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Presentación de la nueva Temporada 2018-2019 de la Real Filharmonía de Galicia

Presentación de la nueva Temporada 2018-2019 de la Real Filharmonía de Galicia

Publicado: junio 2018

“Archipiélago de sonidos” es el lema de la nueva temporada 2018-2019 de la RFG, constituida por 21 conciertos de abono. La música de las Islas Británicas será el hilo conductor.

También formarán parte de la programación 3 propuestas didácticas, 5 conciertos en barrios, 2 conciertos extraordinarios y conciertos familiares.

La ópera “El holandés errante” de R. Wagner abrirá la temporada, una coproducción con Amigos de la Ópera de Vigo y Amigos de la Ópera de Santiago.

La Real Filharmonía de Galicia se trasladará al Auditorio Nacional de Música para abrir el “XLVI Ciclo de Grandes Autores e Intérpretes de la Música” de la Universidad Autónoma de Madrid.

Destacados solistas y artistas internacionales como Eun Sum Kim, Enrico Onofri, Kun-Woo Paik, Nicholas Angelich, Wayne Marshall o Cristina Franco  compartirán escenario con la RFG.

La Real Filharmonía de Galicia (RFG) presentó la nueva temporada de abono 2018-2019 en su sede, el Auditorio de Galicia. Asistieron al acto el alcalde de Santiago y presidente del Consorcio de la Ciudad, Martiño Noriega; el director titular y artístico de la orquesta, Paul Daniel; la directora técnica de la RFG, Sabela García Fonte; junto al director-gerente del Auditorio de Galicia, Xaquín López.

La RFG celebrará 21 conciertos de abono bajo el lema “Archipiélago de sonidos”, en referencia a la música inglesa, que será el hilo conductor de esta temporada, y en los que se interpretarán obras de compositores británicos como Ralph Vaughan Williams, Cecil Coles, Edward Elgar, William Walton, Frederick Delius, Malcolm Arnold o Jonathan Rathbone. Además, y volviendo a la esencia clásica de la RFG, las “Sinfonías Londres” de F. J. Haydn vertebrarán los diferentes programas de abono.

En el transcurso de la temporada habrá varias referencias a la obra de Oscar Wilde: en marzo, la orquesta interpretará la Suite para el aniversario de la infanta de Franz Schreker, escrita sobre un cuento de Oscar Wilde. Para cerrar la temporada, se interpretará la Balada desde la prisión de Reading, obra que el británico J. Rathbone compuso a partir del texto homónimo de Wilde. En este concierto, que dirigirá Paul Daniel, se contará con la colaboración del actor gallego Carlos Blanco.

Actuaciones gratuitas en los barrios, proyectos didácticos e iniciativas solidarias

En septiembre, la orquestra saldrá a la calle con 4 conciertos gratuitos en barrios de la ciudad: Conxo, Plaza Roja, Fontiñas y Plaza de Abastos. Y se programarán 6 conciertos didácticos para escolares, que podrán disfrutar con la música clásica en 3 propuestas dirigidas a diferentes edades: El Cascanueces, con la compañía de títeres Per Poc, Pangea, con el poliinstrumentista galego Abraham Cupeiro y Mini Mozart, un espectáculo del Serviço Educativo da Casa da Música (Porto).

Con el fin de acercar la música clásica y la RFG a nuevos públicos, continúa el ciclo ¡Descubre una orquestra para ti, la tuya!. Dirigido a las familias y a los que non tienen la oportunidad de asistir habitualmente a los conciertos de abono, ofrece horarios y precios accesibles. En el marco del proyecto “RFG Solidaria”, cada una de estas 5 actuaciones se destinará a dar visibilidad a asociaciones y ONGs que trabajan en la ciudad y en el resto de la comunidad.

Una ópera abrirá la Temporada

La temporada comenzará el 27 de septiembre con la versión concierto de la ópera El holandés errante de R. Wagner, un proyecto en coproducción con la Asociación de Amigos de la Ópera de Vigo y la Asociación de Amigos de la Ópera de Santiago. El título, dirigido por Paul Daniel, contará con las voces de Maribel Ortega, Eduard Martynyuk, Richard Wiegold, Alexander Krasnov, María Luisa Corbacho y Moisés Marín, todos ellos junto al Coro de la Sinfónica de Galicia. Este concierto se repetirá en Vigo el día 29.

En noviembre, dentro del Festival Cineuropa, la orquesta pondrá la banda sonora a la película muda El gabinete del doctor Caligari de Robert Wiene, bajo la batuta del propio compositor de la música, Timothy Brock. El Concierto de Navidad girará a Ferrol y Ourense, y en enero será la ocasión para disfrutar del tradicional Concierto de Reyes, dirigido por Paul Daniel, quien también dirigirá a la orquesta en la Ciudad de la Cultura en el mismo mes.

La música portuguesa será la protagonista en el concierto que la RFG ofrecerá con la extraordinaria fadista Cristina Franco, que contará además con Mário Laginha al piano, Miguel Amaral en la guitarra portuguesa y el maestro luso Pedro Neves.

Obras de jóvenes compositores gallegos

Con motivo de la conmemoración del 60 aniversario del fallecimiento de Andrés Gaos, la RFG hará un encargo muy especial al compositor Joam Trillo: la orquestación de algunas de las canciones de Gaos.

También tendrá lugar la presentación de un doble CD grabado por la RFG en homenaje al compositor ferrolano José Arriola, discípulo de Strauss, con primeras grabaciones mundiales de obras suyas, que se apoyará con una gira de cuatro conciertos en las ciudades de Ferrol, Lugo, Santiago y Vigo.

Por otro lado, la RFG encargará una obra a los compositores gallegos Xabier Mariño y Adrián Saavedra. Siguiendo con el compromiso con la creación contemporánea, la orquesta estrenará en Galicia la obra ganadora del Premio de Composición AEOS-Fundación BBVA 2017, Nocturno Sinfónico, de Marcos Fernández-Barrero.

Grandes batutas y solistas de renombre internacional

Al frente de la orquesta se pondrán grandes maestros nacionales e internacionales. Debutarán con la RFG Jan Wierzba, Erik Nielsen, Baldur Brönnimann, Wayne Marshall, además de la directora coreana Eun Sun Kim -que ofrecerá un programa con dos obras de mujeres de los siglos XVIII y XIX- y el maestro catalán Francesc Prat; repetirán visita Antoni Wit y Manuel Hernández-Silva, junto al principal director invitado de la orquesta, Jonathan Webb.

Respecto a los solistas invitados, algunos de los cuales llevarán también la batuta, destacan figuras reconocidas como Enrico Onofri, Nicholas Angelich, Isabel Villanueva, Ye-Eun Choi, Wayne Marshall, Berna Perles, Svetlin Roussev, Kun-Woo-Paik o Nicolas Altstaedt. En diciembre, el magnífico clarinetista finlandés Kari Kriikku interpretará el Concierto para clarinete que el compositor Magnus Lindberg escribió para él en una gira de 3 conciertos.

Se continuará con la experiencia CONvers@ndo con, una cita antes de los conciertos, que pretende un acercamiento entre los directores y solistas y el público.

Mayor presencia de la RFG en Galicia

La Real Filharmonía de Galicia ofrecerá 23 conciertos fuera de Santiago. Así, mantiene su compromiso territorial y su vocación de servicio público, articulando musicalmente Galicia entera. Continúa su temporada de conciertos estable en Vigo con 10 actuaciones en el Teatro Afundación; ofrecerá 4 conciertos en el Auditorio de Ferrol, 2 en el Palacio de la Ópera de A Coruña,  2 en el Teatro Principal de Ourense, otros 2 en el Círculo de las Artes de Lugo y 1 en Pontevedra.

La temporada incluye un concierto en octubre en el Auditorio Nacional de Música de Madrid, donde la orquesta inaugurará e “XLVI Ciclo de Grandes Autores e Intérpretes de la Música”, promovido por el Centro Superior de Investigación y Promoción de la Música de la Universidad Autónoma de Madrid.

http://www.rfgalicia.org/

Foto: La Real Filharmonía de Galicia (RFG) presentó la nueva temporada de abono 2018-2019 en su sede, el Auditorio de Galicia. Asistieron al acto el alcalde de Santiago y presidente del Consorcio de la Ciudad, Martiño Noriega; el director titular y artístico de la orquesta, Paul Daniel; la directora técnica de la RFG, Sabela García Fonte; junto al director-gerente del Auditorio de Galicia, Xaquín López.

CRÍTICA - Sobre pintura musical o música pictórica

CRÍTICA - Sobre pintura musical o música pictórica

Publicado: junio 2018

Madrid (Museo del Prado)

¡Que mejor día que un 21 de junio, Día de la Música, para la puesta en largo de un nuevo proyecto de colaboración donde la música juega un papel fundamental! Nuestra más gloriosa institución pictórica, el Museo del Prado, aúna sus fuerzas con el ICCMU, Instituto Complutense de Ciencias Musicales actualmente bajo la dirección de Álvaro Torrente, para ofrecer un concierto cada vez que se inaugure una nueva exposición temporal pictórica. Y motivos de trasversalidad no van a faltar, sin lugar a dudas.

Prueba de ello es este primer concierto, con motivo de la exposición del hasta ahora ignoto, al menos para la mayoría de los aficionados al arte, pintor veneciano Lorenzo Lotto (1480-1557) con el sexteto vocal de Ratisbona (Regensburg) Singer Pur, con un repertorio de una hora larga de música y una selección cuidadísima de trece piezas corales a cappella, la mayoría a seis voces, en las que el compositor vertebrador del programa, con tres piezas, ha sido Adrian Willaert, no en vano Maestro de capilla de San Marco y estricto coetáneo de Lorenzo Lotto durante su último periodo de estancia en Venecia, y que a  buen seguro se hubieron de conocer en aquella Venecia del XVI. He aquí una primera conexión.

Dos ejemplos más: para la ilustración del San Jerónimo de Lotto se escuchó el motete Gloriose confessor Domini, escrito por Francisco Guerrero para la celebración de San Jerónimo el 30 de septiembre, en el cual por cierto calaron; y la música de Cipriano de Rore, que también fuera con posterioridad Maestro de Capilla en San Marco, y un poco más joven que Lotto, con su chanson Susanne un jour, ilustra a la perfección el tema clásico de Susana en el baño y los viejos, del cual Lotto realizó también una bella muestra.

Singer Pur es un inusual conjunto vocal que está en activo desde 1994 como sexteto, inusual porque consta de una soprano, un contratenor, dos tenores, y dos barítonos. De afinación impecable, uno de sus rasgos es que no buscan la fusión de timbres, sino que más bien prefieren que cada línea vocal sea perfectamente entendible, lo cual promueve en el oyente un juego lúdico-vocal de gran atractivo. Del repertorio ofrecido, en su mayor parte del primer Renacimiento, también  cinco piezas eran de autores aún vivos y en activo, como Pärt, Lauridsen, Schanderl o Gavin Bryans, con una musicalización de Cantai or Piango que se hermanó con el madrigal de igual título de Willaert y sirvió como cierre del concierto. El único déficit de Singer Pur es la falta de presencia de una línea de bajo sonora, pues a pesar de que por tesitura Marcus Schmidl consigue cantar un sol, fa o mi graves, no tienen cuerpo esos sonidos y como consecuencia los cimientos de los acordes no provocan la aparición de los armónicos.

