan Antonio Simarro ha sido nombrado recientemente compositor oficial de la BERBERLY HILLS SYMPHONY.

Para celebrar este nombramiento y su exitosa carrera internacional,  Simarro ofrecerá un recital presentación para los medios de comunicación e invitados el lunes 27 de noviembre en la Sala Manuel de Falla de la sede de SGAE  a las 19.30 hrs. donde interpretará, entre otras, su obra “Sinfonía por un mundo mejor”. Del virtuosismo de su “música positiva”  ya dan fe importantes  organizaciones mundiales, como  UNESCO, ONU, PREMIOS NOBEL DE LA PAZ, GREENPEACE, etc.  y también  grandes artistas como Julio Iglesias, Ara Malikian o el Dúo Dinámico  con los que ha colaborado en diferentes proyectos.

CONCIERTO  PRESENTACIÓN

Lunes 27 noviembre. 19.30 horas.
Sede de la S.G.A.E. Sala Manuel de Falla.
Fernando VI, 4. Madrid.
19.30 hrs. Apertura y presentación.
20.00 hrs. Actuación.
Se ofrecerá un cóctel de cortesía al finalizar el evento. 

ENLACE DE INTERES

https://www.youtube.com/watch?v=cfhKNPL0WRE

https://www.facebook.com/nobelpeaceprizeforumminneapolis/ 

SOBRE J.A. SIMARRO.

Su trayectoria imparable está  avalada por el reconocimiento a su obra por  las  grandes organizaciones mundiales, como son  UNESCO, ONU,  PREMIOS NOBEL DE LA PAZ, GREENPEACE, ORGANIZACIÓN IBEROAMERICANA DE LA JUVENTUD (OIJ), LA XXIV CUMBRE IBEROAMERICANA DE JEFES DE ESTADO Y DE GOBIERNO y un largo etc.

Ha colaborado con artistas como Julio Iglesias, Ara Malikian, Dúo Dinámico, entre otros muchos. 

Sus composiciones  ya han sido orquestadas en todo el mundo como en la Orquesta Sinfónica de RTVE, el Meridian Center de Moscú, Orquesta Sinfónica Ciudad de Praga, la Filarmónica de Lisboa, Teatro Monumental, el Teatro Euskalduna de Bilbao, Palau de la Música de Barcelona, The Moscow State Radio Television Symphony Orchestra, Auditorio de la Radio Televisión de Bielorrusia y más. 

Entre sus hitos destacan el haber sido ganador del primer concurso mundial de Composición por la Paz, en la categoría de violín y viola con su pieza “Composición por la paz”,  ser nombrado el primer compositor oficial de la Orquesta Filarmónica de Lisboa, formar parte del jurado del programa dirigido a jóvenes compositores de TVE “Virtuosos” para el que también compuso la sintonía. 

PRÓXIMAS ACTUACIONES

23 de Nov. Interpretación de la "Sinfonía por un mundo mejor" en Sonora, México, organizado por la fundación "Dancing for the Millennium Goals".

29 de Nov. Recibe el premio "Acercando culturas" como director artístico de DMG.

30 de Nov. La Orquesta Sinfónica Iberia interpretará su música en el Facultad de Arquitectura.Madrid.

1 de Dic. La Orquesta Sinfónica Iberia interpretará su música en el Palacio de Cibeles. Madrid. 

3 de Dic. La Orquesta Sinfónica Iberia interpretará su música en el Colegio Mayor Loyola. Madrid.

Finales de Marzo, "Sinfonía por un mundo mejor", Orquesta Sinfónica Iberia.

Invierno: Philarmónica de Lisboa, interpretará la “Sinfonía por un mundo mejor”.

Abril. Patio del Ayuntamiento.  Madrid / Conde de Duque. Por primera vez, 4 orquestas universitarias se unen para interpretar una misma composición: el 3er mov de la "Sinfonía por un mundo mejor" ( Orquesta sinfónica de la  Universidad Autónoma, Universidad Politécnica de Madrid , Coro de la Complutense y la Joven Orquesta de Estudiantes de Colegios Mayores de Madrid,JOECOM, junto a niños de la Cañada Real con la colaboración de Voces para la conciencia y el desarrollo) .

Beverly Hills Symphony interpretará la “Sinfonía por un mundo mejor” en su concierto de presentación Oficial. 