En cualquier caso, el concierto ha supuesto una primera piedra firme y sólida en un ciclo del que anunciaron su continuidad para el próximo curso y que se prevé de gran calidad tanto en lo musical como en la selección del repertorio. Y que podría ver incrementado su impacto entre los asistentes si pudieran aparecer más evidentes las conexiones entre cuadros y músicas con la simple proyección del lienzo que origina la sugerencia musical, algo poco costoso y que, sin dudarlo, haría la experiencia sonora más completa.

Jerónimo Marín

Museo del Prado, Madrid. Singer Pur. 21-06-18. 

Más Info, haga "clic" en: Museo del Prado 

Foto: El conjunto vocal Singer Pur (foto de Marku Samon). 

Matthias Kirschnereit debuta con la OFGC con el Concierto para piano nº 20 de Mozart

Matthias Kirschnereit debuta con la OFGC con el Concierto para piano nº 20 de Mozart

Publicado: junio 2018

El programa, con dirección de Günther Herbig, incluye la Rapsodia española de Ravel y la Sinfonía nº 1 “Primavera” de Schumann.
El concierto tendrá lugar el viernes 29 de junio en el Auditorio Alfredo Kraus a las 20.00.

La Orquesta Filarmónica de Gran Canaria (OFGC) ofrece el viernes 29 de junio su decimoséptimo concierto de la temporada de abono 2017-2018, un programa compuesto por obras de Ravel, Mozart y Schumann bajo la dirección de Günther Herbig, su principal director invitado.

En este nuevo programa de la temporada del conjunto sinfónico del Cabildo de Gran Canaria tendrá lugar el debut de Matthias Kirschnereit, uno de los más señalados intérpretes del piano en Alemania y  ganador de un premio ECHO-Classic. Kirschnereit es un artista heredero de una tradición que, a través de figuras de su país como Kretschmar-Fischer, Conrad Hansen, Edwin Fischer y Martin Krause, nos lleva directamente a Franz Liszt.

Músicas de los siglos XVIII, XIX y XX

El concierto de la OFGC, como señala José Luis García del Busto en las notas al programa, está compuesto por “una obra orquestal de configuración formal libre (del siglo XX), un concierto para instrumento solista y orquesta (del XVIII) y una sinfonía (del XIX)”, lo que nos permite “observar la evolución experimentada por la música europea durante tres etapas claves de su desarrollo: el Clasicismo, el Romanticismo y el Impresionismo”.

El clima de sensualidad y misterio que evoca Maurice Ravel en su Rapsodia Española de 1908, con su magistral amalgama de ritmos, timbres y armonías, sirve de contrapunto al tono oscuro y amenzador que preludia al Concierto para piano nº 20 de Wolfgang Amadeus Mozart (1785), pieza muy alejada del aura optimista y despreocupada que el genio salzburgués había convertido en divisa de sus conciertos vieneses hasta aquel momento. Lejos de las convenciones galantes, Mozart da un importante salto conceptual en esta página protorromántica y de fuerte carga dramática, que, comprensiblemente, fue objeto de auténtica veneración por parte de Beethoven, quien escribió para él sendas cadenzas.

Günther Herbig culmina la velada con una de las piezas emblemáticas del sinfonismo romántico, la Sinfonía nº 1 “Primavera” de Robert Schumann, partitura de inspiración poética en la que el compositor alemán, sin separarse sustancialmente de la estructura formal heredada de Beethoven, deja oír ya una voz personal e inconfundible.

Entradas
Las localidades para el concierto (32, 26, 19, 15 y 13 euros) pueden adquirirse a través de ofgrancanaria.com y en la taquillas del Auditorio Alfredo Kraus y el Teatro Pérez Galdós.
Hay descuentos especiales para estudiantes, desempleados y mayores de 65 y menores de 26 años.


Concierto de abono 17 temporada 17/18
ORQUESTA FILARMÓNICA DE GRAN CANARIA
GÜNTHER HERBIG director
MATTHIAS KIRSCHNEREIT piano
           
RAVEL                Rapsodia española
MOZART    Concierto para piano nº 20
SCHUMANN    Sinfonía nº 1 “Primavera”

Viernes 29 junio 2018, 20.00 h
Auditorio Alfredo Kraus

GÜNTHER HERBIG
principal director invitado
Günther Herbig es uno de los más destacados directores de la escena musical internacional. Su carrera se ha desarrollado con especial fuerza en América desde 1980. Ocupó durante seis años el puesto de Director Titular de la Orquesta Sinfónica de Detroit y posteriormente el de Director Titular de la Sinfónica de Toronto durante cinco años, cargo que dejó en 1994 para poder dirigir con más frecuencia en Europa. Continúa viviendo en Michigan.

Empezó su aprendizaje musical con Hermann Abendroth en la Academia Franz Liszt en Weimar. Continuó sus estudios con Hermann Scherchen y fue uno de los pocos estudiantes elegidos para estudiar con Herbert von Karajan, con quien trabajó durante dos años. En 1972 se convirtió en Director General de Música de la Orquesta Filarmónica de Dresde, y desde 1977 a 1983 ocupó la misma posición con la Orquesta Sinfónica de Berlín, antes de trasladarse a América. Debido a la situación política en la Alemania del Este, la primera oportunidad de Günther Herbig para dirigir en Occidente no llegó hasta 1979, cuando fue invitado a ocupar el cargo de Principal Director Invitado de la Sinfónica de Dallas.

Con posterioridad a su traslado a Estados Unidos en 1984 ha dirigido a todas las grandes orquestas americanas: Filarmónicas de Nueva York y Los Angeles, Sinfónicas de Chicago, Boston y San Francisco y Orquestas de Filadelfia y Cleveland. Hizo giras por América con la Sinfónica de Detroit, recibiendo grandes elogios en sus numerosas actuaciones en el Carnegie Hall de Nueva York. Con esta misma orquesta y Gidon Kremer como solista realizó una gira por Europa en 1989. En 1990 visitó el Lejano Oriente con la Sinfónica de Toronto y en 1991 Europa con esta misma orquesta, su 37ª gira internacional con orquesta. Desde 1990 a 1997 fue Profesor de Dirección en la Universidad de Yale, ofreciendo una clase magistral semanal cada trimestre.

Su carrera en la Europa Occidental comenzó en Gran Bretaña en 1979, cuando fue invitado a convertirse en Principal Director Invitado de la Orquesta Filarmónica de la BBC, pero hasta 1984, tras abandonar Alemania Oriental, no tuvo oportunidad de dirigir en Europa con regularidad. Rápidamente fue invitado por las otras grandes agrupaciones británicas, incluyendo la Sinfónica de Londres, la Philharmonia y la Royal Philharmonic. Desde entonces ha dirigido a la mayor parte de las principales orquestas europeas y ha hecho numerosas giras a Japón, Sudamérica y Australia.

Ha grabado más de 100 obras, algunas de ellas con orquestas de la Alemania del Este con las que estuvo asociado antes de su traslado a Europa Occidental, habiendo realizado desde entonces registros con algunas de las orquestas de Londres, entre ellas la Filarmónica de la BBC.

En 2001 se convirtió en Director Titular de la Orquesta Sinfónica de la Radio de Saarbrücken por un período de tres años con vistas a reconstruir la orquesta y elevar su nivel. El éxito se vio reflejado en algunos conciertos transmitidos por las televisiones francesa y alemana y Günther Herbig renovó su contrato hasta 2006. La drástica reducción de las subvenciones a todas las orquestas de radio alemanas en 2005 impidió al Maestro Herbig renovar su contrato más allá de ese año.

Merece destacarse su invitación para dirigir en el Festival de Edimburgo de 2001 el mismo programa que fue tocado en el Theater an der Wien de Viena el 22 de diciembre de 1808, cuando Beethoven presentó y dirigió el estreno de su Sinfonía Pastoral. Este programa de tres horas dispuesto por Beethoven incluía la Sinfonía nº 6, Ah! Perfido, el “Gloria” de la Misa en Do mayor, el Concierto para piano nº 4, la Sinfonía nº 5, el “Sanctus” de la Misa en Do mayor y la Fantasía Coral. El concierto fue visto también en la cadena BBC.

Günther Herbig es Principal Director Invitado de la Orquesta Filarmónica de Gran Canaria desde la temporada 2006-2007.

MATTHIAS KIRSCHNEREIT piano
Matthias Kirschnereit es uno de los más fascinantes y destacados pianistas alemanes de su generación. Galardonado con un premio ECHO-Classic, ofrece cada año 50 conciertos y es celebrado como un “poeta del piano” (Süddeutsche Zeitung). En este sentido, persigue su ideal artístico de encontrar y comunicar las emociones musicales, la historia y el elemento humano de las obras. Él mismo se ve en la tradición alemana que, a través de Kretschmar-Fischer, Conrad Hansen, Edwin Fischer y Martin Krause, lleva directamente a Franz Liszt.

Ha dado conciertos con prestigiosas orquestas como la de la Tonhalle de Zúrich, Residencia de La Haya, Filarmónica de San Petersburgo, Sinfónica de la SWR de Stuttgart, Konzerthausorchester de Berlín, Sinfónica de Bámberg, Camerata de Salzburgo, Cámara de Múnich, y colaborando con reconocidos maestros como Hartmut Haenchen, Bruno Weil, Christopher Hogwood, Carl St. Clair, Sándor Végh, Michael Sanderling, Frank Beermann, Alexander Liebreich, Yuri Temirkanov y Alondra de la Parra.

Sus actuaciones tienen como escenario importantes salas como la Konzerthaus y la Philharmonie de Berlín, Herkulessaal de Múnich, Festspielhaus de Baden-Baden, Théâtre des Champs Elysées de París, Tonhalle de Zúrich, Sala Verdi de Milán, Rudolfinum de Praga, Teatro Municipal de Santiago de Chile, Suntory Hall de Tokio y Shanghai Oriental Art Center. Igualmente importantes para él son los momentos de intimidad musical camerística durante sus recitales, donde cautiva al público con  sus matizadas pero intensa interpretaciones.

Su verdadera pasión es la música de cámara. Entre sus colegas musicales se encuentran nombres como Christian Tetzlaff, Sharon Kam, Alban Gerhardt, Daniel Müller-Schott, Felix Klieser, Carolin Widmann, Ingolf Turban, Julian Steckel, Nils Mönkemeyer, Kit Armstrong, el Cuarteto Klenke, el Cuarteto Vogler y el Cuarteto Verdi.

Desde 2012 Matthias Kirschnereit es director artístico del Gezeitenkonzerte Ostfriesland, un festival entre amigos que gana renombre año tras año.

Ha publicado 30 CDs, incluyendo los habituales conciertos completos para piano de Mozart y Mendelssohn o grabaciones referenciales de repertorio inhabitual como los conciertos para piano de Julius Röntgen o los arreglos para piano de los conciertos para órgano de Haendel. “¡Kirschnereit merece todas las aclamaciones que está recibiendo!“ fue el veredicto de la revista de Londres Gramophone Magazine en relación a sus discos con obras de Schumann (“Scenes”, 2010) y Schubert (“Wanderer Fantasy”, 2012). Su disco Brahms (2017) recibió calificativos en Fono Forum como “éxtasis controlado”, “ardiente intensidad” y “potencialmente adictivo”.

Su éxito en varios concursos -Deutscher Musikwettbewerb, Concurso Géza Anda de Zúrich, así como certámenes para piano en Sydney y Pretoria- impulsaron su carrera internacional a principios de los 90. Hasta entonces, su trayectoria  era poco convencional: nacido en Westphalia, dejó Alemania a los 9 años para establecerse en Namibia con su familia. A pesar de su fascinación por la cultura de África del Sur, pronto comprendió que su sueño de ser pianista solo podría llevarse a cabo en Alemania. Tras volver a su casa él mismo a los 14 años, comenzó a estudiar con Renate Kretschmar-Fischer en la Academia Musical de Detmold. Otros impulsos artísticos le llegaron a través de su intensa colaboración Murray Perahia, Claudio Arrau, Bruno Leonardo Gelber y Oleg Maisenberg.

Sus ideales artísticos y la experiencia de su actividad concertística los transmite a las generaciones futuras como profesor en la Escuela de Música y Teatro de Rostock. En su tiempo libre su interés se traslada a la pintura, fútbol y la cocina italiana. Vive en Hamburgo con su familia.

ORQUESTA FILARMÓNICA DE GRAN CANARIA

Tras una larga etapa de actividad sinfónica ininterrumpida que se remonta a 1845, la actual Orquesta Filarmónica de Gran Canaria (OFGC) surge como tal al amparo de la fundación pública del mismo nombre creada por el Cabildo de Gran Canaria en 1980. Desde entonces viene desarrollando una actividad musical continuada y estable, con un notable aumento de sus prestaciones sinfónicas y líricas.

Entre las figuras más destacadas que han dirigido la orquesta cabe señalar a Rudolf Barshai,  Frans Brüggen,  Rafael Frühbeck de Burgos, Bernhard Klee, Leopold Hager, Christopher Hogwood, Thomas Hengelbrock, Raymond Leppard, Jesús López Cobos, Iván Martín, John Nelson, Trevor Pinnock, Mstislav Rostropovich, Pinchas Steinberg, Ralf Weikert, Antoni Wit, así como Adrian Leaper, que fue su director titular entre 1994 y 2002, y Pedro Halffter, director artístico y titular entre 2004 y 2016.

Muchos han sido asimismo los solistas que han actuado con la OFGC, desde las grandes voces de la lírica: Montserrat Caballé, José Carreras, Plácido Domingo, Elina Garanca, Matthias Goerne, Alfredo Kraus, Petra Lang, Felicity Lott, Anne Sofie von Otter, René Pape, hasta los más reconocidos instrumentistas: Joaquín Achúcarro, Steven Isserlis, Janine Jansen,  Isabelle van Keulen, Katia y Marielle Labèque, Alicia de Larrocha, Nikolai Lugansky, Mischa Maisky, Sabine Meyer, Daniel Müller-Schott, Eldar Nebolsin, Cécile Ousset, Maria João Pires, Mstislav Rostropovich, Fazil Say y Frank Peter Zimmermann, entre otros.

La OFGC ha participado en los más importantes ciclos sinfónicos españoles y ha hecho giras a Alemania, Austria, Suiza, Japón y China. Gran trascendencia han tenido los conciertos multitudinarios ofrecidos en el Gran Canaria Arena, en el Estadio de Gran Canaria junto a Sting y Raphael, con artistas canarios como José Vélez o Luis Morera, y en la Terminal de Contenedores del Muelle de la Luz dentro del Festival de Teatro, Música y Danza de Las Palmas de Gran Canaria Temudas, junto al Coro de la OFGC y el Coro Infantil de la OFGC.

La Orquesta Filarmónica de Gran Canaria realiza una intensa labor de difusión de la música en los diferentes municipios de Gran Canaria, además de numerosas acciones y proyectos de carácter social.

Su discografía incluye registros para Deutsche Grammophon, Warner Music, Arte Nova, ASV y la colección “La mota de polvo” en AgrupArte.

La OFGC se caracteriza por su ejemplar programación de conciertos didácticos dirigidos a escolares y familias, a través de un Servicio Pedagógico cuyas campañas de conciertos escolares y actividades de apoyo al profesorado mueven a gran parte de los centros educativos de la Isla. La OFGC se ha incorporado a la Red de Organizadores de Conciertos Educativos y Sociales (ROCE).

Fue distinguida con el “Can de Plata” del Cabildo de Gran Canaria en el 92 aniversario de la Corporación y con el Premio de las Artes y de la Ciencia Canarios en el Mundo del periódico El Mundo y el Cabildo de Gran Canaria.

Karel Mark Chichon es Director Artístico y Titular de la Orquesta Filarmónica de Gran Canaria desde mayo de 2017.
Günther Herbig es Principal Director Invitado desde la temporada 2006-2007.
 

www.ofgrancanaria.com 

Foto: Matthias Kirschnereit debuta con la OFGC con el Concierto para piano nº 20 de Mozart.

La estrella del violín Leonidas Kavakos ficha por Sony Classical

La estrella del violín Leonidas Kavakos ficha por Sony Classical

Publicado: junio 2018

Leonidas Kavakos, reconocido como uno de los mejores violinistas del mundo, ha firmado un contrato exclusivo con Sony Classical, sello al que regresa y para el cual Kavakos ha grabado previamente el Concierto para Violín de Mendelssohn, y los Conciertos para Violín de Mozart, dirigiendo y tocando con la Camerata de Salzburgo. Recientemente, Kavakos se unió a Yo-Yo Ma y Emmanuel Ax en la exitosa grabación de los Tríos de Brahms para el mismo sello. El primer proyecto en solitario de Kavakos con Sony es el Concierto para Violín de Beethoven, que él dirige e interpreta con la Orquesta Sinfónica de la Radio Bávara. Este será seguido por otro proyecto que incluye la grabación completa de las Sonatas y Partitas de Bach.

Kavakos, nacido y residente en Atenas, es un artista de calidad excepcional, aclamado por su técnica inigualable, su talento cautivante y exquisita musicalidad al igual que por la integridad de su interpretación. A principios de su carrera, tres premios importantes lo ayudaron a convertirse en una estrella internacional: en 1985 ganó el Concurso Sibelius y el 1988, ganó los Concursos Naumburg y Paganini. En la actualidad, aparece junto a las orquestas y directores más celebrados del mundo, y con frecuencia actúa en los festivales y salas más destacadas a nivel internacional. Esta temporada, ha sido Artista residente en el Concertgebouw de Ámsterdam y el Vienna Musikverein, y en la temporada anterior, lo hizo con la Filarmónica de Nueva York. En la temporada 2018/19 será artista residente con la Orquesta Sinfónica de la Radio Bávara. 

En 2017, fue distinguido con el Léonie Sonning Music Prize, el honor musical más prestigioso de Dinamarca. Otros ganadores de este reconocimiento fueron Igor Stravinsky, Leonard Bernstein, Dmitri Shostakovich, Sir Simon Rattle, Mariss Jansons y Daniel Barenboim.

Leonidas Kavakos recibió el Premio Gramophone al Artista del año en 2014, por el voto del público, y ganó el Premio Gramophone al Concierto del año en 1991 por su grabación de la versión original del Concierto para Violín de Sibelius (1903/4), la primera que se hacía de este trabajo.

Los críticos describen el talento único de Kavakos con superlativos. En una crítica memorable, The Times escribió: “No recuerdo cuando fue la última vez que escuché semejante ovación del público en el Barbican Hall. Y luego, uno a uno, los asistentes se pusieron de pie. No era una diva: era Leonidas Kavakos al final de su interpretación del Concierto para violín de Sibelius.”

Kavakos se siente tan cómodo con una batuta en la mano como con un arco de violín, y ha desarrollado una sólida carrera como director. Como tal, ha trabajado con la London Symphony Orchestra, la New York Philharmonic, la Boston Symphony y la Chamber Orchestra of Europe, entre muchas otras agrupaciones. 

Leonidas Kavakos actualmente toca uno de los mejores instrumentos del mundo, el Stradivarius   ‘Willemotte’ de 1734, creado cuando el Maestro tenía noventa años. “Me impresionó la electricidad e intensidad que corona la oscuridad subyacente”, comentó Kavakos en una entrevista para The Strad magazine.                           

Leonidas Kavakos, un artista sin igual que actualmente está en la cima de su carrera, dice acerca de su nueva relación con Sony Classical:

“Es muy emocionante volver a Sony Classical para tocar algunas de las piezas más importantes y exigentes del repertorio de violín. Después de grabar música de Mozart, Mendelssohn y Brahms, me centro en el glorioso Concierto para violín de Beethoven y las Sonatas y Partitas de Bach. ¡Maravilloso! En un mundo en el que predomina  el ‘ruido’ visual y acústico, las grabaciones ofrecen un momento de comunión muy personal e íntimo con la esencia de la música y, por lo tanto, una manera de autodescubrimiento. Estoy encantado de unirme a la familia Sony Classical y compartir su misión de llevar la música de los grandes maestros a la gente de cada rincón del planeta.”

Bogdan Roscic, presidente de Sony Music Masterworks, añadió:

“Parece que Leonidas Kavakos está en su mejor momento. Pocos músicos disfrutan del respeto de sus colegas como él. Viendo el nivel de compromiso que han asumido algunos de los directores y orquestas más importantes con Leonidas, es un excelente momento para dar la bienvenida a este destacado artista a Sony Classical. Nuestro objetivo es crear con él nuevas grabaciones de referencia de algunas de las piezas más importantes del repertorio de violín durante muchos años.”  

http://www.sonyclassical.es/

Foto: La estrella del violín Leonidas Kavakos ficha por Sony Classical.
© Marco Borggreve 

Nueva temporada en el Teatro Apolo de la Camerata Musicalis

Nueva temporada en el Teatro Apolo de la Camerata Musicalis

Publicado: junio 2018

El exitoso espectáculo ‘¿Por qué es especial?’ iniciará el próximo 7 de octubre su segundo ciclo en el coliseo de la madrileña Plaza de Tirso de Molina

La orquesta dirigida por Edgar Martín ofrecerá un programa cargado de referencias populares y de autores que requieren de una mayor difusión

El mejor sentido del humor se seguirá combinando con el rigor musical en un show que contará con directores e intérpretes invitados

Grandes clásicos, como Mozart o Bach, y compositores que merecen una mayor difusión, como Bruch o Fauré, forman parte del programa de la nueva temporada del espectáculo de divulgación musical ‘¿Por qué es especial?’ de la orquesta sinfónica Camerata Musicalis, presentado hoy en el Teatro Nuevo Apolo de Madrid.

Tras los éxitos obtenidos durante este año, la primera orquesta residente del tradicional coliseo de Tirso de Molina iniciará el próximo 7 de octubre un nuevo ciclo de su transgresor espectáculo, en el que combina la interpretación de grandes sinfonías con explicaciones cargadas de humor y diversión a cargo del maestro Edgar Martín, creador de este peculiar formato.

Camerata Musicalis volverá a estar en el Nuevo Apolo el primer domingo de cada mes desde octubre de este año y hasta junio de 2019 con sus tradicionales conciertos divulgativos, con los que acerca la música clásica a todos los públicos.