Más ENLACES DE INTERES

TVE:
Canal 24 Horas, internacional:

http://www.rtve.es/alacarta/videos/camara-abierta-20/camara-abierta-20-musica-conectada-juan-antonio-simarro-reinventados-recycling-barbara-lennie-1minutocom/2805562/

El Mundo:

http://www.elmundo.es/vida-sana/bienestar/2017/02/28/58b563df268e3ebe4c8b456e.html

ABC Loff it:
"J.A.Simarro, el lenguaje musical del s.XXI"

https://loff.it/ver/escena/juan-antonio-simarro-el-lenguaje-musical-del-siglo-xxi-213847/

La Razón:

http://www.larazon.es/cultura/musica/juan-antonio-simarro-en-la-musica-tenemos-ho-AL3782031#.Ttt1nU6egTUSdAo 

www.juanantoniosimarro.com 

Foto: Juan Antonio Simarro celebra su carrera internacional.

La editorial C.F. Peters celebra los 150 años de la

La editorial C.F. Peters celebra los 150 años de la "serie verde"

Publicado: noviembre 2017

Hace 150 años la editorial C.F. Peters publicó el primer número de la "serie verde" a las portadas que iban a hacerse famosas. Esta serie, cuyo nombre oficial es "Edition Peters", rápidamente se convirtió en el emblema y el sinónimo de la editorial. Estamos felices de celebrar este jubileo y querríamos darle un breve resumen de la historia de esta serie.

CREACIÓN DE LA EDITORIAL

En 1800 fue fundado el Bureau de Musique en Leipzig. Comienza la historia de una de las editoriales de música más antiguas del mundo. Leipzig, sede de la Orquesta Gewandhaus y donde residieron Bach, Mendelssohn, Schumann y Wagner, es una ciudad que juega un papel importante en la historia de la música clásica occidental. Fue el centro de las actividades de edición y de impresión en Alemania en el siglo XIX, a la vanguardia de los desarrollos tecnológicos, lo que fue crucial para la historia de Peters. El Bureau de Musique, que incluyó a Goethe y Beethoven entre sus clientes, fue renombrado en 1814 a C.F. Peters.

LANZAMIENTO DE LA SERIE VERDE

El 9 de noviembre de 1867 Max Abraham, propietario de C. F. Peters de la época, abrió oficialmente la serie "Edition Peters" con sus portadas con la bordura verde tilo y la presentó al mercado internacional. Al principio la serie consistió exclusivamente de partituras para piano. "El clave bien temperado" de J. S. Bach fue el EP 1.

TÉCNICA DE IMPRESIÓN RÁPIDA

Gracias al desarrollo en Leipzig de una innovadora técnica de impresión rápida basada en el uso de la prensa rotativa, las partituras de la serie verde se produjeron por un quinto de los precios vigentes en ese momento y la producción se aumentó de 800%.

Las partituras musicales se han vuelto así accesibles para un mercado masivo e internacional. El desarrollo de la serie fue extremadamente rápido. Los clientes han sido convencidos por la alta calidad de la impresión, la practicidad de las partituras y, por supuesto, la excelente relación calidad-precio.

Peters fue la primera editorial de música en introducir esta técnica de impresión rápida, lo que tuvo un impacto en el mercado mundial de la música. Por primera vez, gran parte de la clase media podía comprar música en lugar de pedirla prestada o alquilarla.

PORTADAS DE LA SERIE VERDE

La serie verde "Edition Peters" es la marca de culto que tiene el más alto nivel de identificación en la industria de la música clásica.

La portada se compone de los siguientes elementos principales:

• el marco formado por la bordura verde tilo

• el logotipo "Edition Peters" - situado en el centro

• el nombre del compositor en la fuente "Drawn" típica

El hecho de que el diseño de la portada se ha mantenido prácticamente sin cambios desde 1867 muestra la sencillez, la fuerza y la atemporalidad del diseño original. Hoy en día sólo tenemos dos variantes del concepto original:

1) Portada Urtext

La única diferencia con el diseño original es la barra roja en la parte superior izquierda, dibujada hasta la parte posterior de la portada, con la inscripción "Urtext".

2) Portada de música contemporánea y de música coral

Se ha desarrollado una nueva portada para la música contemporánea y la música coral. Incluye la barra verde "Contemporary" o "Choral" (similar a la barra "Urtext"), el nombre del compositor (a la izquierda, en fuente Drawn), el logotipo Peters (centrado en la parte inferior) y la punta del logotipo muy ampliada (en la parte central).

FILOSOFÍA / HOY

150 años y 16.000 títulos más tarde, seguimos siendo comprometidos con orgullo y respeto al diseño de renombre mundial y a la idea de guía de esta serie: ofrecer a un precio razonable una alta calidad de edición y de producción.

http://www.edition-peters.com/

Foto: La editorial C.F. Peters celebra los 150 años de la "serie verde".

 

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