La nueva temporada de ‘¿Por qué es especial?’ incluirá cada mes un compositor y una obra diferentes. El pistoletazo de salida a su nuevo programa lo pondrá la ópera, que dará paso al ‘Réquiem’ de Fauré en noviembre y a la ‘Sinfonía del nuevo mundo’ de Dvorak en diciembre.

Camerata Musicalis dará la bienvenida al 2019 con la sinfonía ‘Júpiter’ de Mozart. En febrero, volverá lo mejor de la zarzuela al Nuevo Apolo, mientras que en marzo se interpretará el concierto para violín número 1 de Bruch.

Tres grandes clásicos como Beethoven, Bach y Tchaikovsky completan el programa de la nueva temporada de ‘¿Por qué es especial?’, en la que volverán a participar prestigiosos directores, cantantes y solistas invitados, como Yago Mahúgo, Jordi Mora o la prometedora violinista María del Mar Jurado, ganadora del certamen nacional Intercentros.

“Se trata de un programa bastante romántico, en el que hemos querido combinar grandes clásicos con autores menos conocidos a nivel popular, pero con los que vamos a descubrir extraordinarias obras de la mano de los grandes músicos que conforman Camerata Musicalis”, afirmó Edgar Martín durante la presentación de la nueva temporada.

El maestro se mostró especialmente orgulloso de que el Teatro Nuevo Apolo haya apostado por una nueva temporada de ‘¿Por qué es especial?’. “Un segundo ciclo supone para nosotros una mayor responsabilidad, que asumimos con una motivación especial para seguir demostrando que la música clásica es apta para todos los públicos. Para nosotros es un verdadero sueño que Summum Music nos permita seguir acercando a tanta gente este género los domingos por la mañana”, explicó Martín.

Los conciertos de Camerata Musicalis volverán a esconder durante esta temporada grandes sorpresas, con divertidos cameos de rostros muy reconocibles para el gran público, que harán su particular aportación a un espectáculo familiar y apto para todas las edades.

‘¿Por qué es especial?’ mantendrá su combinación de diversión y entretenimiento con el rigor musical, al que contribuye también la presencia de destacados invitados. Uno de ellos será el clavecinista Yago Mahúgo, referente internacional de este instrumento.

“Yo soy un firme entusiasta del concepto que ha desarrollado Camerata Musicalis. ‘¿Por qué es especial?’ es de las mejores cosas que se han hecho en los últimos tiempos en el mundo de la música clásica, porque es capaz de enseñar y divertir al mismo tiempo”, afirmó el famoso clavecinista durante la presentación.

El público dispone ya de la posibilidad de adquirir abonos para toda la temporada de un ‘¿Por qué es especial?’ que arrancará su nuevo programa el 7 de octubre en el Teatro Nuevo Apolo, donde estará presente el primer domingo de cada mes al mediodía.

http://cameratamusicalis.com/

Foto: De izquierda a derecha, el clavecinista Yago Mahúgo y el director de Camerata Musicalis, Edgar Martín.

El contratenor Xavier Sabata se estrena en el Ciclo de Lied

El contratenor Xavier Sabata se estrena en el Ciclo de Lied

Publicado: junio 2018

El lunes 25 de junio, el Centro Nacional de Difusión Musical (CNDM) en coproducción con el Teatro de La Zarzuela, presenta por primera vez en el Ciclo de Lied a Xavier Sabata, uno de los contratenores más importates de la actualidad, que estará acompañado por Anne Le Bozec al piano. El ambicioso, insólito y heterogéneo programa, cantado en catalán, italiano, griego y francés está formado por obras de Giovanni Battista Perucchini, Déodat de Severac, Manos Jatzidakis, Federico Mompou, Luciano Berio y Manuel de Falla. El hilo conductor de esta variada selección nos hace viajar a las músicas populares. Según Enrique Martínez Miura: "Varios de los compositores del presente programa, caso de Falla y Berio, encontraron en la música popular una manifestación poética que les sirvió de acicate para la creación de su propio mundo sonoro. En las canciones de Déodat de Séverac está presente este fenómeno, recubierto además por una capa de regionalismo occitano. No es muy habitual en las salas de concierto de España el compositor griego Manos Jatzidakis, bien conocido por los cinéfilos empedernidos, pero en su país de origen es todo un mito, en cuya imagen se refleja la canción griega del último medio siglo. El compositor no solo se relacionó con el cine, puesto que también compuso música incidental con una estrecha colaboración con el Teatro del Arte de Atenas. El viaje definitivo es una atípica canción para voz sola escrita por Mompou en 1947 sobre un poema de Juan Ramón Jiménez. Luciano Berio tuvo una actitud muy distinta hacia la música popular. El compositor italiano buscaba crear una unidad nueva entre las canciones procedentes de ese acervo y su estilo personal.".

Las últimas entradas, con un precio general de 8 a 35 euros, están a la venta en las taquillas del Teatro de La Zarzuela, teatros del INAEM, www.entradasinaem.es y 902 22 49 49

Sabata: el contratenor inquieto

Nacido en Avià, Barcelona, se graduó en Interpretación teatral en el Institut del Teatre de Barcelona. Paralelamente cursó estudios superiores de saxofón. Entre los años 2002/06 estudia en el Departamento de Música Antigua de la ESMUC, en el aula de Marta Almajano. Luego continua estudios en Alemania en la Hochshule de Karlsruhe en Liedgestaltung con Hartmut Höll y Mitsuko Shirai. En 2005 participó con William Christie y Les Arts Florissants en Le Jardin des Voix. Ha colaborado y trabaja habitualemnte con orquestas como la Orquesta Barroca de Venecia de Andrea Marcon, Europa Galante de Fabio Biondi, El Concierto Español de Emilio Moreno, Al Ayre Español de Eduardo López Banzo, Forma Antiqua, La Risonanza, I Barocchisti, Los Músicos de su Alteza de Luis Antonio González, Laberintos Ingeniosos de Xavier Díaz-Latorre, La Tempestad, Ensemble Pulcinella de Ophéle Gallard, Washington Symphony Orchestra y Orquesta Sinfónica de Castilla y León. Sabata desarrolla su actividad operística en teatros de ópera como el Gran Teatre del Liceo de Barcelona, el Teatro Real de Madrid, la Ópera de Oviedo, el Teatro de la Fenice de Venecia, el Teatro de Champs-Élysées en París, el Teatro de Caen, el Gran Teatro de Luxemburgo, el Teatro de Nancy, el Lincoln Center en Nueva York, el Festival de Aix-en-Provence, el Teatro de Montecarlo, el Teatro de Friburgo y Theater Basel. Se ha presentado en salas de concierto como el Auditorio de Barcelona, el Palau de la Música Catalana, el Auditorio Nacional de Madrid, la Cité de la Musique y la Salle Pleyel de París, el Kennedy Center de Washington DC y el Barbican Center de Londres, entre otros.

Ha cantado los papeles de Ottone, Arnalta y la Nodriza en diferentes producciones de L’incoronazione di Poppea y Pisandro de Il ritorno d’Ulisse in patria, ambas de Monteverdi, Ruggiero del Orlando Furioso de Vivaldi, Perseo de Andromeda liberata de Vivaldi y otros autores, Gernando de Faramondo y Ottone de Agrippina, ambas de Haendel, el Príncipe Go-Go de Le Gran Macabre de Ligeti, la Madre de Il Sant’Alessio de Landi y Endimione de La Callisto de Cavalli, entre otros. Ha desarrollado una serie de proyectos a partir de la vida de varios personajes: Undercastration, sobre Francesco Bernardi y Senesino, así como La gacetilla de Alonso de Arrendó, capón. Sabata ha grabado para las discográficas Harmonia Mundi Ibérica, EMI-Virgen Classics y Faramondo de Haendel con I Barocchisti, Cencic y Jaroussky. Para Aparté grabó Bad Guys, con arias de Haendel, junto a Il Pomo d’Oro y Riccardo Minasi.

http://www.cndm.mcu.es/es/lied/xavier-sabata-contratenor-anne-le-bozec-piano/lunes-25-junio-2018-2000

Foto: El contratenor Xavier Sabata se estrena en el Ciclo de Lied.

 

CRÍTICA - Las Bacantes con la OCNE - Madrid

CRÍTICA - Las Bacantes con la OCNE - Madrid

Publicado: junio 2018

Excepcional despliegue musical el realizado a las órdenes de Kent Nagano al frente de la Orquesta y Coro Nacionales de España en este apretado final de temporada… ya casi “en tiempo de descuento”... por seguir con el argot dominante en estos días.  

Excepcional, primero por la apuesta afrontada, la obra llevada a los atriles de su Auditorio Nacional de Música: Las Bacantes (The Bassarids) de Hans Werner Henze. Una obra cuya complejidad parece no tener fin, en una densísima orquestación, con detalles pintorescos -el puntual pulso y púa… por ejemplo-. Una orquestación a la que respondieron con solvencia y protagonismo todo el elenco vocal, que nunca se vio sobrepasado. Y hubiera sido fácil en otras circunstancias. Bien es verdad que la demostración vocal fue, en algún caso, portentosa. Un elenco que brilló con homogeneidad, tanto por su definido carácter, en las voces más limitadas, como por potencial dinámico, difusión acústica y presencia en las más generosas.

Una versión de concierto excepcional, como dije, que tampoco echó demasiado en falta muchos más aditamentos escénicos, dadas las evidentes pretensiones sinfónicas de la partitura y los mimbres vocales e instrumentales puestos en liza, gestionados con destreza y naturalidad por Nagano. Desde el podio, pues, claridad de gesto, convicción y eficacia, con un fraseo preciso. Sin apoyo escénico -quizás en estos trágicos intríngulis míticos, menos necesaria de lo habitual- mantuvo el interés de principio a fin, de una obra, a priori, difícil. Una estética crisol y envolvente pero que no es precisamente la más popular, aunque resuelva con inteligencia la problemática armónica de una contemporaneidad obsesionada con lo lineal.

Buena entrada sin llegar al lleno absoluto, pese a esta dificultad y la añadida el primer día de un evento deportivo simultáneo, se notó especialmente tras el descanso. Eso sí, mayor espacio y tranquilidad para los que nos quedamos. Una segunda parte además, donde la obra adquiere tintes más sorprendentes y pretende, no sé si lo consigue del todo, dar una visión renovada ¿modernizada? de unos mitos griegos universales e intemporales… tan del gusto germánico, también.

Lo dicho, mimbres proporcionados, seleccionados y adiestrados, una sabia dirección y una partitura remarcable, con pretensiones sinfónicas… Que se repita la apuesta pero, por favor, con este mismo grado de compromiso, comprensión y sentido musicales.

Luis Mazorra Incera 

Marisol Montalvo, soprano; Mihoko Fujimura, mezzosoprano; Sara Fulgoni, mezzosoprano; Sean Panikkar, tenor; Nikolai Schukoff, tenor; Daniel Belcher, barítono; Mark S. Doss, barítono; y Franco Pomponi, barítono. Orquesta y Coro Nacionales de España / Kent Nagano.
Las Bacantes (The Bassarids) de Hans Werner Henze.
OCNE. Auditorio Nacional de Música. Madrid. 

Foto: Las Bacantes con la OCNE.  

CRÍTICA - Diego Blázquez y Manuel Vilas

CRÍTICA - Diego Blázquez y Manuel Vilas

Publicado: junio 2018

Tonos humanos para rematar el ciclo de El canto de Polifemo

Ninfas, deidades, nácares, ritmo ternario, hemiolia, fuego, tierra, aire, agua, ritmo binario, hemiolia, Menguilla y Pascual, Celia, Filis, indefinición tonal, Ay de mí, hemiolia, fragancias, Cupido, Ay Amor, orden de cuerdas diatónicas y orden de cuerdas cromáticas, aves cantan, arpa de dos órdenes, llorad corazón, hemiolia, voz entonada y expresiva, cantad, suspirad, hemiolia…

¿Les suena? Se llaman tonos humanos. Canciones profanas propias del barroco hispano que formaron parte del teatro musical de la época, óperas y zarzuelas, y se recopilaron en cancioneros para uso y disfrute de profesionales y aficionados. A fines del siglo XVII y principios del XVIII consistían en una voz con un acompañamiento instrumental que hacía el bajo continuo propio del barroco. Auténticos hits que se cantaban en los teatros, en los salones y cámaras, pero también en las tabernas y espacios más populares. La música, y en especial las canciones melódicas, ayer como hoy, han sido géneros transversales a todas las capas sociales de su época, y eso les confiere un valor especial en el mundo de la cultura. Quizá lo que diferencia los tonos humanos de otras melodías acompañadas, como los lieder de Schubert y otros autores románticos, es la combinación de un texto poético y la frescura de una melodía inspirada, que no exige dotes de virtuoso romántico sino expresión y buena dicción del texto (como ha hecho de manera inmejorable el cantante de esta tarde, Diego Blázquez).

El nombre de tonos humanos indica su carácter profano, en oposición a los tonos a lo divino  que ponían letras religiosas a una música ya conocida (lo que se ha practicado en muchas épocas, incluida la actual). Si la música de los tonos barrocos era inspirada, los  textos fueron escritos por grandes literatos y poetas del siglo de oro, como Calderón y Lope de Vega. Alta cultura todavía poco visible hoy, salvo para minorías.

Como colofón al ciclo de conciertos de El Canto de Polifemo que se viene llevando a cabo en la Iglesia de las Mercedarias Góngoras de Madrid bajo la dirección de Paco Quirce,  en el concierto de hoy, a cargo de Diego Blázquez, tenor, y Manuel Vilas, arpa de dos órdenes, hemos disfrutado de las músicas y los textos de siete conocidos autores de fines del siglo XVII y comienzos del XVIII, casi todos ellos vinculados a los teatros de Madrid.  Manuel de Villaflor, Juan Bonet de Paredes, Alonso de Flores, Manuel Ferreira, Juan Bonet de Paredes y los más conocidos, José Marín y Juan Serqueira.  

Si no les suenan sus nombres no se preocupen. Viven en los repertorios selectos de la música antigua, y a ellos se les ha dedicado conciertos, grabaciones, ediciones musicales de sus obras y estudios musicológicos. Ojalá pudiéramos escucharlos más veces dada la calidad musical y textual de las obras.

Los tonos seleccionados para el concierto pertenecen al llamado manuscrito Sutro (Biblioteca Sutro, San Francisco, California). Este manuscrito contiene una recopilación de más de 120 tonos humanos, a solo con acompañamiento de arpa, de los autores ya señalados más otros de gran importancia y fama en su época. La historia del manuscrito es digna de una novela, con sus intrigas políticas y familiares y sus viajes por México y Estados Unidos hasta llegar a la biblioteca donde se conserva hoy día. Manuel Vilas, experimentado arpista barroco que tañe un arpa de dos órdenes copia de un original (Domingo Pescador, Barcelona, 1704, conservado en el Museo de Ávila), se ha adentrado desde hace muchos años en este extraordinario repertorio. Vilas fue explicando en tres interludios del concierto, la fascinante historia del manuscrito y transmitió al auditorio esa fugaz sensación de ida y vuelta desde tiempos remotos, pues por primera vez desde el siglo XVIII se volvían a escuchar los tonos que se interpretaron en el concierto. Al menos en Madrid, pues es posible que se hubieran tocado en México en el siglo XVIII.

Quizá por aparecer de manera destacada el arpa de dos órdenes en las obras, Vilas y Blázquez seleccionaron del manuscrito muchas obras compuestas por arpistas de la época, además de añadir al programa dos obras solistas de arpa de uno de los más ilustres teóricos y prácticos del barroco, Diego Fernández de Huete. Huete fue arpista de la catedral de Toledo desde finales del siglo XVII y dejó un memorable tratado pedagógico con obras para arpa de un orden y de dos órdenes (Compendio numeroso de zifras armónicas… para harpa…) impreso en Madrid en 1702. Queda constancia así, a través del conjunto del programa, la eficacia del arpa de dos órdenes tanto para el acompañamiento del bajo continuo como en su repertorio solista.

Acerca de la voz, ¿se acuerdan ustedes del debate sobre la expresividad en la interpretación de la música antigua? Ha pasado ya mucho tiempo desde aquéllas versiones sobrias, incluso miedosas con el uso de los recursos musicales, y también, en el lado opuesto, las versiones casi comerciales de la música antigua. En mi opinión, el dúo Diego Blázquez y Manuel Vilas parte del estudio histórico y del respeto a las obras. Es la primera vez que trabajan juntos como dúo, aunque se habían encontrado antes en otros conciertos. Y el resultado es una interpretación expresiva, con sus dinámicas y agógicas que se intuyen muy pensadas por parte de los dos músicos. Diego Blázquez tiene una voz templada, potente, con registros interesantes en los agudos y clara en la dicción. Algo fundamental para entender el texto porque, volviendo al símil con los lieder románticos, en los tonos humanos es tan imprescindible la poesía como la música.

Como propina, ofrecieron un “neo-tono” (por llamarlo de alguna manera) realizado por Manuel Vilas a partir de fragmentos musicales y textuales de varios de los tonos que se habían escuchado antes; interesante experimento porque este “nuevo” tono nos resultó tan familiar al auditorio del concierto como seguramente les hubiera resultado novedoso a los oyentes de 1700. 

Como avisó el director del ciclo de conciertos, ya está prevista la programación del próximo curso 2018- 2019, que dará comienzo el 1 de septiembre de 2018. Cada vez más consolidado, este ciclo de música antigua tiene ya un público fiel y un papel importante en el ámbito madrileño.

Cristina Bordas

«En los jardines de Apolo. La música teatral en el Méjico barroco»
Intérpretes: Diego Blázquez, tenor y Manuel Vilas, arpa de dos órdenes
Ciclo El canto de Polifemo
Sábado 16 de junio de 2018.
Iglesia de las Mercedarias Góngoras (Madrid). 

Foto: Diego Blázquez, tenor y Manuel Vilas, arpa de dos órdenes, en la Iglesia de las Mercedarias Góngoras (Madrid). 

CRÍTICA - Tchaikovsky por Khatia Buniatishvili

CRÍTICA - Tchaikovsky por Khatia Buniatishvili

Publicado: junio 2018

Orquesta Sinfónica de Galicia (A Coruña)

La georgiana Kathia Buniatishvili es una pianista  que reconoce en su trayectoria la impronta recibida de maestros como Martha Argerich y Oleg Maisenberg, aunque no se ve, con todo, heredera de la escuela rusa. Un estreno del finlandés Sebastian Fagerlund- contando con su presencia en la sala-, por su obra Drifts (Derivas), encargo de la propia OSG, a medias con las orquestas de la Radio Finlandesa y de la Sinfónica de Gotemburg, rica en orgánico por su plantilla desde 4 percusionistas y otros veinte instrumentos distintos, con arpa y piano. La variedad de timbres en sus combinaciones y la riqueza de dinámicas, continúan las tendencias de los compositores fineses de vanguardia, surgidos en el entorno de la Ac. Sibelius, apostando por un paisaje sonoro polícromo y sugerente, en el que se distancia de los condicionantes de una tonalidad limitadora.    

Tchaikovski con el Concierto en Si b M Op. 23, para Kathia Buniatishvili, la obra de sus enfrentamientos con los hermanos Rubinstein y el reconocimiento  de von Bülow. Solista y director plantearon un tratamiento efectivo de esta obra universal. Una entrada sin resquicios con el Allegro non troppo e molto maestoso, siempre con la respuesta de la orquesta en la serie de los principales temas que sostienen el movimiento. Del Andantino semplice, el detalle de la mélodie Il faut s´amouser, enmascarada con ingenio- nos quedó para el bis, precisamente, Clair de lune de Debussy-, completado un vigoroso Allegro con fuoco , remarcado por la impronta de la pieza popular ucraniana que le sirve de encuadre.

Igor Stravinsky y La consagración de la primavera, incorporando músicos de la escuela de formación. Orgiástica y desmesurada con un Dima crecido en sus dominios. Primavera, a la que le tiene tomado el pulso: la gama de las polirritmias y el despliegue de ostinato, la precisión en las entradas de las células temáticas, y la acentuación del posible inconsciente folklórico. No hay resquicio para el reposo, venturosamente, desde la introducción de La adoración de la tierra o la voluptuosa Danza de los adolescentes. Atentos también al poder disuasorio de los instrumentos que marcaban la pauta en momentos clave. La adoración de la tierra, presta para dejarnos inermes ante el impacto decibélico como eje radial para abocarnos a El sacrifico culminante. La lánguida procesión de la Acción ritual de los ancestros, para entregarse incondicionalmente a la Danza sagrada, en sus acumulaciones tonales.

Ramón García Balado

Khatia Buniatishvili. O. S. de Galicia / Dima Slobodeniouk.
Palacio de la Ópera. A Coruña 

Foto: Khatia Buniatishvili.

Tito García rinde homenaje a Picasso en la Alcazaba de Málaga

Tito García rinde homenaje a Picasso en la Alcazaba de Málaga

Publicado: junio 2018

El pianista malagueño cierra su periplo “picassiano” con un recital donde interpretará su obra ‘Guernica’ y ‘Ecos de la Plaza de la Merced’ del Premio Nacional de Música, José García Román, entre otras composiciones.

Dentro del festival ‘Julio Musical’ el viernes 13, a las 22,00 horas 

El Patio de Surtidores de la Alcazaba será el escenario del próximo concierto de Tito García González. Este emblemático paraje ha sido escogido por el Ayuntamiento de Málaga para la programación del festival de verano ‘Julio Musical 2018’. 

Una cita muy esperada para el intérprete malagueño, que realizará el estreno absoluto de la pieza para piano ‘Ecos de Ia Plaza de la Merced’ del compositor granadino y Premio Nacional de Música, José García Román. Inspirada en el lugar donde nació y creció Picasso, esta obra se suma al repertorio con el que García González rinde homenaje a Pablo Ruiz Picasso desde hace un año, cuando estrenó su versión musical del ‘Guernica’ en la Philharmonie de Berlín. 

Además de ambas piezas, el pianista también incluirá su composición ‘Remembering Bernstein’ para celebrar el centenario de Leonard Bernstein, incluida dentro del disco ‘Quixote in New York’ que presentó en el Carnegie Hall de Nueva York. Un recital a la luz de la luna enmarcado dentro del Proyecto IBERIAN, con el que el pianista quiere dar difusión al trabajo actual de compositores españoles. 

Desde su debut en 1996 como músico profesional, Tito García González ha actuado en las principales salas de conciertos de Alemania, Rusia, Argentina, España, Portugal y E.E.U.U. Considerado por la crítica y la prensa española como "uno de los concertistas españoles de mayor renombre" o "uno de los mejores concertistas del momento", también ha sido definido por la crítica alemana como "el gran talento de la próxima generación, capaz de fascinar al
oyente con su gran caudal de medios expresivos y tonales, alegría, espontaneidad y profunda expresividad”.

https://www.titogarcia.com/

Foto: Tito García rinde homenaje a Picasso en la Alcazaba de Málaga.

“Entre la locura y la ensoñación”, Lucia di Lammermoor, de Donizetti, en el Teatro Real

“Entre la locura y la ensoñación”, Lucia di Lammermoor, de Donizetti, en el Teatro Real

Publicado: junio 2018

La producción, procedente de la English National Opera, ha triunfado en varios teatros desde su estreno en 2010.

 La puesta en escena de David Alden, fantasmal y opresiva, se inspira en la terrorífica atmósfera victoriana de los cuentos de Edgar Allan Poe, dando a los personajes un fuerte espesor psicológico.

Dos repartos de grandes voces se alternarán en la interpretación de la ópera, encabezada, en los difíciles papeles principales, por las sopranos Lisette Oropesa y Venera Gimadieva y los tenores Javier Camarena e Ismael Jordi.

El director musical Daniel Oren, gran conocedor del melodrama romántico italiano, estará al frente del Coro y Orquesta Titulares del Teatro Real, después de sus éxitos en Les pêcheurs de perles y La favorite.

En el marco de la Semana de la ópera (del 2 al 8 de julio), Lucia di Lammermoor será retransmitida el 7 de julio a las 21.30 horas en pantallas instaladas en plazas, parques, casas de cultura y ayuntamientos, y también en importantes museos, teatros y auditorios de toda España.

Municipios de más de 40 provincias se han sumado ya a la retransmisión, cuyo plazo de inscripción sigue abierto hasta el 30 de junio en: operaparatodos@teatroreal.es

La ópera se retransmitirá también, para todo el mundo, en Facebook Live, Palco Digital y Opera Vision (plataforma de Opera Europa) ese mismo sábado, 7 de julio, a las 21.30 horas.

Durante la Semana de la Ópera habrá concursos y sorteos que invitarán a la participación ciudadana a través de las redes sociales del Teatro Real, que se irán nutriendo de contenidos audiovisuales centrados en la trágica historia de amor y locura de Lucia di Lammermoor: #LocuraConLucia

Las funciones de Lucía di Lammermoor cuentan con el patrocinio de Telefónica.

 Entre los días 22 de junio y 13 de julio el Teatro Real ofrecerá 15 funciones de Lucia di Lammermoor, de Gaetano Donizetti, en la aclamada producción concebida por el director de escena estadounidense David Alden para la English National Opera en 2010 y presentada posteriormente en las óperas de Washington D.C., Toronto, Bonn, Oslo y Goteburgo, siempre con gran éxito.

Basada en la truculenta novela histórica de Walter Scott, The Bride of Lammermoor, que Salvatore Camarano transformó en libreto, la ópera es el epítome del melodrama romántico: emociones exacerbadas, amores imposibles, conflictos ancestrales, espacios espectrales, duelos, traiciones, locura, muerte…

Donizetti compuso la música en apenas un mes, influenciado por el triunfo de I puritani, de su rival Vincenzo Bellini, cuya ópera tiene también una estremecedora escena de locura y una premonitoria tempestad. (En el Teatro Real Javier Camarena fue el protagonista de I puritani en 2016 y lo es ahora también, en la ópera de Donizetti, debutando el papel de Edgardo).

Lucia di Lammermoor es una joven huérfana, desequilibrada y soñadora, enamorada de Edgardo, enemigo de la familia, odiado por su hermano, que la incita a casarse con un noble adinerado para salvarlos de la ruina. Para ello, con la complicidad del capellán y las malas artes de su guardián, hace creer a Lucia que su enamorado la ha traicionado. Empujada a firmar el acta matrimonial, la joven, rota por el dolor y presa de la locura, asesina a su esposo en la noche de nupcias, enajenada en una especie de ensoñación angelical que culmina con su muerte y el posterior suicidio de su amado.

Con esta historia truculenta y el oficio, brillantez y fecundidad característicos de Donizetti, la partitura fluye, arrolladora, alternando el trepidante ritmo del drama con largas suspensiones de la acción teatral, en las que los protagonistas expresan sus sentimientos con gran aliento expresivo y una escritura vocal llena de artificios, muchas veces en beneficio de la caracterización psicológica de los personajes. Así, la extrema dificultad de la coloratura y los registros agudos y endemoniados del papel de Lucia dan a su carácter un aura irreal y onírico, que inmortalizaron cantantes como Maria Callas, Leyla Gencer, Joan Sutherland o Edita Gruberová, que interpretó el papel en el Teatro Real en 2001, junto a José Bros, con dirección musical de Friedrich Haider y escénica de Graham Vick.

Para dar consistencia dramatúrgica a esta trama hiperbólica, David Alden (Alcina y Otello) sitúa la ópera en un decadente sanatorio victoriano diseñado por el escenógrafo Charles Edward, que se inspiró en la antigua residencia del médico británico John Langdon Down, descubridor del síndrome de Down. En una atmósfera siniestra y claustrofóbica los dos hermanos mantienen una relación enfermiza, en la que todo parece suceder en un ambiente espectral, con reminiscencias de la literatura fantástica de Edgar Allan Poe.

Dos cuartetos protagonistas se alternarán en las 15 funciones de la ópera, que se interpretará prácticamente sin cortes y con la orquestación original, incluyendo la célebre armónica de cristal que acompaña la escena de la locura.

Encabezan sendos elencos la estadounidense de ascendencia cubana Lisette Oropesa (Rigoletto) y la rusa Venera Gimadieva (La traviata, I puritani, y El gallo de oro), que actuarán junto a los tenores Javier Camarena (La fille du régiment, I puritani y La favorite) e Ismael Jordi (L’elisir d’amore y Roberto Devereux), secundados por los barítonos Artur Rucinski y Simone Piazzola (Enrico Ashton), los bajos Roberto Tagliavini y Marko Mimica (Raimondo Bidebent), el tenor Yijie Shi (Lord Arturo Bucklaw), la mezzosoprano Marina Pinchuk (Alisa) y el barítono Alejandro del Cerro (Normanno).

Daniel Oren, gran especialista en obras belcantistas, estará al frente del Coro y Orquesta Titulares del Teatro Real.

En el marco de la Semana de la Ópera (del 2 al 8 de julio), Lucia di Lammermoor será retransmitida el 7 de julio a las 21.30 horas en museos, teatros, centros culturales, plazas, parques, auditorios y ayuntamientos de toda España y también en Facebook Live, Palco Digital y Opera Vision, plataforma de ópera en streaming de Opera Europa.

Toda España podrá suspirar con la desdicha de Lucia di Lammermoor, dejarse llevar por sus quimeras y disfrutar de una noche del mejor belcanto, compartiendo sus experiencias con el hashtag #LocuraConLucia.

www.teatro-real.com

Foto: Joan Matabosch (director artístico del Teatro Real), tenor Javier Camarena (Edgardo), soprano Lisette Oropesa (Lucia), tenor Ismael Jordi (Edgardo), soprano Venera Gimadieva (Lucia), David Alden (director de escena), Daniel Oren (director musical). 

Fotógrafo: © Javier del Real | Teatro Real

La ORCAM presenta su temporada 2018 - 2019

La ORCAM presenta su temporada 2018 - 2019

Publicado: junio 2018

La ORCAM (Orquesta y Coro de la comunidad de Madrid) ha presentado su próxima temporada de conciertos 2018/2019.
 
En total, se llevarán a cabo 13 conciertos de abono en el Auditorio Nacional, en los que el Coro de la Comunidad de Madrid tendrá una activa participación, interviniendo en nueve de ellos. Al podio de la ORCAM, además de su Director Titular y Artístico, Víctor Pablo Pérez subirán también otros destacados directores como Cristian Zacharias, Principal Director Invitado, José Ramón Encinar, Director Honorario, Rubén Gimeno  y Pablo González, Álvaro Albiach dirigirá a la JORCAM (Joven Orquesta y Coro de la Comunidad de Madrid). En el ciclo de abono también participarán la JORCAM, los Jóvenes Cantores, los Pequeños Cantores y la Camerata Infantil Fundación BBVA - ORCAM, además de destacados solistas del panorama nacional e internacional.
 
Dentro de la programación cabe destacar el ciclo completo de las sinfonías de Beethoven, dirigidas por Víctor Pablo Pérez y un concierto “De película” con la intervención de dos reconocidos actores de doblaje españoles, Jordi Brau y Luis Posada,que interaccionarán, junto con diferentes imágenes seleccionadas, durante la interpretación de una cuidada selección de bandas sonoras como Good Morning Vietnam, El discurso del Rey, Titanic, Misión imposible, La vida es bella, La máscara, etc.  Cabe también hacer especial mención al concierto que tendrá lugar el 11 de Marzo de 2019, en el que se interpretarán obras de Beethoven y Brahms,  y que estará dedicado a las víctimas del terrorismo.
 
Al margen de la temporada de abono, la ORCAM realizará tres conciertos dentro de su colaboración con la Fundación BBVA,dirigidos respectivamente por José Ramón Encinar, Josep Pons y Óliver Díaz.
 
Como nuevo proyecto, la ORCAM ha presentado un CICLO DE POLIFONÍA Y CÁMARA en colaboración con el REAL CONSERVATORIO SUPERIOR DE MÚSICA DE MADRID, en este ciclo de cuatro conciertos que tendrá lugar en la Sala Manuel de Falla del RCSMM, intervendrán el Coro de la Comunidad de Madrid, los Jóvenes Cantores, los Pequeños Cantores y la Camerata Infantil Fundación BBVA - ORCAM junto con alumnos destacados del RCSMM.
 
Otra novedad será el CARMINA BURANA PARTICIPATIVO, concierto que tendrá lugar el 30 de Octubre en el Auditorio Nacional y en el que participarán más de 500 voces de los coros amateur de nuestro territorio interpretando esta emblemática obra, junto con la Orquesta y Coro de la Comunidad de Madrid y dirigidos por Víctor PABLO Pérez.
 
El proyecto de la JORCAM, integrado por sus diferentes formaciones, Joven Orquesta, Jóvenes Cantores, Pequeños Cantores y Camerata Infantil Fundación BBVA - ORCAM, y el proyecto social “ACERCANDO”, consolida y amplia su presencia en diferentes escenarios: Auditorio Nacional, Teatro Real, Teatros del Canal (ciclo IBERCAJA DE MÚSICA), Universidad Politécnica, Ciudad Escolar, Buitrago del Lozoya, Centro Cultural Paco Rabal, Real Conservatorio Superior de Música de Madrid, y Fundación Juan March, entre otros. Fuera de nuestras fronteras, los Pequeños Cantores viajarán a Italia durante el mes de Septiembre, donde ofrecerán conciertos en Venecia, Padua y Vicenza. 

http://www.orcam.org/

Foto: Autoridades y representantes de la ORCAM, en la presentación.

Las Jornadas de zarzuela 2018

Las Jornadas de zarzuela 2018

Publicado: junio 2018

La Fundación Jacinto e Inocencio Guerrero presentó el pasado viernes 15 de junio la programación de las Jornadas de zarzuela 2018, en la sede de la SGAE. El acto contó con la intervención de Alberto González Lapuente, director de las Jornadas de zarzuela, Antonio Gallego, patrono de la Fundación Jacinto e Inocencio Guerrero, y María Luz González Peña, directora del Centro de Documentación y Archivo de la SGAE (CEDOA).

La zarzuela mecánica” es el título elegido para esta quinta edición de las Jornadas de zarzuela, en referencia a los medios tecnológicos que han contribuido a la promoción del género más allá del escenario teatral. El teatro Auditorio de Cuenca, acogerá numerosas actividades del 26 al 29 de septiembre, destinadas a fomentar el intercambio de ideas entre investigadores, intérpretes, editores, gestores, productores y críticos musicales.

Encuentros y Libro de las Jornadas

Destacados especialistas españoles y extranjeros como Jordi Roquer, Elena Vázquez, Jérôme Collomb, Julio Arce, Antonio Gallego Gallego, Marita Fornaro Bordolli, o Juan Lucas, entre otros, ofrecerán su visión del fenómeno de la zarzuela mecánica desde perspectivas diversas, a través de mesas, ponencias y debates. Como en anteriores ediciones, las ponencias y mesas redondas de los encuentros se recogerán en el Libro de las Jornadas, editado por Alberto González Lapuente y Alberto Honrado Pinilla.

Exposición

La exposición interactiva “La estrategia mecánica”, comisariada por Ignacio Jassa Haro, permitirá a los espectadores tomar contacto con multitud de aparatos históricos, desde el cilindro de cera a la zarzuela líquida pasando por la radio o la megafonía utilizada en los grandes auditorios. Además, un muro grafitero del artista conquense Mr. Trazo recibirá a los visitantes a la entrada del Teatro Auditorio de Cuenca.

Cine, teatro musical, grupo de discusión, concierto

Estreno de la película restaurada Don Quintín el amargao (1925), dirigida por Manuel Noriega, con interpretación en directo en versión para piano (Jorge Robaina) de la música original de Jacinto Guerrero: El género bello, una original producción de la Fundación Juan March apta para todos los públicos, en la que la soprano Irene Palazón, el barítono Gerardo Bullón y el tenor Carlos Crooke (responsable también de la dirección escénica y dramaturgia), cantarán conocidas romanzas, dúos y tercetos de la historia de la zarzuela; un grupo de discusión, siguiendo la técnica del fishbowl, en el que diversos profesionales del sector musical como Javier Suárez-Pajares, Miguel Ángel Marín, Tomás Marco, Cosme Marina, Teresa Cascudo, Antoni Parera Fons o Valentina Granados, entre otros, debatirán sobre “programar zarzuela hoy”. Pablo L. Rodríguez actuará como moderador, y las conclusiones de esta mesa debate serán recogidas en el Libro de las Jornadas; Zarzuela A/V (en colaboración con Radio3 – RNE) con MicroChica y DestroBoy, un set DJ Audiovisual en el que los sonidos de la electrónica conversarán con fragmentos de conocidas zarzuelas.

El calendario de actividades de las Jornadas se completa con el programa de internacionalización en colaboración con Acción Cultural Española (ACE), y el espacio off, que en esta edición consistirá en talleres de estampación, en colaboración con el Museo de Cuenca, dirigidos a alumnos de centros de primaria de Cuenca. 

http://www.fundacionguerrero.com

Foto: El acto contó con la intervención de Alberto González Lapuente, director de las Jornadas de zarzuela, Antonio Gallego, patrono de la Fundación Jacinto e Inocencio Guerrero, y María Luz González Peña, directora del Centro de Documentación y Archivo de la SGAE (CEDOA). 

CRÍTICA (Libros) -

CRÍTICA (Libros) - "El Don de la Fiebre"

Publicado: junio 2018

Olivier Messiaen, el hombre al que susurraban los pájaros

Biografía novelada del compositor y organista francés Olivier Messiaen (1908-1992), dotado de una sensibilidad natural y extraordinaria para la música, inspirado por el canto de los pájaros y llevado en volandas por su fe cristiana, la obra de Messiaen se situó a la vanguardia de la música. Su brillo se vio únicamente ensombrecido por la gran oscuridad de la guerra, y sufrió en un campo de concentración alemán después de haber sido apresado en el frente. Aunque precisamente allí, en el Stalag VIII-A, y con unos medios más que paupérrimos, compuso y estrenó su "Cuarteto para el fin de los tiempos" (1941), quizá la obra por la que es más recordado, tanto por la música en sí como por las condiciones en las que fue concebida.

Retrato quizás más sensorial que académico, estrictamente hablando. No es un ensayo, pero tampoco se aparta mucho del concepto en sí. Cuenca Sandoval trata de trasladar al papel la sensibilidad exacerbada de Messiaen, exprimiendo las posibilidades estilísticas de la música en el papel. No encontrarán una cronología estricta biográfica, ni tampoco un listado de su obra; su devenir está en el origen y en el desarrollo de la obra del genio que creyó en Dios, junto a su advenimiento por la naturaleza y poseyó oído absoluto, ese atributo que sume al individuo en un paisaje sonoro milimétrico. Cultivador temprano de la armonía modal, acabó sus días sosteniendo que las armonías del canto de los pájaros. El don hipnótico de Messiaen se funde con la técnica depurada de Cuenca Sandoval en un sorprendente dominio del lenguaje con un contenido fuertemente onírico, elemento necesario para adentrarte cada vez más en un mundo repleto de recovecos que otorgan al texto un aura de magia.

Se recomienda su lectura de un modo templado, poco a poco, y acompañado de la música del homenajeado. Además de Cuarteto citado, una parte de su obra para piano, otra de su producción organística y su "Sinfonía Turangalila", por ejemplo. Adentrándose en su música lentamente, en dosis justas para no hastiarse de la misma. No es un músico fácil de entender a primera vista, debemos ir paso a paso, con el texto al lado, y al finalizar el mismo ya podrán zambullirse en las densas aguas cristalinas y naturales de su estilo nuevo y rompedor, propio del Siglo XX.

Estamos ante un libro ambicioso y denso que se disfruta mucho más si se es un tipo de lector sensible y que busca refugio de los combates cotidianos de los pequeños placeres que da la vida de la cultura, como la poesía y la música.

Luis Suárez

Mario Cuenca Sandoval: "El Don de la Fiebre" (2018)
Editorial: Seix Barral
Temática: Novela literaria | General narrativa literaria
Colección: Biblioteca Breve | Serie Volumen independiente
Número de páginas: 336

Novedades DVD-BluRay de Música Directa para Julio: Bernstein - Teatro Real

Novedades DVD-BluRay de Música Directa para Julio: Bernstein - Teatro Real

Publicado: junio 2018

Un lanzamiento como este no debe dejarse pasar inadvertido, ya que ofrece dos maravillosos documentos de Leonard Bernstein, por una parte Sinfonías de Haydn con la Filarmónica de Viena y por primera vez en DVD, aparece el semi-escenificado Tristan que grabó con la Radio de Baviera, solo disponible hasta ahora en CD. Subtítulos en español para una experiencia inenarrable, por diferente e intensa. Más que imprescindibles, ambos obligatorios. Y la vida sigue más allá de estas dos joyas, con Le Château de Barbe Bleue y La Voix Humaine por nombres como Salonen, Barbara Hannigan o la escena de Warlikowski. Dos óperas con escena de Claus Guth: Clemenza di Tito con el gran director que ya es Robin Ticciati y el aplaudido Lucio Silla que pudo verse en el Teatro Real de Madrid.

Además, la portentosa Minnie de Emily Magee en la siempre apetecible Fanciulla del West de Puccini o desde el espectacular Festival de Bregenz de 2017 se edita con la máxima calidad audiovisual este Mosè rossiniano. Muy interesantes dos de las obras más afamadas del sinfonismo británico, Los planetas y Variaciones Enigma, reunidas en este precioso DVD con documental o el centenario del nacimiento de Birgit Nilsson que propicia este espléndido documental “A league of her own”, entre otras novedades.

¿Quién da más…? Pasen y vean

Grandes Nombres que podrá encontrar en este lanzamiento:
Leonard Bernstein, Idil Biret, Ivor Bolton, Andrew Davis, Plácido Domingo, Barbara Hannigan, Peter Hofmann, Jonas Kaufmann, James Levine, Emily Magee, Birgit Nilsson, Patricia Petibon, Esa-Pekka Salonen, Stemme, Jonathan Watkins...


Acceso web de las novedades. Haga “clic” en: Novedades DVD Julio
Para más información sobre la tienda "Online" haga "Clic" en: Música Directa 

Información detallada de cada disco del  lanzamiento
Para ver el detalle de cada disco haga “clic” en (+ Info-Comprar) en cada uno

NOVEDADES DVD JULIO 2018 

BARTÓK: Le Château de Barbe Bleue. POULENC: La Voix Humaine. Hannigan, Gubanova, Relyea. Opera de París / Esa-Pekka Salonen. Escena: K. Warlikowski.
1679 – 121 min.
109364 (DVD)
Ean: 4058407093640
ARTHAUS – Precio: 37,50 Euros
(+ Info-Comprar)
Dos obras maestras del teatro musical del siglo XX que coinciden en este DVD por su breve duración y “montaje”, a cargo de nombres como Salonen, Barbara Hannigan o la escena de Warlikowski. Imprescindibles documentos de óperas del pasado siglo.

MOZART: La Clemenza di Tito. Croft, Stéphany, Coote. Glyndebourne Chorus. Orchestra of the Age of Enlightenment / Robin Ticciati. Escena: Claus Guth.
16/9 – 143 min.
OA1255D (DVD)
Ean: 0809478012559
OPUS ARTE – Precio: 37,50 Euros
(+ Info-Comprar)
Guth reinventa esta Clemenza como lo hizo con Parsifal, desafiando al espectador ante una trama dentro de la trama. Sensacionales aportes de los cantantes y confirmación del gran director que ya es Robin Ticciati. Máxima calidad audiovisual.

MOZART: Lucio Silla. Petibon, Streit, Tro Santafé. Teatro Real de Madrid / Ivor Bolton. Escena: Claus Guth.
16/9 – 180 min. – Sub.Esp.
BAC150 (2 DVDs)
Ean: 3760115301504
BELAIR – Precio: 37,50 Euros
(+ Info-Comprar)
Visto en el Teatro Real de Madrid en octubre de 2017, este Lucio Silla recibió todos los elogios posibles al tándem Bolton-Guth. Con unos cantantes inspirados (Petibon, Tarver), la máxima calidad audiovisual lo convierte en imprescindible. 

PUCCINI: La Fanciulla del West. Magee, Aronica, Sgura. Teatro di San Carlo / Juraj Valčuha. Escena: Hugo de Ana.
16/9 – 144 min.
37816 (DVD)
Ean: 8007144378165
NAXOS – Precio: 29,20 Euros
(+ Info-Comprar)
Fue uno de los logros del San Carlo de Nápoles en su apertura de temporada en 2018, con la portentosa Minnie de Emily Magee en la siempre apetecible Fanciulla del West de Puccini, en versión clásica de escena de Hugo de Ana. 

RESPIGHI: La Campana Sommersa. Farcas, Borsi, Smimmero. Teatro Lirico di Cagliari / Donato Renzetti.
16/9 – 140 min.
2.110571 (DVD)
Ean: 0747313557158
NAXOS – Precio: 29,20 Euros
(+ Info-Comprar)
Naxos rescata un desconocido título operístico italiano del siglo XX, como es La Campana Sommersa de Respighi, filmado en 2016 en el Teatro Lirico di Cagliari con la dirección orquestal de un especialista como Donato Renzetti.

ROSSINI: Mosè in Egitto. Foster-Williams, Fredrich, Dladla. Wiener Symphoniker / Enrique Mazzola. Festival de Bregenz.
16/9 – 150 min.
744808 (2 DVDs)
Ean: 0814337014483
CMAJOR – Precio: 45,95 Euros
(+ Info-Comprar)
Desde el espectacular Festival de Bregenz de 2017 se edita con la máxima calidad audiovisual este Mosè rossiniano, que reúne a grandes cantantes en Rossini y al gran especialista Enrique Mazzola.

WAGNER: Tristan und Isolde. Hofmann, Behrens, Minton. Symphonieorchester des Bayerischen Rundfunks / Leonard Bernstein.
4/3 – 291 min. - Sub.Esp.
746208 (3 DVDs)
Ean: 0814337014629
CMAJOR – Precio: 45,95 Euros
(+ Info-Comprar)
Por primera vez en DVD aparece el semi-escenificado Tristan de Leonard Bernstein que grabó con la Radio de Baviera, solo disponible hasta ahora en CD. Subtítulos en español para una experiencia inenarrable, por diferente e intensa. Más que imprescindible, obligatorio. 

Watkins. 1984. Northern Ballet. Jonathan Watkins, coreógrafo. Northern Ballet Sinfonia / John Pryce-Jones.
16/9 – 88 min.Ç
OA1265D (DVD)
Ean: 0809478012658
OPUS ARTE – Precio: 37,50 Euros
(+ Info-Comprar)
Ganador del Premio South Bank Sky Arts para la Danza, el ballet 1984 de Jonathan Watkins está inspirado en la obra maestra de George Orwell. El Northern Ballet demuestra su total capacidad como uno de los grandes conjuntos del mundo. 

HAYDN: Sinfonías núms. 94, 92 y 88. Sinfonía Concertante. Wiener Philharmoniker / Leonard Bernstein.
4/3 – 111 min.
746408 (DVD)
Ean: 0814337014643
CMAJOR – Precio: 29,20 Euros
(+ Info-Comprar)
111 minutos de plena gloria. El Haydn de Bernstein con la Filarmónica de Viena puede pasar como uno de los grandes registros de toda la historia. Haydn jamás ha sonado de tal modo. Por tanto, imprescindible es poco.

British Classics Box. HOLST: The Planets.  ELGAR: Enigma Variations. BBC Nat. Orch. of Wales (Holst) / David Atherton. BBC Symph. Orch. (Elgar) / Andrew Davis.
16/9 – 144 min. – Sub.Esp.
OA1266BD (2 DVDs)
Ean: 0809478012665
OUS ARTE – Precio: 29,20 Euros
(+ Info-Comprar)
Dos de las obras más afamadas del sinfonismo británico reunidas en este precioso DVD con documental incluido. Una manera perfecta de disfrutar de nuevo de estas grandiosas obras, con directores como Atherton y A. Davis. 

Idil Biret. Concierto 75 aniversario. Borusan Istanbul Philharmonic Orchestra / Toshiyuki Shimada. Idil Biret, piano.
16/9 – 137 min.
2.110567 (DVD)
Ean: 0747313556755
NAXOS – Precio: 24,50 Euros
(+ Info-Comprar)
Grabado en 2016 con motivo del 75 aniversario de la pianista turca Idil Biret, esta despliega su mejor arte en dos de las obras que mejor ha tocado durante su larga carrera: Rapsodia Paganini de Rachmaninov y el Concierto de Hindemith. 

Birgit Nilsson. A league of her own. Documental en su centenario. Domingo, Levine, Stemme, Kaufmann, Horne, Ludwig...
16/9 – 89 min.
800008 (DVD)
Ean: 0814337017804
CMAJOR – Precio: 29,20 Euros
(+ Info-Comprar)
El centenario del nacimiento de Birgit Nilsson propicia este espléndido documental “A league of her own”, sobre la grandísima soprano sueca, con apariciones de Nina Stemme, Jonas Kaufmann, Christa Ludwig, etc.

 

Novedades BluRay Julio 2018

Diez de los 12 títulos que se presentan en DVD se editan también en BluRay. Seguidamente encontrará el listado de todos ellos con sus descripciones, precios y enlaces de información y compra.
Disfrute de la enorme mejora en calidad adiovisual que este soporte le ofrece y que le permitirá aprovechar al máximo los equipos multimedia de su hogar

Acceso web de las novedades. Haga “clic” en: Novedades BluRay Julio
Para más información sobre la tienda "Online" haga "Clic" en: Música Directa 

Información detallada de cada disco del  lanzamiento
Para ver el detalle de cada disco haga “clic” en (+ Info-Comprar) en cada uno
 

BARTÓK: Le Château de Barbe Bleue. POULENC: La Voix Humaine. Hannigan, Gubanova, Relyea. Opera de París / Esa-Pekka Salonen. Escena: K. Warlikowski.
1679 – 121 min.
109365 (BluRay)
Ean: 4058407093657
ARTHAUS – Precio: 45,95 Euros
(+ Info-Comprar)
Dos obras maestras del teatro musical del siglo XX que coinciden en este DVD por su breve duración y “montaje”, a cargo de nombres como Salonen, Barbara Hannigan o la escena de Warlikowski. Imprescindibles documentos de óperas del pasado siglo.

MOZART: La Clemenza di Tito. Croft, Stéphany, Coote. Glyndebourne Chorus. Orchestra of the Age of Enlightenment / Robin Ticciati. Escena: Claus Guth.
16/9 – 143 min.
OABD7232D (BluRay)
Ean: 0809478072324
OPUS ARTE – Precio: 45,95 Euros
(+ Info-Comprar)
Guth reinventa esta Clemenza como lo hizo con Parsifal, desafiando al espectador ante una trama dentro de la trama. Sensacionales aportes de los cantantes y confirmación del gran director que ya es Robin Ticciati. Máxima calidad audiovisual.

MOZART: Lucio Silla. Petibon, Streit, Tro Santafé. Teatro Real de Madrid / Ivor Bolton. Escena: Claus Guth.
16/9 – 180 min. – Sub.Esp.
BAC450 (BluRay)
Ean: 3760115304505
BELAIR – Precio: 45,95 Euros
(+ Info-Comprar)
Visto en el Teatro Real de Madrid en octubre de 2017, este Lucio Silla recibió todos los elogios posibles al tándem Bolton-Guth. Con unos cantantes inspirados (Petibon, Tarver), la máxima calidad audiovisual lo convierte en imprescindible. 

PUCCINI: La Fanciulla del West. Magee, Aronica, Sgura. Teatro di San Carlo / Juraj Valčuha. Escena: Hugo de Ana.
16/9 – 144 min.
57816 (BluRay)
Ean: 8007144578169
NAXOS – Precio: 37,50 Euros
(+ Info-Comprar)
Fue uno de los logros del San Carlo de Nápoles en su apertura de temporada en 2018, con la portentosa Minnie de Emily Magee en la siempre apetecible Fanciulla del West de Puccini, en versión clásica de escena de Hugo de Ana. 

RESPIGHI: La Campana Sommersa. Farcas, Borsi, Smimmero. Teatro Lirico di Cagliari / Donato Renzetti.
16/9 – 140 min.
NBD0072V (BluRay)
Ean: 0730099007269
NAXOS – Precio: 29,20 Euros
(+ Info-Comprar)
Naxos rescata un desconocido título operístico italiano del siglo XX, como es La Campana Sommersa de Respighi, filmado en 2016 en el Teatro Lirico di Cagliari con la dirección orquestal de un especialista como Donato Renzetti.

ROSSINI: Mosè in Egitto. Foster-Williams, Fredrich, Dladla. Wiener Symphoniker / Enrique Mazzola. Festival de Bregenz.
16/9 – 150 min.
744904 (BluRay)
Ean: 0814337014490
CMAJOR – Precio: 45,95 Euros
(+ Info-Comprar)
Desde el espectacular Festival de Bregenz de 2017 se edita con la máxima calidad audiovisual este Mosè rossiniano, que reúne a grandes cantantes en Rossini y al gran especialista Enrique Mazzola.

WAGNER: Tristan und Isolde. Hofmann, Behrens, Minton. Symphonieorchester des Bayerischen Rundfunks / Leonard Bernstein.
4/3 – 291 min. - Sub.Esp.
746304 (BluRay)
Ean: 0814337014636
CMAJOR – Precio: 45,95 Euros
(+ Info-Comprar)
Por primera vez en DVD aparece el semi-escenificado Tristan de Leonard Bernstein que grabó con la Radio de Baviera, solo disponible hasta ahora en CD. Subtítulos en español para una experiencia inenarrable, por diferente e intensa. Más que imprescindible, obligatorio. 

Watkins. 1984. Northern Ballet. Jonathan Watkins, coreógrafo. Northern Ballet Sinfonia / John Pryce-Jones.
16/9 – 88 min.
OABD7241D (BluRay)
Ean: 0809478072416
OPUS ARTE – Precio: 45,95 Euros
(+ Info-Comprar)
Ganador del Premio South Bank Sky Arts para la Danza, el ballet 1984 de Jonathan Watkins está inspirado en la obra maestra de George Orwell. El Northern Ballet demuestra su total capacidad como uno de los grandes conjuntos del mundo. 

HAYDN: Sinfonías núms. 94, 92 y 88. Sinfonía Concertante. Wiener Philharmoniker / Leonard Bernstein.4/3 – 111 min.
746504 (BluRay)
Ean: 0814337014650
CMAJOR – Precio: 45,95 Euros
(+ Info-Comprar)
111 minutos de plena gloria. El Haydn de Bernstein con la Filarmónica de Viena puede pasar como uno de los grandes registros de toda la historia. Haydn jamás ha sonado de tal modo. Por tanto, imprescindible es poco. 

Birgit Nilsson. A league of her own. Documental en su centenario. Domingo, Levine, Stemme, Kaufmann, Horne, Ludwig...
16/9 – 89 min.
800104 (BluRay)
Ean: 0814337017811
CMAJOR – Precio: 45,95 Euros
(+ Info-Comprar)
El centenario del nacimiento de Birgit Nilsson propicia este espléndido documental “A league of her own”, sobre la grandísima soprano sueca, con apariciones de Nina Stemme, Jonas Kaufmann, Christa Ludwig, etc.

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